EL DIABLO Y EL CINE

La mejor coartada del diablo es hacernos creer que no existe (Baudelaire dixit). Pero gracias a renombrados cineastas se nos ha revelado su apariencia, advirtiéndonos, a través de filmes -curiosamente de culto- sobre la malevolencia de El Ángel Caí­do.
Así­, el llamado Prí­ncipe de las Tinieblas se instaló gratamente en la obscuridad de las salas de cine desde las primeras proyecciones: Georges Mélií¨s, F. W. Murnau, Fritz Lang, D.W. Griffith, Carl Theodor Dreyer, René Clair y Benjamin Christensen, fueron partidarios, tempranamente, de la denuncia del Señor del Averno.
Otros grandes y diversos directores, desde su propio estilo y género preferido, han mostrado o sugerido la presencia del Maligno. A Jacques Tourner, maestro de la atmósfera, los productores de Una Cita con el Diablo (1957), le obligaron a insertar una gigantesca criatura que personificaba al demonio. Stanley Donen, desde la divertida sátira Un Fausto Moderno (1967), narraba la historia de un “pobre diablo” en la Inglaterra pop; la casa Hammer en Una Tumba en la eternidad (1967), demostraba que el demonio viene más allá de la estratosfera y puede manifestarse en forma de invasión extraterrestre. Roman Polanski, con El Bebé de Rosemary (1968), sorprendí­a evitando el truco fácil de evidenciar al bebé de Satanás, y sólo dejaba ver una cuna de velos negros.

Luego, el Chamuco prefirió omitir toda su iconografí­a creada por los artistas plásticos de la cristiandad, para introducirse en la vida monacal sustentada en los eventos ocurridos en Loudun, en la excesiva y provocadora cinta Los Demonios (1971), de Ken Russell; para enseguida, poseer púberes en El Exorcista (1973) de Friedkin, o de plano, apoderarse de inocentes cuerpos de niños representando al Anticristo en el ambiente del poder polí­tico mundial en La Profecí­a (1976), según Richard Donner.
Después, la maldad ya no tuvo a su enemigo perenne a mano, la bondad. A fin de milenio el hombre se habí­a desbarrado en un cinismo que no le permití­a ser bueno. Entonces, El Diablo decidió pasarse del lado del enemigo para comportarse generosamente violento contra, por ejemplo, el mal comportamiento juvenil; pero ahora se alejaba de la representación del bestiario bí­blico, adquiriendo personificación de psicópata, demente o asesino serial, en filmes como: Pesadilla en la Calle del Infierno, Halloween, Viernes 13, y demás.

SUBMARINO

«Submarino» es un contundente drama, que goza de un guión excelente y una interpretación excelsa del actor principal, Jakob Cedergren. La sexta película del reconocido director danés Thomas Vinterberg narra con aplomo y solvencia los orígenes familiares de dos marginados sociales, casualmente hermanos.


La creación del personaje principal es un acierto magistral, un ser real cuya personalidad queda descrita con la nitidez con que se conoce al mejor amigo. Sucede en contadas ocasiones que cuando el telón cae o el lector cierra la última página de un libro, un personaje no abandonará jamás la memoria del espectador. Nos encontramos ante uno de tales casos.


La puesta en escena, la tonalidad y el ritmo de cada escena configuran una obra en la que se reconoce la personalidad de un realizador que promete alejado de seguir la moda que marca esta industria .

Es necesario este tipo de cine cercano diría yo al neorralismo Italiano, donde se refleja lo crudo de estos duros tiempos que nos han tocado vivir.

NO ABRAS LOS OJOS

Dave Gurney el protagonista de la primera novela de John Verdon, "Sé lo que estás pensando", regresa para enfrentarse al caso más comprometido de su carrera, un choque con un adversario implacable que no sólo es un inteligente y calculador asesino, sino que no tiene ningún reparo en golpear directamente al punto débil de Gurney; su esposa.

Ha pasado ya un año desde que el ex detective de la policía de Nueva York consiguió detener al asesino de los números y, aunque tiene la intención de retirarse definitivamente junto a su esposa Madeleine, un nuevo caso se le presenta de forma súbita. Una novia es asesinada de manera brutal durante su banquete de bodas, con cientos de invitados en el jardín y ese es un desafío al que es
imposible resistirse.

Todas las pistas apuntan a un enigmático y desequilibrado jardinero pero nada encaja; ni el motivo, ni la disposición del arma homicida y sobre todo, el cruel modus operandi. Dejando de lado lo evidente, Gurney empieza a unir los puntos que le destaparán una compleja red de negocios siniestros y tramas ocultas llevadas por una mente sádica...

EL INTERIOR

Un escenario (una casa) y dos personajes (dos mujeres). Con solo estos elementos, Alexandre Bustillo y Julien Maury, directores de ‘À l’intérieur’ (‘À l’intérieur’, 2007), consiguen una de las películas más sangrientas y salvajes jamás filmadas.

Sorprendentemente explícita y “gore”, esta película levantó ampollas entre los más puritanos y causó orgasmos entre los seguidores del cine extremo y “gore”. Y la verdad es que no es para menos, porque pocas veces se ha podido presenciar un espectáculo tan cruel y feroz.

Los directores galos consiguen el máximo con el mínimo apoyándose en un escenario claustrofóbico y ayudándose de unos FX tremendamente sangrientos y efectivos, a lo que hay que sumarle una magnífica puesta en escena y unas excelentes interpretaciones de la sensual Béatrice Dalle (turbadora a más no poder) y de la guapísima Alysson Paradis.

