EL AMANECER DE LOS MUERTOS

2004

Este película ya muestra de por sí el empeño y ganas de un director que rechazó el proyecto de "S.W.A.T" ante el temor que la MPAA la calificara "R". Y se excusó para trabajar en revisar una secuela, "Zombie" de George A. Romero. Pero más pesimista y no ausente de diálogos desternillantes heredados del cine de acción.

Su comienzo es prometedor y la historia, aunque va decayendo en un simple relato de supervivencia ante tanta invasión de muertos contagiados de vida, pone a prueba la paciencia de ciertos sectores estadounidenses ante el alarmismo creado después de los atentados del 11 de septiembre. A excepción del agente de policia (Ving Rhames), el resto de los supervivientes son herederos directos de ese clima de inseguridad; la enfermera Ana (Sarah Polley), el fracasado y chupatintas Michael (Jake Weber), el vividor Steve (Ty Burrell) o la pareja formada por Andre (Mekhi Phifer) y su prometida embarazada Luda (Inna Korobkina). De la noche a la mañana se convierten en seres despiadados dispuestos a vaciar munición con tal de protegerse (para hacernos a la idea de lo que son capazes de hacer la mayoría de americanos con un arma). Tampoco les faltan otras provisiones en su universo Carrefour; comen, duermen, se beben los tanques de refrescos, o juegan en la azotea con el kit de golf de la sección de deportes mientras el "Don´t Worry Be Happy" de Bobby McFerrin en versión jazz de cóctel suena a través del hilo musical.

Snyder ha reversionado épicamente lo que ya era un filme épico dentro del terror. Pero en el "Zombie" de George A. Romero los muertos no corrían como aquí bien sucede y los protagonistas son partícipes cada minuto, lo que le está pasando en el mundo. En el film de 1978 George A. Romero ya nos lo ponía en bandeja de principio a fin.

UN PROFETA

UN PROFETA

TRAILER

Es increíble ver cómo Jacques Audiard ha retratado tan bien todo lo que existe en una prisión como es en este caso, de Francia, en la que nuestro protagonista conoce a todo tipo de individuos como capos de la mafia, traficantes de droga y musulmanes, entre otros. El Djebena deberá sobrevivir en un sitio desconocido gobernado por “Los Corsos”.

La manera con la que se nos van describiendo los hechos es perfecta. El espectador nota, al igual que El Djebena que el tiempo se ralentiza dentro de la prisión. Vemos sus temores y sus preocupaciones. Sabemos cuando las cosas van bien y cuando van mal pero no sabemos cómo acabarán, y esto es lo bueno que tiene Un Profeta, que te mantiene en vilo todo el rato.

Queda más que demostrado que para hacer una buena película no hace falta abusar de talonario para contratar a mega estrellas existiendo actores por explotar y exprimir como Tahar Rahim, que da vida al protagonista de la historia, un chaval musulmán analfabeto y sin futuro del cual no se espera gran cosa. Reda Kateb realizará el papel de Jordi “El Gitano”, uno de los principales contactos que El Djebena conocerá en la prisión y con el que mantendrá algún que otro negocio. El jefe y el que mueve todo el cotarro en la prisión es César Luciani, una de las máximas autoridades de “Los Corsos” y que pese a ser un preso gozará de todos los privilegios que quiere. Por último, en cuanto al reparto destacar la solida actuación de Adel Bencherif encarnando a Ryad, amigo íntimo de El Djebena, con el que mantendrá un importante vínculo.


Un drama conmovedor y sólido de los que hace años que no se ven, donde la soledad predomina en no pocas ocasiones. Sobrevivir es la pieza clave de esta película, donde predomina el dicho de “o matas o te matan”. Ver cómo el protagonista tendrá que labrarse un futuro dentro de la prisión es parte fundamental de la película, en la que la historia irá acompañada de una envolvente e inquietante atmósfera que se respira tanto dentro como fuera de las paredes del presidio, llegando a ser sentida por el espectador.

BLADE RUNNER

La película de ciencia ficción por excelencia, una de mis TOP 10. Pese a ser una de las numerosas películas futuristas en las que se pintaban las primeras décadas del siglo XXI como una sociedad súper avanzada, fallando exageradamente en la predicción -como “2001, una odisea del espacio” de Kubrik, “Fahrenheit 451” de François Truffaut, el cortometraje “La Jetee” de Chris Marker, incluso “Regreso al Futuro II” de Robert Zemeckis-, este film plasma perfectamente el dilema por antonomasia del género: ¿Son realmente personas los robots? Aunque esto suene a fantasía es aplicado, como en numerosas obras del género, como una metáfora al propio ser humano y a su relación con su creador. Por mi parte cabe decir que cada uno de los diálogos del guión son pura filosofía, aspecto que aprecio indudablemente en este tipo de películas.

