LOOPER.

Rian Johnson que debutó hace 7 años en Sitges con ‘Brick’ vuelve con su última propuesta para cerrar la edición número 45 del Festival de Cinema Fantàstic: ‘Looper’, una historia con un solo protagonista encarnado por dos: Joseph Gordon-Levitt y Bruce Willis (todo un acierto). La parte más interesante del film es la primera media hora: la presentación del Kansas de 2042 donde se desarrolla la historia. Joe (Joseph Gordon-Levitt) es un looper o sicario que se encarga de eliminar a personas que son enviadas (encapuchadas y con el dinero a cambio del servicio prestado) a través de una máquina del tiempo del futuro, concretamente de 2072 puesto que 30 años más tarde los deshacerse de los cadáveres es prácticamente imposible. Todo cambia cuando a quien envían es a su yo del futuro (Willis). Esta es la premisa con la que se presenta éste film interesante pero poco original con varios tintes de Blade Runner. No es la única referencia. También Minority Report en un primer momento (en tanto que el supuesto enemigo a eliminar es el propio protagonista –aunque sea del futuro), pero definitivamente Terminator (cuando el objetivo del Joe de 2072/Willis es asesinar a un joven que en el futuro será conocido como el Fundador que tiene oscuras intenciones que no desvelaremos). Ahí no acaba todo. Incluso también hay un momento totalmente innecesario ‘Die Hard’ (Jungla de Cristal) con Willis arma en mano deshaciéndose de varios enemigos a la vez que acaba demostrando que, a pesar de los continuos giros previsibles de guión, estamos ante un film palomitero efectivo pero nada ingenioso. Eso sí, con un desenlace totalmente inesperado.

ROMAN POLANSKI ,DIRIGE VENUS IN FUR.

Roman Polanski ya tiene nuevo proyecto en marcha, la adpatación de la obra teatral Venus in Fur, representada en el circuito de Broadway y en el off-Broadway. Se trata de una comedia erótica con un tono bastante negro que el director rodará en francés y que estará protagonizada por su mujer, Emmanuelle Seigner, y Louis Garrel. El guión lo escribirá mano a mano con David Ives y la peli estará producida por sus habituales colaboradores Robert Benmussa y Alain Sarde. Este proyecto se adelanta así al que hasta ahora figuraba como su peli más inmediata, D., sobre el escándalo Dreyfus que tuvo lugar en Francia a finales del XIX cuando Alfred Dreyfus fue juzgado y acusado de traición por pasar información secreta a los alemanes. “He esperado mucho tiempo en busca de la oportunidad para rodar una película en francés con Emmanuelle. (…) Leyendo ‘Venus in Fur’ vi que ese momento había llegado. Me cautivó de tal manera la posibilidad de llevar esta comedia negra tan brillante al cine que decidí hacerla antes que D., cuyo guión y preproducción requerirán unos pocos meses más. Louis Garrel y Emmanuelle Seigner formarán un gran tandem” ha dicho el director sobre el proyecto.

HEADHUNTERS

La película cuenta con los mismos productores de Millenium (‘Los hombres que no amaban a las mujeres’), y eso se palpa de lleno en cada escena; disfrutando de un thriller realista y cercano (lejos de las estrafalarias y multitudinarias persecuciones de Hollywood). La trama es buena, absorbente desde la primera escena (con voz en off donde el protagonista nos desvela que sólo mide 1,68 metros), aderezada con violentas y sangrientas escenas sumamente cuidadas en su crudeza y veracidad, así como esporádicos desnudos para todos los gustos. El director dirige con audacia para poder presenciar cómo el protagonista es experto en sus dos trabajos; el legal, fichar directivos de talento. Y también en su otro trabajo, robar cuadros y sustituirlos por copias. Todo va bien hasta que conoce a Clas, no sabiendo a quién ha intentado robar, nada menos que a un exmiliar experto en localizar personas. En cuanta a las interpretaciones, éstas son muy solventes, resaltando a su trío protagonista, con un Roger al que acabas cogiéndole cariño… Y asco en cierta escena que recuerda peligrosamente a ‘Slumdog millionaire’ (2008). La actriz que interpreta a su mujer lo hace bastante bien para ser su debut en una película, convenciendo en su papel de esposa desatendida. Y qué decir de Nikolaj, con esos gestos de seductor reconocidos en su papel como Jaime (aunque sin ser rubio esta vez), pero consiguiendo meterse plenamente en su papel de soldado retirado que no se cansará hasta cumplir su objetivo. En resumen, sin querer revelar datos relevantes de la trama, nos encontramos ante un excelente thriller de acción, repleto de intrigas, violencia, alguna que otra escena inolvidable, y con una dosis saludable de humor. Pero, sobretodo, consta de algo imprescindible en todo thriller y novela negra digna de ser apreciada: unos giros de la trama buenos y creíbles que conseguirán mantenerte alerta durante toda la cinta. Lo peor: El giro final está bastante cogido por los pelos (nunca mejor dicho), pero no arruina lo conseguido durante la película. Lo mejor: Su crudeza, suciedad y realismo; convirtiéndola en una cinta imprescindible del género. Si el libro en el que se basa es al menos tan bueno… Habrá que leerlo.

TAXI DRIVER

Lo que hace que "Taxi Driver" sea de mis películas favoritas, es que Scorsese consigue que nos identifiquemos con un personaje tan difícil, sin que queramos justificar sus motivaciones ni hechos. Me explico: Travis es un loco. Ha estado en Vietnam (lo que significa que en mayor o menor medida tendrá algún síndrome de guerra), tiene imsomnio, se enamora y se desengaña, y poco a poco va sintiendo deseos de matar, producto de su mente atormentada. Estos deseos los canaliza en un supesto deseo justiciero, que crecen todavía más cuando conoce a Iris, una prostituta de 12 años. Por lo tanto, Travis es un hombre adolorido, falto de amor, que entra en una profunda crisis cuando se ve desengañado. Cuando decide entrar en acción, obviamente no vamos a estar de acuerdo (a no ser que alguien que crea que los problemas de la sociedad se resuelven a tiros) y vemos su caída cuesta abajo. Cuando va por la calle pensando en la escoria que lo rodea, él mismo pertenece a ella: es un tipo raro, desenamorado y taciturno. La escena en que lo deja clarísimo es en la del espejo ("Are you talking to me?") y nos enseña explícitamente un carácter paranoico. Desde luego,el amor es el tema de esta película, ya que es lo que lo lleva a moverse de manera violenta en más de una ocasión, pues es una sensación que había experimentado pocas veces (recordemos la escena en que por primera vez ve a Betty, donde aparece como un ángel). No aplaudimos su conducta, la condenamos y sentimos una terrible lástima por él. La película en ningún momento pretende dar lecciones de nada: es la triste historia de un pobre hombre desgraciado. La ambientación, la música de saxofón, los actores hacen de esta película una obra maestra. Por último, hay que tener en cuenta el contexto histórico. "Taxi Driver" fue hecha en un momento muy difícil para los EEUU, donde después de la Guerra de Vietnam y de la dimisión de Richard Nixo los ánimos de la sociedad y la credibilidad de la clase política estaban por los suelos. Decir que a quien le sentó muy mal esta película y se identificó demasiado con Travis, fue un tal John Hinckley, que desarrolló una obsesión por Jodie Foster y su papel en "Taxi Driver" y que en 1981 intentó cargarse a tiros a Ronald Reagan. Desde entonces está en un psquiátrico.

LA FRIA LUZ DEL DÍA.

El cine de acción norteamericano bien hecho -por citar títulos recientes, véase la saga Bourne, o la saga Misión Imposible...- es para quitarse el sombrero, entre otras cosas, porque tiene un gran presupuesto, buenos actores, sólidos directores (desde Brian de Palma a John Woo...) y un guión bien escrito (bueno, a veces...). Pero cuando se intenta hacer una chapuza, ya sea desde Hollywood, o desde la tasca de Benito, al final las cosas "cantan". Mabrouk El Mechri es un joven realizador francés de origen argelino que deslumbró a todos en el Festival de Cannes con "JVCD", un originalísimo semi-documental para relanzar la (casi destrozada) estrella de Jean Claude Van-Damme. Por ello parecía un realizador con el suficiente crédito como para dirigir un producto como este, con estrellas internacionales (Bruce Willis, Sigourney Weaver), otras emergentes como Henry Cavill (el próximo Supermán de Zack Snyder) y una historia de espías con mucha acción. Pues resulta que aunque en el film se ven destellos del talento visual de este director -como ya se veían en "JVCD"- parece que el encargo le ha venido demasiado grande, ya que el resultado final ha sido mediocre. Es cierto, la cinta tiene secuencias muy bien conseguidas, especialmente las de acción, pero el guión resulta no solo poco creíble, sino en su segundo acto realmente pesado: un joven norteamericano viaja hasta España para estar con su familia, de vacaciones en su velero navegando por el Mediterráneo. A pesar de las desavenencias con su padre, el chaval se alegra de verlos. El problema empezará cuando al volver al barco después de una excursión por tierra, se lo encuentra desierto y al ir a la policía todo se descontrola, ya que aparece el padre y le explica que en realidad es un agente de la CIA, y que han secuestrado a su familia. Pero la cosa empeora, porque los mismos compañeros de su padre parece que tienen unos planes muy marcados.....en definitiva una muy mala pelicula,llena de topicos.