Un sangriento festival de poco más de 80 minutos en los que el fan más acérrimo encontrará multitud de detalles interesantes (y atroces), ahí se encuentran entre otras lindezas: una (auto)traqueotomía, un brutal disparo (más bien parece un misil) en la cabeza, pero eso sí, por encima de todo, destaca una bestial cesárea, una secuencia magistralmente rodada y exageradamente explícita, todo ello filmado con un intencionado realismo escalofriante.

HALLOWEEN (1987)

ES ESTA SIN DUDA UNA PELÍCULA EMBLEMÁTICA DENTRO DEL CINE DE LOS 80 QUE MARCA UN ANTES Y UN DESPUÉS DENTRO DEL GENERO DE TERROR, DONDE NOS ENCONTRAMOS UNA PRODUCCIÓN DE CINE DE SERIE B HECHO CON POCO DINERO PERO BIEN RODADO.

LO MEJOR DE ESTA ES SIN DUDA EL USO DEL CINEMASCOPE JUNTO A LA UTILIZACION DE LA PROFUNDIDAD DE CAMPO QUE USA  CAMPERTEN HACIENDO QUE EL ESPECTADOR SEA PARTICIPE DESDE LEJOS DE TODO LO QUE ACONTECE EN PANTALLA.

MARATHON MAN

Siete años después de la extraordinaria ‘Midnight Cowboy’, John Schlesinger nos sorprende con uno de los thrillers más impactantes de la década de los 70. Dustin Hoffman vuelve a repetir director desde la mencionada, en la que interpretó a Ratso, un lisiado con tuberculosis y perdedor. ‘Marathon Man’ se trata de una historia bien construida con buena dosis de intriga, que te mantiene enganchado durante todo su metraje. En su primera mitad se describen a la perfección a los personajes, para después interrelacionar unos con otros y ponernos con el corazón en un puño con la otra mitad.

Basada en una novela de William Goldman, quien fue él mismo el encargado de adaptarla para la pantalla, la película contiene escenas muy duras de ver. Posiblemente la escena más famosa y por la que la recordareis, es en la que Babe Levy es torturado por el despiadado doctor Szell con toda clase de utensilios dentales. Un reparto de altura, en el que podemos destacar la química entre Dustin Hoffman y Marthe Keller, un perturbador Laurence Olivier y un lúcido Roy Scheider, para una cinta notable. También hay que mencionar la magnífica fotografía en color de Conrad Hall (A sangre fría y Dos hombres y un destino).

THE HORDE

Los aficionados al cine de terror y al género de los muertos vivientes en particular, parece que nos dediquemos a buscar una aguja en un pajar; normalmente nos tragamos 200 productos infectos hasta dar con esas 1 o 2 películas que realmente valen la pena ver. “La horde” es una de ellas.

Trepidante odisea zombie- chovinística dirigida con buen pulso por Benjamin Rocher y Yannick Hadan, que sin ser el culmen de la originalidad, es uno de los productos más dignos del actual y prolífico panorama del cine de zombies. Siguiendo la estela de producciones más o menos recientes como la saga “28 días después”, “Amanecer de los muertos “o “Dead set”, se trata de un survival-horror en el que un grupúsculo de supervivientes pugnan por subsistir en un ruinoso edificio de la periferia parisina a una horda de zombies antropófagos que corren tras los vivos como galgos en celo.

THE DEAD

Los hermanos Ford, Howard y Jon, parecen nadar contracorriente. Cuando todo parece indicar que el muerto viviente actual tiene que ser propenso a infecciones de todo tipo; tener la agilidad, la fuerza y la velocidad de un superhéroe al que le ha picado una araña radioactiva o verse condenado a provocar la risa facilona en el espectador al ser víctima de todo tipo de ridículas situaciones; este par de osados directores independientes, que debutan en el cine tras una dilatadísima carrera en el sector publicitario, se sacan de la manga una película de zombis que desprende, durante todo su metraje, un delicioso aroma clásico que bebe directamente de los maestros italianos del spaguetti-zombie de los 70 y principios de los 80 (me refiero a los Lenzi, D’Amato, Fulci o Mattei) y que haría las delicias del mismísimo George. A Romero

EL INADAPTADO

El inadaptado cumple perfectamente con lo que la sinopsis promete. Un hombre llega a una ciudad en la que todo está perfectamente ordenado, la gente robotizada y los sentimientos y emociones brillan por su ausencia. Él, como todo habitante de esa ciudad, lo tiene todo según llega: le dan una casa, un trabajo... el prototipo de la vida perfecta y que en el fondo todos querríamos vivir. Allí no hay más problemas que los que uno quiera buscar, huyendo de la superficialidad que impera en la ciudad. Pero difícilmente podrá buscarse problemas, dado que unos misteriosos señores vestidos de gris se encargan de que allí la gente viva feliz y contenta solucionando cualquier problema que altere el curso normal de la vida de sus ciudadanos.

El protagonista, Andreas, hastiado de vivir entre autómatas que ni sienten ni padecen, se busca la vida como puede en un intento de animar su vida y adaptarse a la Ciudad Perfecta.

En definitiva una muy interesante pelicula que nos hace mucho que pensar en este mundo.

PURGA DE SOFI OKSANEN

Cuando un libro viene precedido de fama, por regla general lo suelo coger con respeto y recelo. No me fio, tengo miedo a decepcionarme. Pero del público francés suelo tener buena opinión de sus gustos literarios, pues rara vez suelen dar elogios vanos, sobre todo a una obra extranjera.

Este libro, galardonado, entre otras distinciones, con el Premio a la mejor novela Europea 2010, nos cuenta la historia del encuentro entre dos mujeres, en una despoblada zona rural de Estonia, en 1992, durante los zozobrantes días posteriores a la independencia de lo que una vez fue la URSS. Aliide Truu, una anciana que malvive junto al bosque, encuentra en su jardín a una joven, Zara, veinteañera rusa, víctima del tráfico de mujeres, que ha conseguido huir de sus captores y necesita ayuda desesperadamente.