Cabe destacar varios aspectos. El primero es el magnífico papel secundario de Ruther Hauer como replicant, cargando con gran parte del peso emocional de la película, con una magnífica y legendaria escena final. El segundo es la ambientación angustiosa y contaminada que rodea la ciudad, muy conseguida, dando la sensación de agobio y pesadumbre propicia para una historia así. Y en tercer lugar, lo más destacado, la banda sonora compuesta por Vangelis, una de las mejores del cine.

Como comentario final, decir que esta película es una obra maestra del genero, ya que continua teniendo la misma frescura moderna desde su estreno y es que se adelanto a sus predecesoras.

PROTOCOLO FANTASMA

"Protocolo Fantasma" es una película de acción y de espías en toda regla. Veremos escenas que, si no desconectamos, nos parecerá una locura y una gilipollez (con permiso), pero estamos viendo una película donde lo imposible es posible. Gadgets dignos del siglo XXII que nos dejan con la boca abierta y que hacen que ser espía parezca hasta fácil (no siempre, claro).

Con gran pesar (¿cómo ha podido salir del equipo Ving Rhames, el gran Ving Rhames?), he de reconocer que el nuevo equipo es muy sólido. Simon Pegg sabe poner el toque de humor y aliviar un poco la tensión, Jeremy Renner intenta complementar a Tom Cruise, aunque siempre queda a la sombra, y Paula Patton no sólo pone su belleza despampanante (¡ese vestido azul!) sino su maestría en el arte de seducir y luchar. La única pega es que el malo no podía ser más tópico y, peor aún, más soso.

Sin olvidarme, por supuesto, de Tom Cruise. No es el mejor actor del mundo, pero pocos le ponen tantas  ganas  como él y pocos podrían ser Ethan Hunt mejor que él. Mis felicitaciones al Sr. Cruise por mantenerse como una flor con su edad y seguir haciéndonos vibrar con más misiones imposibles.

Brad Bird ha conseguido crear una película sólida, con un guión contundente y consistente y no hacer que miremos el reloj en las poco más de dos horas que dura su primera obra con actores de verdad. La película va fluyendo ella sola para llegar a un final que todos esperamos: más misiones imposibles para el bueno de Ethan Hunt.

CRASH

-“Es la sensación de contacto, en cualquier ciudad por donde caminas, ¿Comprendes?, pasas muy cerca de la gente y ésta tropieza contigo. En Los Ángeles nadie te toca, estamos siempre tras este metal y cristal…”.

Este es el pequeño prólogo, narrado por el personaje de Don Cheadle, que abre este excelente filme. Se trata de la primera película de Paul Haggis como director tras su majestuoso guión(nominado al Oscar) de Million dollar baby de Clint Eastwood.

Su lado negativo, como bien se ha comentado aquí, es el deja vú que provoca en la forma de narración. Pero solo en forma, pues en fondo es una historia original, valiente, honesta con el espectador, sin desperdicio alguno.El guión (punto fuerte de Haggis) es una maravilla, con diálogos directos y contundentes. Aspectos técnicos como fotografía y montaje son soberbios. La fotografía recuerda a películas similares como por ejemplo Traffic (2000) de Steven Soderbergh, y el montaje a la escuela que abrió Robert Altman a principios de los 90 con su magnífica “Vidas Cruzadas”.

Las interpretaciones son de gran calidad, combinando actores conocidos y consagrados (Matt Dillon, Don Cheadle, Sandra Bullock, etc..) con otros novatos o semidesconocidos (Terence Howard, Thandie Newton).Todos rayan a gran nivel dentro de lo que les exige su personaje. Me sorprendió gratamente el, para mí, desconocido Howard(nominado a los Oscars el mismo año por su papel en otro filme) por su fuerza y contención.

Su final está sensacionalmente resuelto, enlazando con el principio del filme.