LOS MERCENARIOS - 2

La trama es simple y es lo de menos. Basicamente, ir a cargarse al malo y matar a todo aquel que se ponga en medio. Lo que se presuponía de esta película de reunión de viejas glorias es que haya mucha acción, cameos o secundarios aprovechados y dosis de humor autoparódico con referencias que contenten a los fans y le digan uno al otro en la butaca "esto es de la peli tal" o "esta es la típica broma de este" etc. Empezando por hablar de la acción, tiene bastante más que su predecesora. Cierto es que concentrada al inicio y al final, pero manteniendo un ritmo ágil que no llega a decaer en ningún momento. Armas de fuego de todos tipos y tamaño, muertes para todos los gustos con escenas de cabezas que saltan, miembros que vuelan o acribillamientos que harán las delicias de los asesinatos exagerados y encarnizados. Destacar que pese a que en muchas películas pasa sin que tengan la excusa de maquillar las carencias de actores fuera de forma, no abusan de las escenas rápidas y confusas y toda la acción es muy disfrutable y el espectador disfruta con ellas. Respecto al humor, sigue sin ser ingeniosa, pero si ofrece lo que se espera. Mucha complicidad entre los personajes, mucho vacile de colegueo y muchas referencias autoparódicas con en ocasiones geniales y en otras algo justitas, frases lapidarias. En esta también están mucho mejor aprovechados los secundarios y cameos. Se unen al reparto caras esperadas y cumplen a la perfección, teniendo además más papel y presencia en pantalla que un simple saludo puntúal a lo que por desgracia algunos de ellos fueron relegados en la cinta predecesora. En lo que sigue cojeando practicamente igual es en los momentos dramáticos. Tiene sobretodo dos escenas en este sentido y que no solo no conmueven (esa música forzada de fondo da hasta risa) sino que las frases del monólogo del chaval dan bastante grima y recuerdan al monólogo de Mickey Rourke. Respecto a la BSO aparte de forzarla en momentos dramáticos, se oye bastante fuerte en algunas escenas. En resumen: diversión y entretenimientos en estado puro, sin muchas pretensiones, pero muy disfrutable.

ELYSIUM. (ESTRENO)

Tras meter un golazo con Distrito 9, el próximo proyecto de Neill Blomkamp ya tiene fecha. Sony decidió así que la película de ciencia ficción de trasfondo socio-político que estará situada en el futuro en 150 años, y que mantendrá dosis importantes de acción/violencia con dos ciudades y otro planeta en el cuento, se estrene el 8 de marzo de 2013. Pero esa no es la única novedad reinante del proyecto, ya que el brasileño Wagner Moura, será el “villano poderoso” de la historia, que cuenta con un ‘demente sentido del humor’. Su elección en el casting va de la mano tras ganar notoriedad en los últimos años con su participación en las exitosas entregas del choque en las favelas de las películas Tropa de Elite.

Moura se suma así a un elenco que incluye además a Matt Damon, Sharlto Copley y, supuestamente, Jodie Foster, para un proyecto que tendrá 120 millones de dólares de presupuesto y el trabajo en los diseños futuristas de los sets de Syd Mead (Blade Runner). Un claro salto del costo del hit que representó la película de los langostinos del director sudafricano.

PROMETHEUS.

Lo primero que se suele hacer en dos películas de un mismo director y saga es compararlas, pero Prometheus no es Alien el Octavo Pasajero ni viceversa. La cinta del año 79 era una película de terror en el espacio donde había ciertas cosas que no entendíamos como el momento en el que entran por primera vez en aquel lugar donde encuentran una especie de gigante fosilizado. Todo eso pasa a un segundo plano para emergernos de lleno en el Alien y lo que le pasa a la tripulación.




La idea de Scott no ha sido la de hacer otro Alien, aunque era lo que muchos nos creíamos.

Su idea ha sido revolucionaria hasta tal extremo que lo que ha hecho ha sido abrir puertas para hacer mas extenso ese mundo y que a la vez nos deje mas intrigados.



Pero ¿Es o no es Prometheus una precuela de Alien el Octavo Pasajero?

Sí y no. Para eso tendreis que verla, pero sí es verdad que su relación con la cinta del 79 es profunda. El que diga lo contrario miente. Es otra historia pero tiene una linea que la une. Una linea que esperamos se cierre con una segunda parte que se ha anunciado como oficial y que espero que sea el propio Scott quien la dirija.



A mi, Ridley me parece un director que a pesar de hacer muy buenas películas, las que mas me gustan (y por ley son sus obras maestras) son las de ciencia ficción. Es un género que lo maneja muy bien, y para colmo es mi género favorito.

Con Prometheus ha sabido volver a hacer una gran película (no es perfecta) del género y lo mejor de todo es que no deja que las cosas vaya cayendo de la forma que nosotros creemos para ver el enlace con la primera cinta original. Todo lo contrario, al acabar el film se nos quedará una cara de tontos al comprobar que Ridley Scott sabe lo que hace y bien, y tiene varios ases en la manga.

Pero es cierto que hay algún problema que renace en ésta nueva película. Y es que salen nuevos datos, algunos esclarecedores, pero otros no lo son tanto como la finalidad de las vasijas, algunos seres que salen, murales, etc... Evidentemente, algunos pueden caer por su propio peso por lógica, pero otros no resultan del todo claros. Probablemente lo sean en una segunda entrega.

TORMENTA.

“Tormenta” es el primer volumen de la saga de Harry Dresden del norteamericano Jim Butcher. En este libro, Butcher nos presenta a su creación y protagonista, el mago Harry Blackstone Copperfield Dresden, que reside en la ciudad de Chicago y que es el único mago autentico que aparece en la guía con esa ocupación. Nada de fiestas infantiles, o shows para convenciones, siquiera sesiones de espiritismo con té y pastas. Dresden se dedica a hacer magia de verdad, fundamentalmente a encontrar cosas, más que nada porque la gente no cree en magia y son pocos los que le llaman para que deshaga maldiciones o se encargue de seres sobrenaturales. De vez en cuando recibe algún encargo para que haga exorcismos, pero normalmente los supuestos sucesos paranormales de este tipo están en la cabeza de los clientes y Harry no cobra por cosas no relacionadas con la magia.




Esto de ser horrado conlleva encontrase sin blanca, contando los centavos de los bolsillos para poder pagar el alquiler de su apartamento-despacho-laboratorio que comparte con su gato Mister (Todos los magos han de tener un gato, claro) y con la calavera parlante Bob, espíritu-base de datos que le hecha una mano a la hora de realizar pócimas o de recordar fechas, pues Dresden tiene un pequeño problema con la tecnología o más bien la tecnología lo tiene con Dresden. Su aura mágica interfiere en todo lo que sea mecánico haciendo que deje de funcionar sin solución posible y así no hay forma de tener un ordenador que remplace al exasperante Bob.



Así que nuestro mago malvive en una casa cochambrosa, a oscuras para que su magia no haga reventar las bombillas y esperando a que suene el teléfono y cruzando los dedos para que la voz al otro lado del auricular no marque sólo para preguntar: "¿Eso de ser mago va en serio?". 

Muy recomendable para pasar un buen rato.

EL PACTO.

Roger Donaldson dirige a un Nicolas Cage con piloto automático acompañado de un correcto Guy Pearce en un thriller más bien soso. Esa sería mi descripción en breves palabras de lo último de Nick en cartel. Tan prescindible como olvidable al salir de la sala.




Se trata de un thriller correcto sin más. La trama no sorprende ni posee unas actuaciones especialmente brilantes. Como lo de Cage en esto del celuloide va en picado desde hace mas bien bastante, eligiendo papeles en films de segunda cuando tuvo una época dorada interpretando en joyas como Leaving Las Vegas o El señor de la guerra, no sorprende en absoluto verle en films mediocres como es el caso. La situación financiera del actor debe estar en serio compromiso, y por ello debe elegir los guiones con una venda en los ojos. Tampoco es de extrañar ese comportamiento en momentos de crisis. Y mucho me temo que lo siguiente del actor en pantalla seguirá el mismo camino que la que estoy comentando, y me refiero a la aún no estrenada Stolen, de Simon West. Veremos.