Pero, la elección, que a priori parece casual, esconde un terrible vinculo, un nudo gordiano tensional que poco a poco se nos irá desatando, ya que el pasado, por mucho que queramos olvidarlo, siempre acaba volviendo a visitarnos, Porque en la vida, nada es lo que parece.

La autora bien podría estar contándonos la historia de sus abuelos, pues su madre es estonia, y se nota que sabe de lo que habla, conoce lo que está contando. Seguro que parte de lo contado es la crónica de su familia.

Narrada en capítulos cortos, con movimientos pendulares entre los diferentes años, asistimos al esclarecimiento gradual de los hechos, con un lenguaje duro, descarnado, realista, sin concesiones a la galería, casi sin omitir detalles por desagradables, escabrosos o dolorosos que nos parezcan. La opresión, la venganza, el odio, el extraño y desgraciadamente real, sentimiento de culpa que lleva la humillación, nos introduce en una obra, si no de trama original, si desconocida para los que habitamos en el mediodía de Europa.

AL DENTE.

Al Dente nació originalmente como un proyecto escolar, creado bajo la técnica de animación 3D.

La historia toma lugar en un universo lleno de música y color; nos cuenta las aventuras de una pequeña niña sin hogar, que descubre la magia y los peligros que existen en la cocina de un ogro.

El film fue co-dirigido y producido por el trío formado por Jean-François Barthelemy, Maël François y Carlos Felipe Leon Ortiz; (ahora) graduados de SUPINFOCOM.

La música es de Mathieu Alvado, compositor de carrera que ha participado en más de 10 producciones fílmicas.

La cinta ha acumulado varios premios en diferentes festivales, incluyendo el mejor cortometraje animado del festival español MUNDOS DIGITALES.

NOCHE DE MIEDO

Es una pena que en los últimos años sólo nos lleguen de la meca del cine remake ochenteros que ya no tienen ni pizca de gracia, y que tampoco existe la necesidad ni la motivación necesaria para realizarlos. Como muy bien dijo el orondo genio de Orson Welles: "El enemigo del arte es la ausencia de limitaciones". Y en esta película parece ser que el realizador de la mediocre "Mr. Woodcock"(2007) y la sobrevalorada "Lars y una chica de verdad"(2007), no tiene ningún límite con la tonteríay el mal gusto. Es sorprendente ver a un actorazo tan joven y prometedor como Anton Yelchin compaginar trabajos paupérrimos como el de "Fright Night" con el último pelotazo en Sundance, el drama "Like Crazy"(2011) de Drake Doremus, donde su registro es totalmente distinto. También nos damos cuenta de las carencias interpretativas de Colin Farrell cuando está mal dirigido, está claro que Craig Gillespie no es Joel Schumacher ("Tigerland"2000, "Última llamada"2003), ni Neil Jordan ("Ondine"2010), ni Martin McDonagh (director de "In Bruges", 2009, por la que Colin se llevó su único premio interpretativo, y gran dramaturgo donde los haya). La estrella irlandesa deambula por el largometraje (gracias a dios de corta duración, aunque para mi fue como ver una de Andrei Tarkovsky) sin enterarse bien de lo que está haciendo y en ningún momento es creíble su personaje. Lo único destacable de la película es el cameo de Chris Sarandon, el personaje loco de David Tennant

SE LO QUE ESTAS PENSANDO

La historia de ‘Sé lo que estás pensando’ comienza con una simple carta. Un hombre recibe una donde le conminan a pensar en un número del uno al mil. Cuando abre un sobre más pequeño que acompaña al texto y siguiendo las instrucciones indicadas, se da cuenta que el número que allí aparece escrito es exactamente el que había pensado. Es entonces cuando este señor acudirá a su amigo David Gurney, un policía retirado después de veinticinco años de servicio, para que le intente ayudar a descifrar qué se esconde detrás de esta misteriosa carta y, sobre todo, quién es el autor de la misma. Las sorpresas desagradables no se harán esperar…

Y es que lo que en principio sólo parecía un caso de chantaje más, se convierte en uno de asesinato que para colmo de males, está relacionado con otros que ocurrieron en el pasado. Será así como nuestro amigo Gurney tendrá que intentar dar con el método usado por este hombre que parece leer la mente de sus víctimas, para así estudiar la mejor forma de atraparlos. Con este panorama, el entretenimiento y el ritmo están asegurados.

VIERNES 13

El alemán Marcus Nispel, que obtuvó diferenciadas críticas con su remake `La Matanza de Texas (2003)´, con éste se pasó de listo y comete el mismo error que con Leatherface y no mostrar el origen del asesino de Crystal Lake, Jason. Es otro refrito de la saga de los 80, un slasher en el que vemos chicas de poco cerebro pero con buenas tetas, chicos salidos/fumados y el tipico asesino con ganas de sangre...y la historia daba para muchisimo más. Si éste es el punto de partida de una nueva trilogia/saga empezamos muy mal. No entiendo la afición de los guionistas de Hollywood por crear remakes de terror que no superan al original (exceptuando Halloween).
Sin duda me quedo con el Viernes 13 ochentero de S.Cunningham. A destacar Amanda Righetti.