OCULTOS TRAS SU MASCARA

VIERNES  13

GOLUM

FRANKENSTEIN

MARTYRS

La verdad es que no está nada mal. No he visto ninguna película más del director, pero considero que Martyrs y Eden Lake fueron los mejores largometrajes del Festival de Sitges de 2009. Me pareció una película diferente, aterradora y atroz. El inicio es fabuloso, veloz y muy impactante, luego el film decae un poco, la historia se vuelve algo tediosa hasta que, hacia el final, destapándose la verdad, acaba mejorando notablemente. El guión es bueno, las interpretaciones magníficas, y el maquillaje convence y, por lo tanto, hace retroceder de horror. No es una película demasiado larga, lo cual es de agradecer, y si uno es capaz de gozar con este tipo de cine, se consigue verla con relativa facilidad, pues solo aburre unos minutos, situados, como antes he apuntado, en la mitad del film, cuando la incertidumbre se convierte en angustiosa insistencia y el espectador desea saber por qué, mientras que la historia, en esos momentos, se desarrolla con lentitud y no ofrece respuestas.

Martyrs, lógicamente, no es una película que pueda ver todo el mundo. Hace falta un paladar refinado a la vez que morboso, y sus escenas exigen una mente ávida de ver nuevas cosas. Debes de ser un espectador frío capaz de ver cualquier película, pues cuando se termina de ver Martyrs, uno se siente algo deprimido al haber visto, en tan poco tiempo, acontecimientos tan brutales protagonizados por seres extremadamente despiadados e inhumanos. Su argumento es aterrador y cruel y varios personajes son maltratados hasta lo inconcebible. Creo solo personas amantes del género de terror, o espíritus intrépidos y curiosos, pueden llegar a disfrutar, como yo hice, de ese tipo de películas que parecen escritas y dirigidas por el mismísimo Satanás.

SOSPECHOSOS HABITUALES

Sospechosos Habituales es una película demasiado audaz e inteligente para el espectador donde su director lo borda prácticamente de principio a fin. Y es que desde que Bryan Singer empezó su carrera apenas sin experiencia en el cine, con este trabajo hizo sonar muy alto su nombre en Hollywood. Puede que sea su cinta más codiciada a pesar de grandes películas como Verano de Corrupción X-men o Valkiria.

La cinta transmite demasiadas formas de como trabajar en un guión tan perfectamente completado como es en este caso. Y es que la historia abarca una serie de pistas que tras empezar a ver sus primeros minutos, no es fácil engancharse dado que los personajes y el tema principa no dan de sí todo lo que pueden dar , hasta que a partir de que transcurre algo más, va creciendo y se va convirtiendo en algo espectacular. La delicadeza que consigue obtener tal obra prevalece en el poder de atracción hacía el espectador que según avanzan los minutos más grande es esa fuerza. Singer no desaprovecha para nada un producto discreto con capacidad de altura y gran satisfacción.

Entre los actores Kevin Spacey, desapercibido desde que comienza, y explendoroso cuando acaba, sin imaginar lo que hay detrás de su personaje. Fabulosa interpretación de uno de los actores más aprovechables de la industria. Chazz Palminteri, Benicio del Toro y Stephen Baldwin acompañan como tienen que hacerlo sin desaprovechar la ocasión, y Gabriel Byrne es el líder de la banda cuyo liderazgo es definido desde un primer momento. Consigue esa fuerza que caracteriza a su personaje.

Sospechosos Habituales es la película más completa de Bryan Singer.

EL DIABLO Y EL CINE

La mejor coartada del diablo es hacernos creer que no existe (Baudelaire dixit). Pero gracias a renombrados cineastas se nos ha revelado su apariencia, advirtiéndonos, a través de filmes -curiosamente de culto- sobre la malevolencia de El Ángel Caí­do.
Así­, el llamado Prí­ncipe de las Tinieblas se instaló gratamente en la obscuridad de las salas de cine desde las primeras proyecciones: Georges Mélií¨s, F. W. Murnau, Fritz Lang, D.W. Griffith, Carl Theodor Dreyer, René Clair y Benjamin Christensen, fueron partidarios, tempranamente, de la denuncia del Señor del Averno.
Otros grandes y diversos directores, desde su propio estilo y género preferido, han mostrado o sugerido la presencia del Maligno. A Jacques Tourner, maestro de la atmósfera, los productores de Una Cita con el Diablo (1957), le obligaron a insertar una gigantesca criatura que personificaba al demonio. Stanley Donen, desde la divertida sátira Un Fausto Moderno (1967), narraba la historia de un “pobre diablo” en la Inglaterra pop; la casa Hammer en Una Tumba en la eternidad (1967), demostraba que el demonio viene más allá de la estratosfera y puede manifestarse en forma de invasión extraterrestre. Roman Polanski, con El Bebé de Rosemary (1968), sorprendí­a evitando el truco fácil de evidenciar al bebé de Satanás, y sólo dejaba ver una cuna de velos negros.