Con ello, El pacto (Seeking Justice es mucho más acorde con lo que sucede en la trama) es un thriller al uso que no acaparará nuestra atención demasiado tiempo, y que no cosechará demasiadas buenas críticas. Siendo sincero, no merece pagar por ella y esperar su pronta edición en formato digital para su visionado. Dista mucho de ser un buen thriller excepto en un par de momentos interesantes, y para alguien que ha visto a su protagonista vivir tiempos donde su estrella brillaba mucho más, es simplemente otra ocasión desperdiciada de desempeñar un buen trabajo y volver a escalar la cumbre que una vez pisó, aunque fuera por un periodo más bien corto. Muchos son ya los patinazos de Cage en poco tiempo, sin ir más lejos citando títulos tan fugaces y mediocres como fueron Bajo Amenaza (Joel Schumacher), Furia Ciega (Patrick Lussier) o En tiempo de brujas (Dominic Sena), pasando por alto la infumable segunda entrega del Motorista Fantasma, por la que el amigo cobraría su correspondiente cheque, por supuesto. Aquí se limita prácticamente a hacer lo mismo, dentro de una historia de venganza en la que terminará pagando un peaje demasiado caro.

CALLE DE LAS TIENDAS OSCURAS.

Guy Roland es un hombre sin pasado y sin memoria. Ha trabajado durante ocho años en la agencia de detectives del barón Constantin von Hutte, que acaba de jubilarse, y emprende ahora, en esta novela de misterio, un apasionante viaje al pasado tras la pista de su propia identidad perdida. Paso a paso Guy Roland va a reconstruir su historia incierta, cuyas piezas se dispersan por Bora Bora, Nueva York, Vichy o Roma, y cuyos testigos habitan un París que muestra las heridas de su historia reciente. Una novela que nos sitúa ante un yo evanescente, un espectro que trata de volverse corpóreo en un viaje de retorno a un tiempo olvidado. Pero esta búsqueda es también una poderosa reflexión sobre los mecanismos de la ficción, y Calle de las Tiendas Oscuras es una novela (inédita en España y que en su día ganó el Premio Goncourt) sobre la fragilidad de la memoria que, sin duda, perdurará en el recuerdo. «Siempre a la caza de los espectros del pasado, empezando por los de la Ocupación, período tabú de la historia francesa. Y Modiano será el primer gran novelista francés en exorcizarlo» (Delphine Peras, Lire).

EL ENIGMA DEL CUERVO.

James McTeigue parece haber ido a menos en las películas (pocas de momento) que hizo tras su magnífica ópera prima V de Vendetta. En esta ocasión nos narra los últimos días de la vida de Edgar Allan Poe. Pocas películas llegan de la industria hollywoodiense en lo que respecta al género de los asesinos en serie. Tras el boom de finales del siglo pasado, parece que poco a poco ha quedado relegado a cintas de serie B. Por ello, muchos esperábamos el estreno de esta que nos ocupa y cuyo visionado deja bastante frío al espectador más critico. La película no es mala pero no tiene un buen guión ni nada en especial. Un visionado que no va más allá de un ligero entretenimiento sin muchos factores a destacar por mi parte la puesta en escena y la cuidada fotografia. Las actuaciones son simplemente correctas, con un John Cusack voluntarioso, tanto que quizá en varios momentos cae en la sobreactuación. Desde el inicio ya sabes que muere porque es lo primero que te dicen, por lo que te queda el factor de interesante en la investigación o el misterio del asesino. Salvo algún momento a lo "aventura gráfica" de videojuego, dejando pistas que hay que seguir como migas de pan (y que tampoco demuestran un gran ingenio) la trama no engancha y te da bastante igual lo que le pase a la pobre secuestrada. Lo mismo para un asesino que no te tiene con la intriga de saber quién será y cuando lo descubres, tampoco te importa en demasía. No se si la interpretación del personaje ha hecho revolverse a Poe en su tumba o no porque lo desconozco a él y a su obra pero estamos ante un film totalmente prescindible y rapidamente olvidable.

BLACANIEVES DEBE MORIR.

Esta es la cuarta entrega de la serie, aunque sólo se ha publicado esta en castellano. ¿Cómo puede ser que las editoriales no publiquen este tipo de novelas en orden? ¿Tanto cuesta empezar por la primera? Con las obras de Agatha Christie, por ejemplo, este desorden en la publicación no tendría ninguna importancia porque a pesar de que el protagonista se repite, no hay una “subtrama” paralela respecto a su vida personal. En cambio, en las series de novela negra que se publican actualmente pasa lo contrario y el hecho de no seguir un orden provoca desconcierto y confusión en los lectores (como mínimo a mí sí). Personalmente me da mucha rabia que (por poner un ejemplo) en una novela el protagonista acabe de tener un hijo, y en la siguiente conozca a la que será la madre de la criatura. ¡No me gusta nada, la verdad! Dicho esto, debo reconocer que cuando publiquen las siguientes las pienso leer todas. Muy entretenida e interesante, los personajes principales y secundarios tienen mucha fuerza y el argumento está muy bien trabajado. De hecho, hacía mucho tiempo que en una novela de este tipo no sospechaba erróneamente de tanta gente. Y es que todos parecen tener motivos más que evidentes. Ahora veía muy claro que era éste, tres páginas más adelante tenía que rectificar porque todo apuntaba a que era otro … ¡Muy divertido!

LA NARANJA MECANICA.

La película más polémica del finado Kubrick, y antes de profundizar más exhaustivamente en su análisis es, ante todo, una película que como casi todo el cine de éste resulta muy perjudicada por el paso del tiempo. Mala señal. Basada en la novela homónima de Burguess, Kubrick propone una parábola antidictatorial de corte filosófico/futurista dónde la cumbre de la estupidez del próximo futuro sería una estomagante y absurda burocracia sectaria. Narra las aventuras del ínclito joven Álex (McDowell) líder de un cuarteto de ultraviolentos y desaprensivos del sexo que dedican su vida a hacer daño. Unos auténticos "clowns", marionetas. El tal Álex es un amante perdido de la música del divino Ludwig van Beethoven y será capturado por la policía y llevado a una prisión dónde será la cobaya de un experimento del Gobierno para regenerar delincuentes. Por ello, "La naranja mecánica" parte de la tesis de un contexto ultraviolento y depravado, al que seguiría una antítesis dónde la educación y la moralidad serían los símbolos, para hallar una síntesis según la cual la reinserción del delincuente solo es posible bien artificializando, manipulando su suerte, y por consecuencia de ello, su libertad, o bien es directamente imposible. Claro que Kubrick todo nos lo muestra desde el punto de vista de Álex, a la vez verdugo y víctima del Sistema. Resulta un film a ratos brillante pero a ratos pedante. Acaba por resultar pesado y tiene una composición pedagógica, en su mensaje, trascendentalista y autoconvencida de su propia genialidad. Operística y tan paranoica como el propio Álex posee una iconografía rica y de todo tipo: la música de Beethoven, catársica; la jerga juvenil empleada: un cínico "hermano" con el que Álex se dirige a las personas, la "milicienta" (policía); unos Cristos desnudos y con el puño cerrado y levantado; la escultura de un pene gigantesco tipo mecedora, una sangrante sátira de la Biblia, otra de Hitler en la divertida parte de la llegada de Álex a la penitenciaría... Kubrick crea una estética barroca y pretenciosa, trata la moralidad desde la inmoralidad, nos muestra monstruosos seres inhumanos reconducidos por otros que lo son iguales, nos envuelve en una atmósfera fantástica que quiere ser el real espejo del futuro, del pasado y del presente. Porque, al fin y al cabo, Kubrick solo creía en sí mismo, y en nadie más.