UN PLAN SENCILLO

Gran película. De esas que te dejan sin palabras... terminas de verla y los demás te hablan y sigues en el mundillo, en la atmósfera que ha creado la cinta en tí.
Bill Paxton hace un papel firme, muy firme, lo de Thornton es (como casi siempre) simplemente genial y la bella Bridget me sorprendió realmente... Todo confluye a que la película no deja casi cabos sueltos y esta especie de thriller o thriller dramático, como quieran, sea muy buena.
No es una película para pasar el rato... Más bien deja un sabor agridulce, más bien agrio... ¿Se puede ser felíz sin dinero? ¿A quien se debe escuchar primero antes de tomar decisiones importantes: a tu propio hermano quien nunca te ha fallado o a tu "amada" esposa que se encarga todos los días con increíble esfuerzo anímico de hacerte creer que llevan una vida felíz y normal? ¿Por qué es tan difícil elegir de que lado de la línea nos ponemos? ¿Por qué siempre nos complicamos la vida con planes simples? A esta última pregunta los de espíritus más apasionados responderán "porque sino la vida es aburrida", yo respondo igual; pero este film me enseña que cabe la posibilidad de que haya otras respuestas también contundentes...
Película muy recomendable.

LA MUERTE DE BRUCE LEE

Este actor norteamericano, nació en San Francisco en 1940, y su carrera cinematográfica fue breve pero intensa, llegando a ser considerado el más grande artista marcial del mundo. Pero no es su obra y milagros lo que me ha motivado a malparir estos párrafos. Si hay algo más legendario que la vida de Bruce Lee -y de su vástago Brandon-, es sin duda su muerte. Muerte sobre la que han corrido los rumores más descabellados y conspiranoicos. Aunque la verdadera causa de la muerte de Lee es un hecho de sobra conocido, aún existe gente -como mis compañeros de trabajo, quienes a buen seguro me toman por un tipo loco y siniestro por conocer esta clase de cosas- que desconocen todos los hechos. Es por gente como ellos por los que he decidido hablar en esta mañana tan nubosa y aburrida acerca de la muerte de Bruce y Brandon.El 20 de Julio de 1973, la familia Lee: Linda, Brandon, y la pequeña Shannon, recibían una tremenda noticia: Bruce Lee había muerto. Desde ese mismo instante la maquinaria especulativa del populacho se puso en marcha -con los engranajes bien lubricados por el cotilleo diario- y comenzaron a surgir las primeras teorías al respecto:

• Las Triadas habían envenenado a Bruce Lee.
• Un grupo de maestros de kung-fu descontentos porque quisiera enseñar su arte a los diablos occidentales, había asesinado a Bruce Lee.
• Un oponente derrotado había echado una maldición sobre la familia Lee (rumor que años más tarde cobraría fuerza).
• Las hojas de marihuana que solía masticar acabaron por matar a Bruce Lee.
  
• Bruce Lee no había muerto. Simplemente se fue a vivir a Venezuela, ejemplo que más tarde seguirían Elvis Presley y Jesús Gil.

La versión oficial cuenta que el día de su muerte, Lee acudió al apartamento de su amiga la también actriz Betty Ting Pei, con el propósito de discutir unos detalles sobre el rodaje de Juego con la Muerte (Game of Death. 1978). Si, yo también creo que acudió a tratar asuntos un tanto más carnales, pero como esto no es Telecinco no vamos a ahondar. El caso es que tras sentir una de sus frecuentes cefaleas, el artista marcial pidió a Betty un analgésico y se tumbó a descansar. Nunca volvió a levantarse.

ACERO PURO

Real Steel está llamada a ser la película de estas navidades, tiene a su favor los elementos necesarios para triunfar, una estrella como Hugh Jackman, con un personaje a su medida, los mejores F/X que el dinero de Zemeckis y Spielberg, productores de la cinta, pueden proporcionar y un tono heróico y familiar adecuado a tan entrañables momentos.

El director Shawn Levy - Noche en el museo - ha conseguido un producto más solvente de lo que cabía esperar, no es que su argumento sea genuino, bebe de fuentes muy directas, como el Rocky de Avildsen, pero si es cierto que justamente ha logrado ese punto emocional equilibrado que hace especialmente vibrante esos momentos en los que sus colosos de metal irrumpen en pantalla.

Un film interesante, emerge entre otras apuestas propias de estas fechas, casi todas faltas de interés, cierto que evidencia algunos altibajos, quizá por extender demasiado sus conflictos paterno filiales, algo menos de metraje le habría sentado bien sin duda, pese a todo, merece la pena y cumple de forma sobrada su objetivo como vehículo de entretenimiento.

HISTORIA DE UNA VENGANZA.

LA PIEL QUE HABITO:Una narración adaptada de la novela "Tarántula" de Thierry Jonquet. Una adaptación libre, infiel y alejada del minimalismo argumental de los pocos personajes del libro. También es una adaptación creada para tamizar un universo personal, que sin embargo en esta ocasión gana en verosimilitud a la literatura para la traslación a imágenes.  Analizada fríamente, la historia puede parecer ridículamente inverosímil, pero el hecho de que tenga raíces en avances científicos reales, unido a la arrolladora fuerza interpretativa, visual y musical de la película, la hacen creíble,en algunos momentos sin embargo el principal problema de la misma es como esta narrada,Almodóvar utiliza demasiados cortes narrativos que lo que hacen es que el espectador se pierda entre tantos saltos en el tiempo.

Elena anaya esta muy bien en su papel no asi Antonio Banderas demasiado sobreactuado en su papel de vengador ,en definitiva es un thriller demasiado personal ,algo natural tratandose de Pedro pero interesante en su conjunto y que no deja indiferente .

TALULLAH BAUHHEAD

Talullah Bankhead,un icono de la provocación de los años 20.

Tallulah Bankhead fue una actriz de los años 20 , bisexual, provocadora y amante de diversos vicios. También tenia un lengua afilada y se cuenta que cuando un periodista le preguntó a que se hubiera dedicado de no haber sido actriz respondió: "Dudaba entre madre superiora, puta o presidente de los EEUU. Espero que escribas en tu libreta que hubiera hecho de maravilla las tres cosas".