Luego, el Chamuco prefirió omitir toda su iconografí­a creada por los artistas plásticos de la cristiandad, para introducirse en la vida monacal sustentada en los eventos ocurridos en Loudun, en la excesiva y provocadora cinta Los Demonios (1971), de Ken Russell; para enseguida, poseer púberes en El Exorcista (1973) de Friedkin, o de plano, apoderarse de inocentes cuerpos de niños representando al Anticristo en el ambiente del poder polí­tico mundial en La Profecí­a (1976), según Richard Donner.
Después, la maldad ya no tuvo a su enemigo perenne a mano, la bondad. A fin de milenio el hombre se habí­a desbarrado en un cinismo que no le permití­a ser bueno. Entonces, El Diablo decidió pasarse del lado del enemigo para comportarse generosamente violento contra, por ejemplo, el mal comportamiento juvenil; pero ahora se alejaba de la representación del bestiario bí­blico, adquiriendo personificación de psicópata, demente o asesino serial, en filmes como: Pesadilla en la Calle del Infierno, Halloween, Viernes 13, y demás.

SUBMARINO

«Submarino» es un contundente drama, que goza de un guión excelente y una interpretación excelsa del actor principal, Jakob Cedergren. La sexta película del reconocido director danés Thomas Vinterberg narra con aplomo y solvencia los orígenes familiares de dos marginados sociales, casualmente hermanos.


La creación del personaje principal es un acierto magistral, un ser real cuya personalidad queda descrita con la nitidez con que se conoce al mejor amigo. Sucede en contadas ocasiones que cuando el telón cae o el lector cierra la última página de un libro, un personaje no abandonará jamás la memoria del espectador. Nos encontramos ante uno de tales casos.


La puesta en escena, la tonalidad y el ritmo de cada escena configuran una obra en la que se reconoce la personalidad de un realizador que promete alejado de seguir la moda que marca esta industria .

Es necesario este tipo de cine cercano diría yo al neorralismo Italiano, donde se refleja lo crudo de estos duros tiempos que nos han tocado vivir.

NO ABRAS LOS OJOS

Dave Gurney el protagonista de la primera novela de John Verdon, "Sé lo que estás pensando", regresa para enfrentarse al caso más comprometido de su carrera, un choque con un adversario implacable que no sólo es un inteligente y calculador asesino, sino que no tiene ningún reparo en golpear directamente al punto débil de Gurney; su esposa.

Ha pasado ya un año desde que el ex detective de la policía de Nueva York consiguió detener al asesino de los números y, aunque tiene la intención de retirarse definitivamente junto a su esposa Madeleine, un nuevo caso se le presenta de forma súbita. Una novia es asesinada de manera brutal durante su banquete de bodas, con cientos de invitados en el jardín y ese es un desafío al que es
imposible resistirse.

Todas las pistas apuntan a un enigmático y desequilibrado jardinero pero nada encaja; ni el motivo, ni la disposición del arma homicida y sobre todo, el cruel modus operandi. Dejando de lado lo evidente, Gurney empieza a unir los puntos que le destaparán una compleja red de negocios siniestros y tramas ocultas llevadas por una mente sádica...

EL INTERIOR

Un escenario (una casa) y dos personajes (dos mujeres). Con solo estos elementos, Alexandre Bustillo y Julien Maury, directores de ‘À l’intérieur’ (‘À l’intérieur’, 2007), consiguen una de las películas más sangrientas y salvajes jamás filmadas.

Sorprendentemente explícita y “gore”, esta película levantó ampollas entre los más puritanos y causó orgasmos entre los seguidores del cine extremo y “gore”. Y la verdad es que no es para menos, porque pocas veces se ha podido presenciar un espectáculo tan cruel y feroz.

Los directores galos consiguen el máximo con el mínimo apoyándose en un escenario claustrofóbico y ayudándose de unos FX tremendamente sangrientos y efectivos, a lo que hay que sumarle una magnífica puesta en escena y unas excelentes interpretaciones de la sensual Béatrice Dalle (turbadora a más no poder) y de la guapísima Alysson Paradis.