EL CABALLERO OSCURO .(LA LEYENDA RENACE)

Batman ha calado siempre en nuestros corazones, quién sabe por qué. A lo mejor por llevar ese traje, esos artefactos tan molones y ser el superhéroe con el que todos nos hemos sentido identificados en algún momento. Hoy, después de ver "The Dark Night Rises", hemos vuelto a ser Batman. Parece difícil asimilar que se haya terminado, pero tenía que llegar. La película más esperada, después del listón tan alto que dejaron "Begins" y "The Dark Knight", la primera devolviéndo el espíritu del personaje al plano más realista/creíble (alzándose como la película de superhéroes por excelencia y recuperando la franquicia que había muerto con la última película allá por finales de los 90) y la segunda devolviendo la magia del clásico y eterno enfrentamiento entre clásicos personajes que están muy dentro de nuestra consciencia, a pesar de que sean de un tebeo: Batman-Joker y Dos Caras. La película tiene un arranque magnífico. Ya era similar al de la entrega anterior, pero Nolan supera la puesta en escena aumentando el calibre más y más. Va a haber escenas absolutamente memorables, no sólo por entretenidas (que lo son), sino porque elevan los mejores momentos de la saga al cielo absoluto. Y por eso, sólo por eso, la película reinventa a Batman y no decepcionará en lo más mínimo. Tampoco nos engañemos, porque el guión se les escapa de las manos a los hnos Nolan. Va a haber momentos que sobran, va a haber momentos que no hay por dónde cogerlos y va a haber momentos en los que digamos por qué coño no hacen esto en vez de esto... pero creo que las pinceladas que tiene, sumadas a las de las dos anteriores películas (evidentemente, no se puede concebir sin los brazos de sus predecesoras, que son las que la han empujado al cielo) hacen que sea esta la película (en definitiva y después de no se cuantas adaptacione) por excelencia de Batman... a pesar de que, como hemos dicho, los puntos flojos golpean fuerte -cual villano sobre nuestro héroe- y le hacen mucho daño, pero da igual... es Batman, y su leyenda está viva en nuestros corazones.

LA POSESIÓN.

Como sucede con los programas sobre el mundo sobrenatural, el cine descubre cada día nuevas historias presuntamente verídicas para llevar a cabo sus guiones terroríficos. El “basado en hechos reales” constituye una marca cada vez más recurrida por Hollywood, y La posesión no es excepción. En este caso produce Sam Raimi, a través de su compañía Ghost House Pictures, lo que no produce excesiva confianza si tenemos en cuenta que, a nivel comercial, cosas como El grito (2004), El grito 2 (2006) y The Messengers (2007) han salido de sus despachos. El director es el danés Ole Bordenal, que previamente ya trabajó con la Ghost House en la curiosa La sustituta (2007). La citada historia real en que se basa La posesión salió de un artículo de Leslie Gornstein para The New York Post, en el que contaba como una familia las había pasado realmente canutas debido a una caja de madera adquirida por la hija. Se dice que dicha caja era, en realidad, un contenedor para un Dibbuk, un espíritu maldito que parasita en los cuerpos humanos y los corrompe y destruye. Que te lo creas… Tenemos algunas caras más o menos conocidas en el reparto, como Jeffrey Dean Morgan o Kyra Sedgwick, y ha recibido en Estados Unidos la calificación PG13, por lo que tampoco esperéis ningún reto truculento. Eso sí, los últimos segundos del tráiler tienen su aquel. El 31 de Agosto llega a los cines estadounidenses, y si termina siendo el éxito que se espera, preparémonos para más, muchas más películas sobre posesiones… reales o no.

LA SEMILLA DEL DIABLO. (1968)

El retrato de un mundo oscuro y demoníaco tras las apacibles paredes de un típico hogar estadounidense abren la puerta a Polanski para dibujar con sus habilidades características, los planos subjetivos desde la paranoica heroína Rosemary (con una mas que memorable encarnación de Mia Farrow), el humor negro que impregna toda la cinta (la soberbia pareja de veteranos Ruth Gordon y Ralph Bellamy) que como elementos característicos de este realizador se dan cita aquí nuevamente. La maravillosa adaptación que el mismo Polansky escribió nos va adentrando en un aparente telenovela rosa (los recién casados buscando un hogar donde iniciar su vida en pareja) que al pasar el tiempo mutará en una especie de pesadilla urbana, un surrealista y aterrador viaje con grandes dosis de suspenso y ambivalencia (las insinuaciones preponderan sobre la "muestra gratuita"). El verdadero temor que produce el bebé de Rosemary es la increíble capacidad de crear conciencia en el espectador y hacerle entender que tras la pared del vecino se esconden otros mundos, otra clase de personas, otra clase de "costumbres" que en este caso guardan oscuros lazos como lo es el culto a Satán, un fenómeno que podría estar a la vuelta de la esquina de cualquier hogar llámese decente, es uno de los mas grandes temores del ser humano, mas que asesinos persiguiendo con hachas, mas que animales monstruosos o seres del espacio exterior, es esta profunda creencia en el inframundo del sufrimiento eterno y de su abominable líder la que acaba por no dejar conciliar el sueño a los menos aptos. En conjunto estamos ante un inmortal clásico del Terror psicológico.

FRANKENWEENIE.

La historia de Frankenweenie nos lleva hasta los comienzos de Burton. Con tan solo trece años, un pequeño pajillero más rarito que un batido de macarrones, sorprendió con el cortometraje The Island of Dr. Argor (1971). Luego vinieron los más relevantes Doctor of Doom (1979) o Vincent (1982), trabajos que le fueron definiendo como el autor que llegaría a ser años más tarde. Pero quizá Frankenweenie (1984) sea el que le proporcionó el empujón definitivo. Rodado en blanco y negro, con 25 minutos de duración, parodiaba el Frankenstein de Mary Shelley. Tras la inesperada muerte de su adorado perro Sparky, el pequeño Víctor se vale del poder de la ciencia para traer a su mejor amigo de regreso a la vida… con unos pocos ajustes menores. Víctor intenta ocultar su creación, pero cuando Sparky logra salir, los compañeros de escuela de Víctor, sus maestros y el pueblo entero aprenderán que crear una nueva vida puede convertirse en algo monstruoso. Recordemos que, en su momento, el cortometraje causó una pelea de interés entre Burton y Disney. La famosa compañía le dio dinero al director para llevar a cabo del proyecto, con la intención de que éste les preparase un entrañable cuento infantil. Cuando vieron el resultado le acusaron de desperdiciar el presupuesto en un producto demasiado terrorífico para los niños (los niños de la época, se entiende, no los de ahora que fuman porros mientras ven telebasura). Sin embargo, el tiempo y el éxito le dieron la razón a Burton, pues en 1994 consiguió una edición en video, y más tarde se convirtió de uno de los extras estrella de… Pesadilla antes de navidad. La transformación en largometraje, íntegramente animado en 3D aunque manteniendo el blanco y negro, llegará a los Estados Unidos el 5 de Octubre.

SHAME.-

Shame es impactante, brutal. No es fácil explicarla con palabras. Una película que sacude al espectador desde el primer momento y desnuda los instintos más "guarros" del ser humano. Shame es una odisea de emociones desde su primer instante, consigue impregnar de un ambiente algo perturbador y melancólico una adicción al sexo que acorrala al protagonista. Brandon es incapaz de iniciar una relación formal temiendo que todo se vaya a pique, que su instinto insano provoque repulsión de los demás. Sabe que necesita ayuda y que no se puede controlar. Shame no utiliza el mero hecho sexual para ganar adeptos, sino que este planteamiento agiliza la labor del director en mostrar la parte más dañina de una persona y cómo en ocasiones se vuelve irreversible. El descenso a los infiernos de el protagonista está narrado con tanto acierto que nos arrastra por completo a experimentar su angustia. La película es un drama psicológico exacto, sin acompañamientos innecesarios. No se detiene en ningún momento y cada escena está lograda con la precisión que requiere. En esta impecable realización se echa de menos la nominación a los Oscar de Michael Fassbender como mejor actor protagonista y la de Carey Mulligan, que interpreta a su hermana (la cual tiene un peso importante en la cinta). El guión de McQueen también es superior y su dirección fantástica. Y por supuesto su banda sonora consigue atraer de manera eficaz la puesta en escena, haciendola efectiva y eficaz (sobre todo en las escenas finales y el comienzo).

LA CABINA (1972)

En este gran mediometraje de los 70 lo que predomina es el patetismo, algo satírico y cruel. Un gran acompañamiento musical brillante, perfectamente concordado con cada situación y con un ritmo perfecto. Es una maravilla terrorífica. Todo empieza tranquilamente pero es sorprendente como una simple cabina telefónica puede convertirse en tumba. Risas e ignorancia bañan la escena en un secreto que nadie conocía, el secreto de esa compañía de cabinas "asesinas". ¿Quizás puertas defectuosas? El caso es que no había alma divina que abriera aquella puerta. Ningún hombre en la afán del planeta puede pensar que un simple contratiempo puede llegar a convertirse en su verdadera pesadilla. Gran acompañamiento en el final como en toda la cinta. Incontable el miedo y el pánico que se puede sentir en una situación parecida, y para colmo la ayuda del resto de personas con sus burlas, creyendo neciamente que se trata de una simple broma. Amigos míos no se pierdan esta maravillosa representación, aparentemente tranquila y angustiosa conforme pasan los minutos. Una verdadera gran obra.

ENCERRADA (2010) JHON CARPENTER.