Organizaba fiestas que duraban dias y parecia vivir como si al dia siguiente fuera a morir.
Al parecer de niña ya apuntaba maneras y por eso la mandaron a tres conventos diferentes entre Nueva York y Washington, pero eso fue una pérdida de tiempo.
Hizo pocas películas pero el cine le divertia. Entre ellas destaca "Naúfragos" de Alfred Hitchock. Sus compañeros de reparto se quejaban de que solia llegar a los rodajes sin ropa interior y les enseñaba la entrepierna.
Dicen que en ella se inspiraron para crear a Margo Channing el personaje que su enemiga Bette Davis interpretó en "Eva al Desnudo". Y también que en ella se ha basado el personaje de 101 Dálmatas Cruela de Vil.
Murió en diciembre de 1968. El periodista Murray Schumach, de The New York Times resumió su vida en tres palabras :"Vivió el momento

EL SOL DEL MEMBRILLO

EL ARTE EN ESTADO PURO:El film se presenta a modo de falso documental sobre la realización de un cuadro de un membrillero, en casa del excepcional pintor Antonio López.
Por una parte, y en una lectura superficial, aunque en sí suficientemente interesante, Erice nos enseña la forma de trabajar del genial pintor; su meticulosidad, su respeto y admiración por la realidad, por la vida y por su libertad de expresarla. Una forma de trabajar, o más bien de entender la existencia, que evidentemente, su resultado se trasladará a su incomparable obra pictórica.
Esta obsesión del pintor por captar el instante perfecto, nos lleva a una segunda lectura, a la existencialista confirmación de la inexistencia del tiempo, a la imposibilidad de retener la vida, ni siquiera en la abstracción de un cuadro.
El resultado final, con la presencia de la muerte, junto con la continuación de la vida, nos deja la sospecha de que la verdadera obra no es la acabada o inacabada, que más da, sino el proceso de realización, en el infinitesimal tiempo presente que contiene el verdadero contacto con la vida.

FRIDA

UNA AUTENTICA OBRA DE ARTE:Nos encontramos ante otra maravillosa biografía llevada a la gran pantalla. Julie Taymor ha sabido muy bien, llevar la película. El guión cautiva desde un primer momento y te deslumbra en ocasiones puntuales. La música es absolutamente maravillosa, esa calidad musical que desprende la película, es especial. Los escenarios, localizaciones y atuendos, acompañados de un increible maquillaje y una fantástica peluquería, crean una atmósfera que nos permite viajar por el maravilloso país de Méjico. La fotografía se mantiene en consonancia con la atmósfera de la película. El montaje es maravilloso. Y la película te deja momentos irrepetibles. Los actores están todos a la altura, destaca Salma Hayek que nos brinda el mejor papel de su carrera. Preciosas canciones a lo largo de toda la película, que ayudan a que afloremos nuestras emociones. Preciosa y magnífica.

ENCONTRE AL DIABLO.

CRITICA:Kim Ji-woon se esta convirtiendo en uno de los directores mas importantes del cine asiático con películas de gran nivel como A bittersweet Life o su opera prima the quiet family (mas tarde Takashi Miike rodaría su versión a modo de musical con la película titulada la felicidad de los katakuris)

I saw the devil es un Thriller de los que hacen historia. Mientras estas viendo las dos horas y media de metraje que dura el film se te vienen a la cabeza varias referencias de otras películas como la maravillosa seven y zodiac de David Fincher y una estética muy similar a la de oldboy, actor que comparte con la cinta de Park Chan-wook y este film, una estética que tiene mucha fuerza en esta pelicula que también recuerda al clásico de oldboy por tocar el tema de la venganza.

La película es extremadamente salvaje en muchos puntos. Nos presentan a un asesino en serie de chicas jóvenes a las que viola y descuartiza, y el realizador no se corta ni un pelo en mostrar las imágenes mas salvajes que el joven director ha rodado en toda su carrera. Y también nos presenta la cara de la venganza, de un hombre cuyo único fin es hacer sufrir a la persona que mato a su prometida y para ello tiene que convertirse en un monstruo incluso haciendo parecer al asesino una persona normal, con sus miedos a la muerte, y haciendolo débil y humano.

BALADA TRISTE DE TROMPETA.

BALADA TRISTE...Balada triste de trompeta es un caro jarrón (made in Spain), que tras caer del pico untuoso y sanguinolento de una cigüeña ha quedado hecho añicos. Sabemos que los fragmentos son valiosos pero que Alex de la Iglesia, que se ha dedicado a pegarlos, ha sido incapaz de recomponerlo, quedando un sugerente esqueleto con jirones de apetitosa carne.
Las postales que el director ha utilizado para forrar los agujeros son efectistas pero responden más a un bombardeo que a una exposición.

Solo los aficionados y cómplices "Álexiglesistas" gozarán plenamente de esta valiente apuesta, contaminada de referencias anteriores, que dejará al resto de los mortales con las yemas de los dedos llenas de cola intentando hacer lo que no ha conseguido el maestro español del esperpento radical : buscar pistas y explicaciones que nos ayuden a cuadrar las simbologías y a borrar de nuestro imaginario algunas de las treinta nuevas preguntas que duermen entre las virutas de nuestra cabeza.
¿Es un patético retrato de la España que fue y la que será? ¿No tenemos solución y siempre matamos lo que más queremos? ¿Estamos condenados a repetirnos? ¿La violencia gratuita vende? ¿Álex es nuestro Tarantino?.....¿.......?