Un sangriento festival de poco más de 80 minutos en los que el fan más acérrimo encontrará multitud de detalles interesantes (y atroces), ahí se encuentran entre otras lindezas: una (auto)traqueotomía, un brutal disparo (más bien parece un misil) en la cabeza, pero eso sí, por encima de todo, destaca una bestial cesárea, una secuencia magistralmente rodada y exageradamente explícita, todo ello filmado con un intencionado realismo escalofriante.

HALLOWEEN (1987)

ES ESTA SIN DUDA UNA PELÍCULA EMBLEMÁTICA DENTRO DEL CINE DE LOS 80 QUE MARCA UN ANTES Y UN DESPUÉS DENTRO DEL GENERO DE TERROR, DONDE NOS ENCONTRAMOS UNA PRODUCCIÓN DE CINE DE SERIE B HECHO CON POCO DINERO PERO BIEN RODADO.

LO MEJOR DE ESTA ES SIN DUDA EL USO DEL CINEMASCOPE JUNTO A LA UTILIZACION DE LA PROFUNDIDAD DE CAMPO QUE USA  CAMPERTEN HACIENDO QUE EL ESPECTADOR SEA PARTICIPE DESDE LEJOS DE TODO LO QUE ACONTECE EN PANTALLA.

MARATHON MAN

Siete años después de la extraordinaria ‘Midnight Cowboy’, John Schlesinger nos sorprende con uno de los thrillers más impactantes de la década de los 70. Dustin Hoffman vuelve a repetir director desde la mencionada, en la que interpretó a Ratso, un lisiado con tuberculosis y perdedor. ‘Marathon Man’ se trata de una historia bien construida con buena dosis de intriga, que te mantiene enganchado durante todo su metraje. En su primera mitad se describen a la perfección a los personajes, para después interrelacionar unos con otros y ponernos con el corazón en un puño con la otra mitad.

Basada en una novela de William Goldman, quien fue él mismo el encargado de adaptarla para la pantalla, la película contiene escenas muy duras de ver. Posiblemente la escena más famosa y por la que la recordareis, es en la que Babe Levy es torturado por el despiadado doctor Szell con toda clase de utensilios dentales. Un reparto de altura, en el que podemos destacar la química entre Dustin Hoffman y Marthe Keller, un perturbador Laurence Olivier y un lúcido Roy Scheider, para una cinta notable. También hay que mencionar la magnífica fotografía en color de Conrad Hall (A sangre fría y Dos hombres y un destino).

THE HORDE

Los aficionados al cine de terror y al género de los muertos vivientes en particular, parece que nos dediquemos a buscar una aguja en un pajar; normalmente nos tragamos 200 productos infectos hasta dar con esas 1 o 2 películas que realmente valen la pena ver. “La horde” es una de ellas.

Trepidante odisea zombie- chovinística dirigida con buen pulso por Benjamin Rocher y Yannick Hadan, que sin ser el culmen de la originalidad, es uno de los productos más dignos del actual y prolífico panorama del cine de zombies. Siguiendo la estela de producciones más o menos recientes como la saga “28 días después”, “Amanecer de los muertos “o “Dead set”, se trata de un survival-horror en el que un grupúsculo de supervivientes pugnan por subsistir en un ruinoso edificio de la periferia parisina a una horda de zombies antropófagos que corren tras los vivos como galgos en celo.

THE DEAD

Los hermanos Ford, Howard y Jon, parecen nadar contracorriente. Cuando todo parece indicar que el muerto viviente actual tiene que ser propenso a infecciones de todo tipo; tener la agilidad, la fuerza y la velocidad de un superhéroe al que le ha picado una araña radioactiva o verse condenado a provocar la risa facilona en el espectador al ser víctima de todo tipo de ridículas situaciones; este par de osados directores independientes, que debutan en el cine tras una dilatadísima carrera en el sector publicitario, se sacan de la manga una película de zombis que desprende, durante todo su metraje, un delicioso aroma clásico que bebe directamente de los maestros italianos del spaguetti-zombie de los 70 y principios de los 80 (me refiero a los Lenzi, D’Amato, Fulci o Mattei) y que haría las delicias del mismísimo George. A Romero

EL INADAPTADO

El inadaptado cumple perfectamente con lo que la sinopsis promete. Un hombre llega a una ciudad en la que todo está perfectamente ordenado, la gente robotizada y los sentimientos y emociones brillan por su ausencia. Él, como todo habitante de esa ciudad, lo tiene todo según llega: le dan una casa, un trabajo... el prototipo de la vida perfecta y que en el fondo todos querríamos vivir. Allí no hay más problemas que los que uno quiera buscar, huyendo de la superficialidad que impera en la ciudad. Pero difícilmente podrá buscarse problemas, dado que unos misteriosos señores vestidos de gris se encargan de que allí la gente viva feliz y contenta solucionando cualquier problema que altere el curso normal de la vida de sus ciudadanos.