La última película hasta la fecha de John Carpenter ("Fantasmas de Marte", 2001) no me voló la cabeza pero cumplió sobradamente su misión: entretenerme. De esta "The ward" esperaba exactamente lo mismo: una película que no iba a situarse en mi panteón particular de este maestro del terror y el fantástico ("La cosa", "Asalto a la comisaria del distrito 13", "1999: Rescate en Nueva York", "La niebla", "Christine") pero que iba a hacerme disfrutar de buen cine, como tantas veces antes lo había hecho Carpenter con "Vampiros", "El pueblo de los malditos", "En los límites de la locura", "Están vivos"... Hasta hoy sólo "Starman" me parecía una película extremadamente floja en su filmografía. Pero lo de "The ward" no tiene nombre. No parece ni una película suya. Es una película "de sustos", sin nada más que ofrecer, y además de sustos previsibles. Las actrices deplorables. Una puesta en escena que no es más que un batiburrillo sin atractivo de muchas otras películas. Ritmo cansino. No hay forma de meterse en la historia. He mirado el reloj por primera vez a los 20 minutos de iniciarse la peli. John, déjalo, por Dios. Te has ganado el cielo con toda tu filmografía anterior. No le añadas ahora títulos indignos. L

a información promocional de Sitges es todavía más lamentable elevando el film a la categoría de nuevo clásico.

THE YELLOW SEA.

Gu-Nam es un taxista consumido por las deudas que intenta salvar el pellejo jugando al mahjong. Como a todos los jugadores, la cuerda se le va tensando al cuello. Es justo en este momento cuando aparece el personaje de Kim Tae-Won, quien le brinda la posibilidad de cubrir sus deudas y localizar a su mujer, fugada a Corea del sur para tener una vida mejor y la causa de las deudas de Gu-Nam. Es ahí donde el personaje tendrá que tomar una decisión : matar a un extraño para recuperar su vida o seguir soportando esa vida miserable. Como es lógico -si no, no habría película- el personaje de Nam cruza el Mar Amarillo en un tortuoso viaje y acaba en la superpoblada Seúl, donde sus rasgos le delatan. No le queda más remedio que esconderse y esperar su momento, pero solo tiene una semana de tiempo para volver o el barco se irá sin el. El espectador es plenamente partícipe del sufrimiento del protagonista, el cual está solo y desubicado, no es un asesino,pero necesita matar para conseguir la libertad. En el apartado visual, tiene un acabado exquisito. Es la primera coproducción asiática en que colabora 20th Century Fox y se nota; con unas localizaciones impresionantes, set pieces de acción en que se coordinan multitud de extras, cámara en mano, travellings con steadycam, todo ello con unos niveles de producción muy buenos que hacen que el espectador no desconecte ni un solo segundo de la historia. El único pero sería la duración cercana a las dos horas y media. El director Na Hong-Hin peca de querer buscar el más difícil todavía en cada escena. En algunos momentos el extenuado protagonista llega a parecer un superhombre, pero en ningún momento llega a parecer inverosímil. En fin, nos topamos con un muy recomendable exponente de las últimas oleadas de thrillers coreanos entre los que 'Old boy' y 'Memories of murder' siguen siendo los mejores ejemplos.

JUAN DE LOS MUERTOS.

Irregular y disparatada parodia de zombis que se rie de la capacidad de supervivencia del pueblo cubano y que su mayor encanto es ese "localismo" y esa idiosincrasia luchadora del isleño. Puntos fuertes son su frescura, algunos gags y personajes, que funcionan bien, como el loco travesti, o el cachondo amigo de Juan, el "sensible" negro fortachón, y poco más. El protagonista cumple, pero va muy justito en el papel, limitado por su poco carisma, su poca dicción (no es el único), y por un guión y montaje muy irregular. Aunque los efectos visuales son aceptables, se nota la falta de medios y de profesión en la escasez de variedad de cámaras y de planos que den calidad a la historia, aquí no hay excusa de un mockumentary grabado en primera persona con una cámara temblorosa, escondiendo la escasez de presupuesto. El director ha arriesgado mucho y si bien le ha salido un film que se deja ver, ha resultado una simple "anécdota" dentro del género de zombis, que no justifica tanta repercusión de medios y de éxito en festivales y opiniones de complacientes críticos. Por tanto, mejor acercarse sin muchas expectativas a su visionado y simplemente intentar pasar un rato entretenido con su exotismo y gamberrismo implícito.

UNDERWORLD. (EL DESPERTAR)

Hacía tiempo que una película de acción no me producía tanta satisfacción, aletargado por el sublime tránsito de escenas imposibles devenidas del cómic más elitista y refinado, obnubilado por esa voz hipnótica, por esos ojos que te traspasan, por esa elegancia y ese porte magníficos, para mí la mejor de la saga. Estaba hastiado cuando la violencia desmedida había copado el argumento de las copiosas secuelas y no había nada, absolutamente nada, que trascendiese la mera excusa del refrito de videojuego. Aquí sin embargo, sin eludir su evidente condición de ejercicio de consola, lo convierte en un ejercicio de estilo sin parangón que maravilla hasta al más reacio que repudie la casquería fina y odie las sesiones maratonianas delante de la pantalla de la "play". Con lo que se demuestra que hasta del argumento más absurdo e ilógico se puede hacer un cine meritorio que reivindique el sentido de la acción desde su concepción más pura, la de provocar placer al espectador sin darle un minuto de respiro. Lo mejor: Kate (en la escena del despertar es una ninfa del agua), el sonido e India, que debe seguir en esto, su presencia es realmente impressinante. Lo peor: que no hacía falta prometer otra secuela, bastaba con quince minutos más.

SOPA DE MISO.

SOPA DE MISO DE MURAKAMI, RYU Sinopsis de SOPA DE MISO "Frank, un anodino turista norteamericano, contrata a una joven de veinte años como guía por los tugurios sexuales de la noche japonesa. El comportamiento de Frank durante el primero de los tres días que han de pasar juntos es tan extraño que Kenji cominza a sospechar que su cliente puede ser, en realidad, un asesino en serie que tiene aterrorizada a la ciudad. "

CRONOS

Interesantísimo debut del director y guionista Guillermo del Toro con la atmósfera inquietante causada por Cronos. Una cinta en la que se mezclan estilos como el terror, lo fantastico, la tragedia e incluso un ligero toque de humor. Cuidada riqueza estética que envuelve una narrativa pausada y planificada con mucho tacto por el realizador mexicano. La cinta te traslada al S.XVI donde un extraño artefacto creado por un alquimista es reclamado 400 años mas adelante, en la actualidad, por un acaudalado magnate, que ansía su posesión para alcanzar la eterna juventud. El hombre se encuentra en muy mal estado y ademas de una avanzada edad, para su busqueda contará con su sobrino como aliado. El objeto finalmente es hallado en una tienda de antigüedades regentada por un hombre viudo llamado Juan Gris. Este es el argumento que nos muestra el director de la saga Hellboy, para atraernos a una película rica en matices y de llamativas escenas que no dejan indiferente al espectador. Premiada en el Festival de Sitges con los premios de mejor guión y mejor actor para Federico Luppi.

LA SOMBRA DE LOS OTROS.

Insuficiente, escasa e insatisfactoria; así resulta este thriller de terror que asusta tan poco como provoca. Sin la novedad de un argumentos muchas veces visto -enfrentamiento ciencia/fe, diablo o salvación- debería cubrir esa deficiencia con la potencia de los personajes y la solidez de las escenas; tarea en la cual fracasa arduamente. Una desaprovechada Julianne Moore para interpretar a una psiquiatra de poco brío que no consigue atrapar tu interés y, un belcebú Jonathan Rhys Meyers que ni siquiera tiene un gran espectáculo terrorífico que mostrar. Sin ser una mala película, falla estrepitosamente la presentación de la misma; ausencia de ingenio aterrador, de empuje espeluznante, unas escenas roñosas, un pobretón ir-y-venir..., más dignidad y decoro se merece la sola mención del todopoderoso -y que tan maravilloso juego cinematográfico ha ofrecido durante décadas- y siempre morbosamente atractivo lucifer que una exhibición mísera de sus poderes; el ingente y puro infernal abismo que llama a tus puertas, toda una exposición de los tormentos y de las tinieblas que te esperan en el mismísimo averno, el sufrimiento de la pérdida de tu alma para toda la eternidad... Visto lo visto en esta cinta, hay poco que temer!