PERROS DE PAJA:Después de fracasar con La balada de Cable Hogue y harto de los productores de Hollywood, Sam Peckinpah se marchó a Europa con Dustin Hoffman y Susan George para rodar una de sus películas más polémicas. Cuenta la historia de un profesor que con su mujer pasan las vacaciones en el pueblo de ella en el norte de Inglaterra. Hoffman interpreta a un tranquilo profesor que huye de líos y problemas y trata de ganarse la amistad de los lugareños del pueblo. Sin embargo, los que trabajan reparando el tejado de su casa son amigos de su atractiva mujer uno de los cuales fue antaño novio suyo. Un buen día deciden llevarse a Hoffman de caza mientras dos de ellos se turnan para violarla.

En España la censura eliminó la secuencia en la que Susan George se desnuda en el baño y se asoma a la ventana mostrando sus pechos a los obreros. Ella encarna a una chica joven y atractiva cuyo comportamiento liberal choca con la rudeza de unos hombres ignorantes y borrachos. La actitud apocada y tímida de Hoffman cambiará cuando el tonto del pueblo se refugie en su casa huyendo de los lugareños que pretenden lincharlo por su acoso a una joven. Hoffman pone en práctica la máxima de que el corazón de un hombre tranquilo es un tigre dormido y provisto de una escopeta tratará de defender su casa del asedio de los hombres que trabajaban para él.

Una vez más las mujeres en el cine de Peckinpah quedan a la altura del betún. Una de ellas, Susan, da a entender durante la violación que no le importa acostarse con su ex aunque éste la fuerce. Al mismo tiempo se pasea semidesnuda por la casa sin importarle si la ven o no. Mientras que Janice es la adolescente cachonda que zorretea con cualquiera especialmente con el tonto del pueblo el gigantón David Warner. Es su provocativa actitud la que desencadena la tragedia y el violento final en la casa de Hoffman.

Bueno y ahora nos queda ver el remake,para comparar si es bueno o no esta a la altura como tantos otros.

REMAKE DE ROBOCOP.

Dentro de la absurda moda reciente de recuperar viejas películas con la que, por un lado volver a obtener beneficios con historias ya caducas entre un público que no las vivió en su momento, y por otro, degradar productos anteriores si éstos eran buenos, o ahondar en la bazofia si eran malos, Metro Goldwyn Mayer nos pretende “obsequiar” con la recuperación de Robocop, ese engendro metálico cuya historia dirigió Paul Verhoeven en 1987 tras su llegada a América procedente de Holanda y que dio pie para unas cuantas secuelas inútiles y todo un despliegue de mercadotecnia lamentable.
En la línea de recuperar películas como El caso de Thomas Crown o La pantera rosa, que hemos padecido años atrás, los estudios del león pretenden seguir la senda de la recuperación del cine de acción y violencia gratuita, no sólo con el robot pistolero, sino también con la sangrienta saga de películas que Charles Bronson protagonizara en los 70-80, Yo soy la Justicia, en la que tiroteaba a diestro y siniestro a decenas y centenares de personas, en una visión alegórica violenta y ultraconservadora de la sociedad y para que otro caduco, Sylvester Stallone, se postula como protagonista.
Aunque todavía no está claro si el nuevo Robocop será un remake o una nueva versión del estilo que en los últimos tiempos ha recuperado a Rocky, Rambo o Indiana Jones para las pantallas, está claro que su nuevo desembarco será todo un acontecimiento publicitario que pretenda esconder con dinero y flashes lo que es otra caída de Hollywood en el fango más espeso.
Fuente: Europapress

RAZONES PARA NO ENCENDER LA TV:

1. La tele empeora tu salud

Ver la tele es un pasatiempo bastante peligroso para la salud, según sugiere el estudio. No importa cuánto tiempo pasas en el gimnasio, cada hora frente a la tele aumenta tus probabilidades de tener un ataque al corazón, según un estudio reciente publicado en Circulation: Journal of the American Heart Association. Los investigadores australianos estudiaron a 8.800 adultos, hombres y mujeres, durante una media de 6 años, y encontraron que cada hora que pasaban frente al televisor aumentaba el riesgo de muerte por causas variadas; un aumento de 9% en el riesgo de cáncer y 18% de aumento en riesgo de cualquier enfermedad cardiovascular. Y eso era cierto incluso entre personas que no fumaban, estaban delgadas y tenían baja presión arterial y colesterol. 

LA TV TE HACE MAS BEBEDOR

Para descubriir si lo que vemos en la tele, realmente afecta a nuestros hábitos de bebida, los investigadores tomaron a 80 varones, estudiantes universitarios entre 18 y 29 años y les llevaron a un lugar de estudio similar a un bar, donde los estudiantes podían ver películas y anuncios de televisión.

Los investigadores encontraron que los hombres que miraban películas y anuncios en los que el alcohol jugaba un papel predominante, tomaban una media de 1.5 copas más que aquellos que miraban películas y anuncios en los que el alcohol jugaba un papel menos importante.

BUENO Y PARA FINALIZAR UN CORTO QUE LO ACLARA TODO:

EL CLUD DE LA LUCHA:

El último paso hacia la superación personal (por la rama del nihilismo exacerbado) no sólo tiene que ver con matar a tus ídolos, sino también con matarte a ti mismo. Chuck Palahniuk lo sabía, David Fincher también: el narrador de esta irrepetible obra maestra acaba con (nunca mejor dicho) dos pájaros de un tiro antes de poder alcanzar la cima de su vida. O, al menos, de una etapa muy complicada de su vida. La imagen de Norton apretando el gatillo y provocándole a Pitt un agujero en la cabeza (¿acaso Tyler no fue siempre un agujero en la cabeza?) es tan icónica que uno tiene que evitar las lágrimas al intentar describirla. La teoría del doppelgänger y el suicidio metafórico nunca fue ejecutada con tanta contundencia.

BRAINDEAD:

El ahora integrado en los estudios Peter Jackson se hizo famoso con esta película (a pesar de tener rodadas antes varias propuestas más que originales). No era de extrañar: había creado la comedia alocada gore más grotesca, estrambótica y esperpéntica vista en mucho tiempo, no apta para estómagos sensibles, llena de sangre y vísceras y de horrendos monstruos y, sobre todo, de situaciones desternillantes, de un absurdo sentido del humor y de frenéticas escenas de acción y luchas (el festival de tripas del desenlace es antológico). Una gran obra del cine de diversión pura para ver sin ningún tipo de prejucios que hará carcajearse y horrorizarse al público a partes iguales. No busca nada más, y con eso es más que suficiente. Recomendada para ver en grupo y observar las reacciones de cada uno ante ella... O se ama o se odia

LAS DROGAS Y EL CINE:
El cine y las drogas tienen una relación ficticia por partida triple. El séptimo arte transforma la realidad, ilusiona, manipula y engaña en aras de unos minutos de felicidad. Cuando la pelí­cula se acaba queda la emoción. Gracias a las drogas también soñamos, nos ilusionamos, viajamos a otros mundos, vemos con otros ojos y nuestro mundo emocional se distorsiona. Su efecto también se acaba después de unos minutos de felicidad aunque el recuerdo de la quimera perdura. En segundo lugar, las drogas que los actores consumen en las pelí­culas, al igual que los cigarrillos de chocolate de los niños y el whisky de los bares de alterne, son harina, té con hielo, aspirinas y carne trémula de un doble mal pagado que se inyecta antibiótico. Los decorados y los protagonistas son tan irreales como los drogadictos y sus escenarios.
Por último, el cine no es un documental sobre “el mundo de la droga” ni un testimonio materno. El cine es una producción cultural, una expresión artí­stica del hiperrealismo, neorrealismo, surrealismo o realismo social difí­cilmente neutra. El cine no satisface las expectativas de los profesionales de las drogodependencias porque no refleja nuestra perspectiva del fenómeno.

¿Hay algo más ficticio que la droga en el cine? Las drogas son una quimera, el cine es una fantasí­a y su conjunción una ficción. En estas condiciones, Las pelí­culas comerciales son productos económicos, culturales y artí­sticos que, pese a estas premisas, siguen mereciendo nuestra atención por varios motivos.

ASESINOS DE ELITE:

Con la excusa de estar basada en un hecho real, Gary McKendry adapta la novela de Ranulph Fiennes “The feather men” y la convierte en una película de acción pero sin emoción, mil veces vista. Y si a eso le añadimos que parte de una historia imprecisa, el resultado se vuelve convencional, monótono, tedioso y ordinario. Del reparto no podemos esperar gran cosa, solo conseguimos unas sobreactuaciones de rostros impávidos tanto de Clive Owen como de Robert De Niro. Con un metraje que resulta excesivo para lo poco que nos cuentan, unas secuencias de acción cortadas del mismo patrón y una farragosa descripción de relaciones, el filme pierde todo el interés nada más empezar y no es capaz de mostrarnos su lado más emocional, sino que siempre se justifica con sus fuegos artificiales, y eso acaba cansando.

Kevin Smith intenta crear un thriller psicológico a partir de una mezcla entre la familia Manson, el documental "Jesus camp"(muy recomendable), y "Black hawk down", resultado: entre rezo y rezo Charles Manson te destroza pescuezos.

Señor Smith, ¿Dónde quedaron esos diálogos que tanto nos hicieron disfrutar en “Clerks” y “Mallrats”? Tras sus dos últimos fracasos, “Cops out” y “Red state”, añadiendo a estas dos la mas que floja “Zack and Miri make a Porno”, me hace preguntar si volverá a aparecer el genio q se dejo intuir en sus primeras películas.

RED STATE:

MUCGUFFYN:

Un Macguffin ) es un elemento de suspense que hace que los personajes avancen en la trama, pero que no tiene mayor relevancia en la trama en sí. MacGuffin es una expresión acuñada por Alfred Hitchcock y que designa a una excusa argumental que motiva a los personajes y al desarrollo de una historia, y que en realidad carece de relevancia por sí misma.

El elemento que distingue al MacGuffin de otros tipos de excusas argumentales es que es intercambiable. Desde el punto de vista de la audiencia, el McGuffin no es lo importante de la historia narrada.

Un ejemplo de McGuffin sería la fórmula secreta que recuerda el memorista circense de 39 escalones. Hubiese sido lo mismo si hubiese sido una clave de acceso a un banco, una lista de nombres de espías o cualquier otra excusa argumental.

Hitchcock afirmó en 1939 sobre el MacGuffin: «En historias de rufianes siempre es un collar y en historias de espías siempre son los documentos».

LOS GENIOS TAMBIÉN MUEREN:

Fue una de las frases más leídas hace once años atrás, cuando el más intenso y provocador director de cine contemporáneo nos dejó para siempre. Sin concluir decenas de otros proyectos acumulados durante sus treinta y cinco años de carrera, todos estos terminaron acumulados en cientos de cajas en su hogar en Hertfordshire, Inglaterra. Una vida de investigación encerrada entre cartones, repleta de preguntas y que por su volumen reflejaban lo meticulosa de cada una de las elecciones que hicieron que cada proyecto que sí realizó, que cada libro adaptado y cada nuevo género escogido por Kubrick (ciencia ficción, comedia negra, terror, atracos, suspenso, cine bélico y drama pasaron por sus manos) fuesen considerados en su estreno un evento mundial.

El neoyorkino Stanley Kubrick fallecía en marzo de 1999 a los setenta años sin haber visto el estreno de “Ojos Bien Cerrados” (Eyes Wide Shut), su última gran película. Para algunos, nos dejaba con un sabor agridulce: lamentando los doce años de silencio que pasaron entre su último film y el anterior, Nacido para Matar (Full Metal Jacket, 1987) o los siete años entre éste y el anterior, “El Resplandor” (The Shining, 1980). En esos casi veinte años de misterioso estudio y silencio fílmico ¿qué otras películas dirigidas por Stanley Kubrick podríamos estar disfrutando hoy en día? ¿qué otras obras maestras podríamos sumar a una larga lista de CINE, escrito así, con mayúsculas?.