REPULSION (1965)

Climas sórdidos, atmósferas claustrofóbicas, personajes desequilibrados y ambientes enfermizos con frecuencia han coexistido en las películas que Roman Polanski ha dirigido a lo largo de su dilatada carrera, exhibiendo siempre su elegancia en la dirección. Pese a ser un claro heredero y portador del testigo dejado por la Nouvelle Vague, su trayectoria le ha situado en un punto muy distante hoy de gente como Chabrol o Godard, un hecho que podríamos explicar si tenemos en cuenta que muchas de sus cintas han sido producidas con capital británico o americano, y además han derivado hacia vertientes más comerciales y atractivas para el gran público, mientras que aquellos siguen fabricando pequeñas joyas de artesanía sin salir de su Francia natal. Aunque siempre al margen de la gran industria, en Estados Unidos rodó dos de sus films más aclamados: La semilla del diablo (1968) y Chinatown (1974). En sus inicios es realmente apreciable la influencia de la nueva ola francesa, a la cual pertenece en toda regla su ópera prima, El cuchillo en el agua (1962), la cual, omitiendo aún los códigos más genuinos de su cine posterior, muestra una fotografía y una austeridad propias de la corriente europea del momento. Repulsión (Reino Unido, 1965), su segundo largometraje, huele todavía a Nouvelle Vague, pero pone de manifiesto ya las maneras del Polanski de siempre. Como protagonista absoluta cuenta con Catherine Deneuve, que interpreta de forma sensacional a una mujer frágil e hipersensible que siente verdadero rechazo a cualquier tipo de contacto con el sexo opuesto. El blanco y negro, aséptico, neutro, tenebroso, es uno de los apartados que más admiro en esta la película, magistralmente dirigida y ambientada por Polanski.

EL INVITADO.

El Invitado es una película de consparanoia-thriller-espías de las que, viendo el argumento, ya sabes por dónde van a ir los tiros. Sabes que Rynal Reynolds va a estar dando tumbos durante buena parte del metraje mientras se entera de por dónde van los tiros (en sentido literal y figurado). Que Denzel Washington va a estar sonriendo soltándote su filosofía de la vida y las frivolidades de turno mientras reparte estopa como el que más. Que los guionistas te van a estar dando largas mientras intentan aguantar el máximo tiempo posible la identidad del topo de la, cómo no, C.I.A. Preparando la precuela de Bourne. Y, sin embargo, el hecho de tener un director sueco hace que haya cosas en las que te puedes parar. Para empezar, puede haber una persecución de coches en la que tengas claro en todo momento qué coche está delante y cuál detrás. Lo cual, en el cine de acción de hoy en día, es casi un milagro. Además, el uso de unos planos que llaman la atención, como mínimo parece que se ha roto la cabeza para, mediante una composición fragmentada de las imágenes, poder dar al espectador una sensación de incomodidad bastante acorde con el tono de la película. Una película para pasar un rato entretenido, cuyas trampas se pueden intuir según te las plantean y que harán disfrutar a quien tenga la capacidad de olvidar las n-copias anteriores.

SUSPIRIA

Estéticamente la película es fascinante, hipnótica. La atmósfera, los escenarios y decorados, los encuadres y los juegos de colores y luces de las vidrieras, la excelente y terrorífica banda sonora del grupo de rock progresivo "The Goblin"... (una especie de canción infantil siniestra que contribuye muchísimo a crear ese ambiente "malsano" que rodea a la academia de baile en la que se desarrolla la película, y que se va desvelando poco a poco),... Esos escenarios, unidos a los personajes grotescos (el pianista ciego, las profesoras, los criados, etc), las escenas sangrientas y los sonidos, nos sitúan en una pesadilla. Una pesadilla muy bien descrita, y mi sensación, al ver la película, fue como de haber estado, en sueños, en lugares o en situaciones parecidas. Sin embargo, es una película original e interesante que se queda sólo en buena por alguna de las interpretaciones y por algunos agujeros del guión, que yo creo que es bastante flojo, tal vez porque la película concede mucha más importancia a la estética, y así algunos diálogos, algunos personajes secundarios que son irrelevantes, y, sobre todo, el desenlace, un poco atropellado y demasiado rápido, en contraste con el ritmo de la película, que es bastante lento. En definitiva, una buena película de terror, una pesadilla sobre brujas, original y aconsejable, pero que podía haber sido una película excelente si el director huviera cuidado un poco más algunos detalles del guion.

THE TOWN CIUDAD DE LADRONES.

Retrocedamos hasta el 22 de Octubre de 2004, cuando llegó a los cines 'Sobreviviendo a la Navidad', la última película que hasta hace nada había estrenado Ben Affleck como estrella, un fracaso estrepitoso que para muchos parecían los últimos estertores de una carrera que se vislumbraba corta e intensa... y el primero que se dio cuenta de ello parece ser que fue el propio Affleck, quién con esta 'Ciudad de ladrones' confirma lo que se intuía en 'Adiós pequeña adiós': Hollywood perdió una de tantas estrellas de usar y tirar para ganar a un cineasta que, además, puede valer como actor cuando se le necesite. Todos salimos ganando con el cambio, especialmente un Ben Affleck que con tan sólo 2 películas no sólo ha conseguido que le podamos llamar director sin que nos tiemble la voz, sino que además se ha ganado más crédito como tal que juntando toda su filmografía como actor. ‘Ciudad de ladrones’ es una de esas películas que uno sabe perfectamente como se va a desarrollar e, incluso, concluir tras echarle un simple vistazo a sus primeros 20 minutos de metraje. No obstante, en saber como lidiar con este material marcado es donde destaca el buen hacer de Affleck como director, logrando que una historia en cierta manera predecible consiga no ya sólo interesar al espectador, sino atraparle y sumergirle en una trama que si bien no es particularmente innovadora en ningún detalle, no deja de resultarnos tan interesante como para no apartar la vista de la pantalla ni un instante. Y es que casi más importante que una historia es saber contarla, y Affleck se muestra en tal tarea con solvencia y convicción, aportando además un gusto por una narrativa de cierto regusto clásico que le emparenta con, y aquí puede sonar a que me la estoy jugando un poco... ¿Clint Eastwood? No sin motivo, muchos serán los que señalen algunas similitudes con el 'Heat' de Michael Mann, comparación que podemos aceptar en cierta medida por encima, pero careciendo de justificación a medida que vamos sacándole punta a esta analogía excesivamente superficial. 'Ciudad de ladrones' tiene más que ver con thrillers policiacos de corte suburbial. Puestos a comparar de forma gratuita y por dar credibilidad a lo dicho unas líneas más arriba, también podemos encontrar algo del 'Mystic River' de Eastwood. Pero al margen ya de equiparaciones vagas e inexactas, 'Ciudad de ladrones' es un relato de personajes, por más que estos sean fieles de un simple prototipo al que hemos conocido en otras ocasiones. El guión permite que conozcamos a los personajes, se molesta en darles un fondo, se toma su tiempo para que el argumento no caiga en un simple correcalles narrativo, dotando de fundamento lo que transcurre entre unas escenas de acción filmadas con el brío, energía, dinamismo y crudeza, aquí si, del que hacía gala Mann en la citada 'Heat'. Y es que al igual que Mann, Affleck fundamenta narrativamente sus escenas de acción en la historia, y no la historia en sus escenas de acción.

REDENCIÓN

¿Puede la rabia oponerse a la redención? ¿Puede un desequilbrado tener afecto?, lamentos para reflexionar sobre la paz interior, perdidos en la sociedad, a la mierda rezar, cómo se puede echar a andar el corazón de los sufridores?, hay un camino para tratar el dolor mientras se recorren las calles, el choque de dos humanos con tendencias similares y espiritualidades opuestas, mentalidades que difieren en cuanto a Dios y demás formas de vida, el planteamiento va más allá de la humillación y el desprecio y supone un perverso retrato de la violencia y sus consecuencias. Es imposible borrar los recuerdos, todo es malo, personas podridas, todo está fatal, una historia paralela de refugios en el alcohol y de dejar de creer, la miseria que une y ata, y mata, el odio por todo y por todos, la protección y el apoyo, aspirina y té con leche, despojos que encuentran su rincón, una historia de amor y odio. "Recención" machaca la misericordia con pruebas y monólogos, me puedes abrazar?, se apagan las luces, el destino como fuerza máxima que mueve el universo, personajes y perros que pierden la cabeza, fotogramas simbólicos de que todo animal tiene unos límites antes de defenderse, secuencia explicativa de un sistema que castiga las diferentes formas de expresarse.

CHRONICLE.

La historia que trata es bastante sencilla: tres adolescentes, por accidente, un día descubren que tienen superpoderes y, poco a poco, a medida que se hacen más fuertes, todo se va complicando, alcanzando dimensiones inimaginables. La baza fuerte y principal elemento elogiado es el tratamiento. Rodada como un falso documental, la cámara que todo lo graba es un protagonista más, pues todo está visto desde ella. La apariencia de realismo, de cotidianidad está muy logrado y los efectos especiales, sobre todo al fina,l están muy bien hechos, a pesar de ser una película relativamente pequeña. Los actores, jóvenes aparecidos en series no muy conocidos todavía, realizan unas interpretaciones dignas de elogio y para ser una opera prima, Josh Trank debería estar bastante contento. Sin embargo, pienso que tanto elogio es inmerecido,aunque en taquilla está funcionando muy bien. Sin tener en cuenta la misteriosa aparición de los superpoderes (algo que no interesa contar, pero que tampoco hace falta), hay un déficit en la evolución del personaje principal, Andrew (Dane DeHaan), que se oscurece prácticamente de un día para otro. Se aprecia el desparpajo narrativo, su efervescencia y la mezcla de géneros y temas (exclusión social, poder, pérdida de autocontrol,…), así como su corta duración, pero considero que “Chronicle” no es revolucionaria, ni da otra vuelta de tuerca (si acaso media vuelta) como se ha querido vender. Es un buen debut, para un director como Josh trank de sólo 27 años, con un guión interesante del hijo de John Landis (a veces recuerdan a JJ. Abrams), y con sólo 9 millones de euros tiene mucho mérito, pero de ahí a calificarla de obra imprescindible, creo que dista mucho. Son claramente superiores las virtudes a los defectos, pero ello por sí solo no asegura que estemos ante una reinvención del género ni una obra que pase a la historia. Sin tantas pretensiones, me quedo con la excitante y divertida “Kick-ass”.

AMÉLIE (2001)

Ya lo había dicho Roger Ebert en un artículo publicado en 1994: "Toda crítica es subjetiva". Se referia esencialmente, al hecho de que la objetividad dentro del arte, dentro de la vida misma, es virtualmente imposible. Nuestros juicios, nuestras apreciaciones, siempre estarán matizadas, por más que lo evitemos, por nuestras creencias, nuestras expectativas, nuestras experiencias. De hecho, para Ebert, es esta subjetividad la que diferencia un buen crítico de otros no tan excelsos. Es por tanto, que no puedo ser objetivo con Amélie. Más allá de criterios estéticos y cinematográficos, esta película es toda una lección de vida. La verdad, me es indiferente que algunas personas la tachen de cursi o amilbarada. En mi concepto, es una de los filmes más hermosos que he visto en toda la vida. Es muy difícil no rendirse ante la belleza de los personajes, del guión, de la música. Es inútil no dejarse arrastrar por ese prodigio de la naturaleza llamado Audrey Tautou, por aquellos ojos inmensos (nada que envidiarle a Bette Davis), por aquella sonrisa guasona, por la compasión y humanidad de sus acciones. Amo esta película y tal vez sea por eso que aún no haya sido capaz de encontrar sus defectos, sus falencias. Las tiene, no existe la perfección. Pero mientras las encuentro, me seguiré deleitando una y otra vez con Amélie.

EL CEBO (1958)

Teniendo en cuenta la potencia del cine norteamericano y dejando totalmente clara mi postura sobre el mismo, que no es otra que de admiración y respeto, estoy prácticamente seguro de que si la película que en esta crítica se da cita, "El cebo", hubiese sido una producción de los Estados Unidos, aparecería en más de una lista de esos clásicos que nadie debe perderse antes de morir. Por que está hecha con un estilo visual impecable, cuenta con una transición de escenas sobre las que según van avanzando los minutos, el interés sobre el argumento se ve aumentado. Por que su reparto hace unas interpretaciones bastante buenas y la sorpresa entre los personajes está asegurada garantizando al espectador una película elegante, agradable y con la tensión necesaria, y cuenta con múltiples peculiaridades que son las encargadas de culminar un ejercicio cinematográfico notable que en mi opinión si no llega a la excelencia es por un liviano y previsible tramo final que sin embargo es el idóneo para la trama. Pero la película es española y de un tal Ladislao Vajda (Marcelino, pan y vino, Un ángel pasó por Brooklyn), un realizador enterrado tanto dentro como fuera de las fronteras españolas y al cual, de manera injusta, no se le ha brindado el reconocimiento que se merece. La historia de esta película comienza en el bosque de un pequeño pueblo suizo. Un vendedor ambulante lo atraviesa hasta tropezar con lo que resulta ser el cadáver de una niña ocultado entre la hojarasca. Horrorizado, corre hasta el pueblo para desde un bar llamar al comisario Matthäi y comunicarle tan terrible suceso. Pero la policía colocará al denunciante como primer sospechoso debido al encaje de una serie de pruebas que parecen inculparle por lo clamoroso de su relación. Mattäi, que se muestra escéptico respecto a la culpabilidad del vendedor ambulante, contempla el caso desde la barrera, pues ha perdido la autoridad sobre el mismo al dejar el cargo por otro de mayor responsabilidad fuera del departamento. El comisario que le sustituye se encarga pues de la investigación, aunque seguirá contando con su antecesor desde una clara muestra de respeto y admiración sobre el mismo. La música, de Bruno Canfora contribuye a elevar el nivel de tensión y misterio que el realizador de la cinta consigue crear en esta película que se convierte por derecho propio en una de las películas de intriga europeas más destacadas de los años de su producción. Los papeles más destacados no dan lugar a dudas, pues sólo hay dos grandes protagonistas en esta cinta, los representados por Heinz Rühmann y el imponente Gert Fröbe.Una verdadera obra maestra que recomiendo.

BARRY LYNDON (1975)

Real, pulcra, genial, magnífica, esplendida, clásica, profesional, grandilocuente, elegante, delicada, terriblemente bella. ¿Lo oyen? Es Händel ¿Lo ven? Es el hermoso cuadro de Raphael bajo la cámara de Kubrick. ¿Lo sienten? Sí, ustedes están sin género de dudas en el siglo XVIII. Eximia película, lastimera por su violencia. Una violencia que no necesita de fuego, acción, explosiones. ¡No señores y señoras! Necesita de tensiones, de silencios y de miradas. Traigan sus maletas porque les espera un viaje largo, un viaje en pendiente descendiente hasta la puerta del infierno. La muestra de una sociedad que corrompió a un joven irlandés. Una sociedad obstinada, del lujo que fue apagando una vida. Y traiga muchas tierras porque a donde usted va a ir cuenta el amor pero sobretodo el patrimonio personal. Por otro lado, veo en esta película un ejemplo claro de obra maestra histórica. Se que muchos dirán que no es importante, no obstante, para mí siempre que se use la historia mínimamente en serio es preciso analizarlo. Pero es que esta obra acierta en todo. Desde la forma en que se sienta uno a comer y el mismo protocolo (recomiendo la lectura de Historia de la família de James Casey) como asimismo la inseguridad de los caminos. Tratamiento exquisito de todo y de todos, acierto histórico y, a pesar del debate que comportaría la importancia de los duelos, no hay casi ningún lugar por donde ver una mala calidad.

LA TIERRA SILENCIADA.

La tierra silenciada de Graham Joyce: Una pareja queda atrapada en una estación de esquí sin saber salir. Jackie y Zoe quedan atrapados en un alud mientras estaban esquiando. Finalmente, consiguen salir y vuelven al hotel para olvidar el desagradable episodio. Después del descanso salen de la habitación y no hay nadie. Es extraño. En el pueblo tampoco queda nadie. ¿Habrán sido evacuados debido al alud? De vuelta al hotel, intentan telefonear pero no hay cobertura. Tratan de huir al pueblo más cercano pero de nuevo no llegan a ningún lugar: los caminos les devuelven siempre al mismo punto de partida. Por otro lado, y pese a que llevan días en el hotel, los alimentos de la cocina siguen teniendo el mismo aspecto. ¿Dónde están? ¿Por qué parece que se haya detenido todo? Una sorprendente novela que mezcla narrativa, suspense y elementos sobrenaturales para construir una trama que atrapa desde su inquietante inicio.

DESTINO FINAL 5

¿Nuestro destino está escrito o somos libres? Y si damos por hecho que todos los eventos de nuestra vida están predestinados, ¿nuestra muerta también lo está? Con estas complejas preguntas, con las que la humanidad lleva siglos debatiendo, empezó la (algo eterna) saga de Destino Final aunque alejándose de todo rollo filosófico para mostrar un slasher en la que la Muerte, más macabra y sádica que Jason, Freddy Krueger y Michael Myers juntos, se cargaba a los adolescentes de turno que se atrevían a desafiarla. Sin duda la primera entrega fue bastante original dentro de su género pero claro, cuando algo funciona ¿para qué cambiarlo? Y así tuvimos una eterna sucesión de calcos. Pues bien, ¿qué puesto ocupa esta quinta entrega? La historia es la misma de siempre . Accidente inicial, visión premonitoria y posterior muerte de los que se salvaron. Como novedad en esta entrega tenemos que los protas intentan provocar muertes como moneda de cambio hacia la Parca y así librarse de su nefasto destino. Lástima que esta interesante premisa inicial se haya explotado poquísimo. Una pena porque estamos ante la misma historia de siempre que tenía potencial para mostrar algo distinto.