EL GATO DESAPARECE:

El director CARLOS SORIN,cambia de registro adentrandose en el terreno de la intriga en esta historia de locos maniacos y maniaticos con gato (mascota) incluido . Este último cobra un especial protagonismo en todo el metraje ya que es el hilo conductor de la historia, una historia con buena música, un guión pobre que no da para un largo sino para un corto,una pena porque la historia prometia y se queda en algo superficial ya que no aporta nada nuevo al género por culpa de una mala dirección. Aún asi se deja ver gracias sobre todo al gato que es el macguffin en la pelicula. Y a su final.

CISNE NEGRO:

Con una gran dirección, un montaje increíble y un guión hipnotizador, Darren Aronofsky regresa tras The Wrestler a lo grande. El director de Pi, cautiva con esta película que nos envuelve con su manto de suspense y no te despegas de la película en ningún momento. Se introduce de lleno en el mundo del ballet, un mundo competitivo y despiadado, de un manera increíble, haciendo un seguimiento perfecto de cada baile, y de cada personaje, de tal manera, que hace que te sientas observado como algún protagonista del film. Con cada movimiento de cámara, te hace creer que tú eres el bailarín, y que tú eres el que lo hace bien o el que se equivoca. La historia está muy bien desarrollada y plasmada en un guión que no pierde el ritmo en ningún momento y mantiene el suspense hasta el final. Con un tono macabro, todos los personajes están muy bien descritos y desarollados.

EL CINE NEGRO:

Uno de los géneros que más obras ha dado a la literatura cinematográfica es ‘le film noir’, como lo bautizaron los franceses. Raro es el año que no aparece algún tomo de tamaño enciclopédico tratando de explicar qué se entiende por cine negro, sus características básicas, actores, actrices y directores representativos, películas clave y legados culturales.

Sólo por esa capacidad para escapar de cualquier definición rígida, es un término fascinante; aunque seamos capaces de reconocer una obra de cine negro, puede que nos falten palabras para explicar por qué la reconocemos. Es casi un estado de ánimo. Pero hay autores que insisten en darnos su versión del tema, lo cual se agradece. Cuantos más puntos de vista, mejor. Y eso hizo el director e historiador de cine NOEL SIMSOLO,en: su libro PESADILLAS VERDADERAS Y FALSAS-(ALIANZA EDITORIAL.

ALTA TENSION:

Ópera prima del director que, posteriormente, se encargaría de dirigir el remake de "The hills have eyes" (Las colinas tienen ojos) que, como ocurre con la mayoría de las cosas, causó en su día (y causa hoy) una infinidad de sentimientos: a algunos, les parece una muy buena película, un buen debut de un director que muestra su gusto por la hemoglobina. Y a otros tantos, les causa indiferencia total. Este segundo grupo, tilda el debut de zafio, mísero y aburrido.d

El planteamiento de la historia es sencillo: Marie va a casa de los padres de una amiga suya de la universidad para estudiar para los examenes. La misma noche de su llegada, un asesino irrumpirá en la casa para acabar con todos ellos. Típico y tópico.

Con un inicio bastante brutal, Alexandre Aja tienta al espectador a unirse a su historia. El espectador llegará a sentir esa "Alta tensión" en cada fotograma y enseguida empatizará con Marie. Dicen que tiene imágenes fuertes, pero, hoy en día, se ha de recurrir a efectos de cualquier índole para llamar la atención de esos fanáticos que ven el metraje. Y lo logra, con creces.

BLITZ:

Blitz es una película que basa toda su fuerza en el personaje de Jason Statham como justiciero sin escrúpulos, al más puro estilo Harry Callahan (Harry el Sucio), Marion Cobretti (Cobra) o Paul Kersey (Charles Bronson en El justiciero de la ciudad y continuaciones).

Todo lo referente a chulería (porque sigue con inequívocas reminiscencias a Bruce Willis), dureza, sarcasmo y demás, está bastante logrado. Sin embargo, la investigación policial, los personajes secundarios y el suspense dejan mucho que desear, así como las secuencias de acción, casi inexistentes .

Por lo tanto, el filme deja un cierto sabor agridulce: muy bien cuando Statham se pone chulo, muy por debajo de sus posibilidades en el resto.

IN TIME:Ambientada en una sociedad futura en la que gracias a los avances científicos nadie tiene que envejecer. Pero para evitar la superpoblación, sólo pueden vivir los que pueden pagar por ello.

LA DEUDA:John Madden director de la multipremiada y sobrevalorada Shakespeare in Love y últimamente relegado a productos de segunda se puso a cargo de este remake de la película homónima israelí, un remake bastante fiel pero que consigue impregnar una nueva visión en esta cinta de espionaje con un gran aroma al viejo cine de espías y las novelas de Le Carré.

La cinta cuenta la historia de unos agentes del Mossat que en los sesenta tuvieron que capturar a un antiguo medico nazi, la misión se complicó, y hoy día (un hoy relativo, ya que la película se sitúa a finales de los noventa) verán como esa complicación que en su día surgió vuelve a despertarse para presentarles un fuerte dilema.Es inevitable sentir la sensación de que estamos viendo dos películas distintas en todo momento, cuesta demasiado ver la conexión entre ambas partes, y mientras una funciona sensacionalmente bien, la otra se acaba resintiendo por todos lados sin embargo la pelicula tiene buenos dialogos y un buen final por lo que se deja ver.