Aun así, a pesar de esta decepción, salvo la película por dos razones. La primera es que yo no espero ver una obra maestra al ver una saga como Destino Final, sino una película entretenida ¿esta lo es? Sin duda. Y en segundo lugar, ¿qué es lo que buscamos cuando vemos esta saga? ¿Acaso que se profundice en los personajes? Claro que no, lo que queremos ver son escabrosas muertes, impactantes escenas que te dejen sin aliento y cuanto más gores mejor. Y Destino Final 5 tiene todo esto, las muertes están muy curradas y son realmente agobiantes. Tras un impactante accidente inicial en el puente la calidad de las muertes no decae en ningún momento. Y eso es algo digno de admirar en una quinta entrega. Conclusión, Destino Final 5 da lo que promete, ni más ni menos. Es una lástima que no se haya aprovechado la ocasión para mostrar cosas nuevas ya que estamos ante la vieja historia de siempre pero aun así consigue enganchar. Así que larga vida a la Muerte.

EL HOMBRE SIN PASADO (2010)

La pelicula coreana más taquillera llega el estreno ha españa. SINOPSIS La única conexión del ex-agente especial Cha Tae-sik con el mundo es una niña que vive cerca de su casa. La madre de la pequeña trabaja para una organización mafiosa que se dedica al tráfico de drogas y le confía a él la mercancía. Cuando los traficantes se dan cuenta, secuestran a la madre y a la niña. Además, confunden a Tae-sik con un camello.

I SPIT ON YOUR GRAVE

Es bien sabido que últimamente la falta de originalidad o de ideas por parte de la industria hollywoodense se va acrecentando en los últimos años, esto se ve reflejado en varias películas versionadas recientemente, una y otra vez. Cabe destacar que género de terror es el más masacrado dentro a lo que remake se refiere. Estos Remakes son de películas que dejaron su sello de marca dentro del género, eso sí, si vemos los antecedentes de varios remakes de los últimos tiempos, vemos que el resultado es ampliamente negativo, ejemplos son películas como: Sorority Row, Negra navidad, Prom night, piraña, la niebla, House of wax, etc. Esta película que nos compete es la nueva versión de la película homónima del 78,dirigida por Meir Zarchi, aquí ejerciendo el rol de productor ejecutivo, y en el papel principal teníamos en aquel entonces a Camille Keaton (sobrina de Buster keaton),interpretando a Jennifer Hills una escritora que es ultrajada varias veces por cuatro hombres, una vez recuperada, desata su sed de venganza sobre aquellos hombres que la corrompieron .Aquellos que pudimos visionar dicha cinta de culto, podemos saber una de las tantas influencias que Quentin Tarantino tuvo para uno de sus últimos filmes que fue kill Bill. Este filme cuenta con varios aciertos, uno de ellos es que no es un copy /paste del original, sino, que el guión está más desarrollado que la primera, también uno podía darse cuenta (viendo el original) de ciertas falencias o fallas que podían ser pulidas o mejor trabajadas. Aquí la escena de la violación (polémica en aquel entonces) queda reducida para desarrollar más las muertes de los malvivientes. En fin, un remake que sabe lograr lo que se propone, mantener el espíritu de la original, crear la atmósfera ya planteada en la primera y no caer en el olvido, al contario, ser un remake fiel, superior o a la altura de la cinta original, destacando entre ellos: (La noche de los muertos vivos, La matanza de Texas, Las colinas tienen ojos, Terror en Amityville y El día de la madre) que cumplen la función que se les otorga a la vez renovando la idea para generaciones futuras. Altamente recomendable para los que amantes del gore y seguidores del subgénero rape/revenge.

VESTIDA PARA MATAR.

Muchos consideran “Dressed to Kill”, junto con la posterior “Impacto” (Blow Out, 1981) una de las peores películas del director que tan había sorprendido emulando a Hitchcock y su factor sorpresa en los giros narrativos en cintas como “Hermanas” (Sisters, 1973) o “Fascinación” (Obsession, 1976). Pero el director de “Doble Cuerpo” (Body Double, 1984) todavía no quería andarse por otras ramas y nos obsequió en las primeras secuencias con unos desnudos de Angie Dickinson, casi con cincuenta años, que quitan el hipo pero que de repente la buena vista se resquebraja nos por culpa de sus decaídos sueños eróticos que finalizan con un acosador asesinándola y que la despiertan siendo objeto de un polvo matutino, como buena manera de empezar un día aburrido más. Unas primeras secuencias que nos trasladan a los primeros minutos de “Carrie” pero, si allí recurría a la traumática primera menstruación del personaje de Sissy Spaceck, aquí Dickinson es estrangulada para despertar, como premonición de sus frustrados y angustiados deseos sexuales. La rubia actriz que antaño protagonizara cintas tan memorables como “Rio Bravo” (1959), de Howard Hawks, “La Jauría Humana” (The Chase, 1966) de Arthur Penn o “A Quemarropa” (Point Blank, 1967) de John Boorman, se pone en la piel de la insatisfecha Kate Miller, madre, esposa y paciente habitual del doctor Elliott (Michael Caine). Kate se evade su rutina paseando por los museos e intentado conquistar al primer desconocido mientras su hijo Peter (Keith Gordon) está más preocupado por sus inventos electrónicos gracias a su cerebrito de superdotado. El punto de arranque para un film que gira radicalmente al suspense (por ejemplo, los ascensores pueden ser un elemento vital) y que De Palma sale airado por las interpretaciones de los veteranos Michael Caine y Angie Dickinson, con una psicópata de pelo también rubio al acecho y una Nancy Allen (vaya, otra rubia) candidata a nueva reina del grito y, por aquel entonces, pareja del director.

LA VOZ DORMIDA.

Se trata de una película interesante sobre todo debido a la interpretación de las dos actrices protagonistas (María León e Inma Cuesta)son ellas las que tienen casi todo el protagonismo de esta historia , pero también debido a su tratamiento de los personajes. Porque sí, ya sabemos que se hacen muchas películas sobre la guerra civil y la posguerra en el cine español...y sí, ya sabemos a qué bando suelen apoyar el 99% de las veces los guionistas y directores pero esto no quiere decir nada pues de lo que se trata es de no olvidar este oscuro pasaje de nuestra historia . Así pues, me sorprendió gratamente descubrir como espectador a esas dos hermanas, que no son sino dos formas diferentes de oponerse y sobrevivir (o no) al régimen. Y con ellas a otros personajes secundarios, sobre todo los del 'otro bando', los cuales no necesariamente se corresponden con la imagen que nos da de ellos la mayoría de películas (sino que dudan, tienen sentimientos, compasión, se salen de la norma, etc). Benito Zambrano sabe cómo explorar los momentos más emotivos de la historia acompañandola con una excelente fotografia de Alex catalán. En conclusión una pelicula para no olvidar y muy recomendable por todo lo que esconde y da.

LEÓLO

Léolo es realmente una obra desconcertante. Si no te consigue fascinar la introducción del film dudosamente podrás acompañar a este inolvidable niño por su viaje hipnótico y surrealista. Lástima que haya visto la versión doblada, pues seguramente cuando consiga verla en V.O. merezca un 10. Locura, sueños, sordidez, amor, deseperación, poesía... Todo se mezcla en la triste y dura realidad de la que el pobre Léolo intenta escapar en cada momento entregándose a la escritura, a ese cuaderno que guarda su verdadero mundo. Negando la verdad que le rodea, su esperanza va mermando según va haciendose mayor. Y el espectador queda enamorado para siempre. "Porque sueño no lo estoy. Porque sueño, sueño. Porque me abandono por las noches a mis sueños antes de que me deje el día. Porque no amo. Porque me asusta amar. Ya no sueño. Ya no sueño. A ti la dama, la audaz melancolía, que con grito solitario hiendes mis carnes ofreciéndolas al tedio. Tú que atormentas mis noches cuando no sé qué camino de mi vida tomar... te he pagado cien veces mi deuda. De las brasas del ensueño sólo me quedan las cenizas de la mentira, que tú misma, me habías obligado a oír. Y la blanca plenitud, no era como el viejo interludio y sí, una morena de finos tobillos que me clavó la pena de un pecho punzante en el que creí, y que no me dejó más que el remordimiento de haber visto nacer la luz sobre mi soledad".