El protagonista, Andreas, hastiado de vivir entre autómatas que ni sienten ni padecen, se busca la vida como puede en un intento de animar su vida y adaptarse a la Ciudad Perfecta.

En definitiva una muy interesante pelicula que nos hace mucho que pensar en este mundo.

PURGA DE SOFI OKSANEN

Cuando un libro viene precedido de fama, por regla general lo suelo coger con respeto y recelo. No me fio, tengo miedo a decepcionarme. Pero del público francés suelo tener buena opinión de sus gustos literarios, pues rara vez suelen dar elogios vanos, sobre todo a una obra extranjera.

Este libro, galardonado, entre otras distinciones, con el Premio a la mejor novela Europea 2010, nos cuenta la historia del encuentro entre dos mujeres, en una despoblada zona rural de Estonia, en 1992, durante los zozobrantes días posteriores a la independencia de lo que una vez fue la URSS. Aliide Truu, una anciana que malvive junto al bosque, encuentra en su jardín a una joven, Zara, veinteañera rusa, víctima del tráfico de mujeres, que ha conseguido huir de sus captores y necesita ayuda desesperadamente.

Pero, la elección, que a priori parece casual, esconde un terrible vinculo, un nudo gordiano tensional que poco a poco se nos irá desatando, ya que el pasado, por mucho que queramos olvidarlo, siempre acaba volviendo a visitarnos, Porque en la vida, nada es lo que parece.

La autora bien podría estar contándonos la historia de sus abuelos, pues su madre es estonia, y se nota que sabe de lo que habla, conoce lo que está contando. Seguro que parte de lo contado es la crónica de su familia.

Narrada en capítulos cortos, con movimientos pendulares entre los diferentes años, asistimos al esclarecimiento gradual de los hechos, con un lenguaje duro, descarnado, realista, sin concesiones a la galería, casi sin omitir detalles por desagradables, escabrosos o dolorosos que nos parezcan. La opresión, la venganza, el odio, el extraño y desgraciadamente real, sentimiento de culpa que lleva la humillación, nos introduce en una obra, si no de trama original, si desconocida para los que habitamos en el mediodía de Europa.

AL DENTE.

Al Dente nació originalmente como un proyecto escolar, creado bajo la técnica de animación 3D.

La historia toma lugar en un universo lleno de música y color; nos cuenta las aventuras de una pequeña niña sin hogar, que descubre la magia y los peligros que existen en la cocina de un ogro.

El film fue co-dirigido y producido por el trío formado por Jean-François Barthelemy, Maël François y Carlos Felipe Leon Ortiz; (ahora) graduados de SUPINFOCOM.

La música es de Mathieu Alvado, compositor de carrera que ha participado en más de 10 producciones fílmicas.

La cinta ha acumulado varios premios en diferentes festivales, incluyendo el mejor cortometraje animado del festival español MUNDOS DIGITALES.

NOCHE DE MIEDO

Es una pena que en los últimos años sólo nos lleguen de la meca del cine remake ochenteros que ya no tienen ni pizca de gracia, y que tampoco existe la necesidad ni la motivación necesaria para realizarlos. Como muy bien dijo el orondo genio de Orson Welles: "El enemigo del arte es la ausencia de limitaciones". Y en esta película parece ser que el realizador de la mediocre "Mr. Woodcock"(2007) y la sobrevalorada "Lars y una chica de verdad"(2007), no tiene ningún límite con la tonteríay el mal gusto. Es sorprendente ver a un actorazo tan joven y prometedor como Anton Yelchin compaginar trabajos paupérrimos como el de "Fright Night" con el último pelotazo en Sundance, el drama "Like Crazy"(2011) de Drake Doremus, donde su registro es totalmente distinto. También nos damos cuenta de las carencias interpretativas de Colin Farrell cuando está mal dirigido, está claro que Craig Gillespie no es Joel Schumacher ("Tigerland"2000, "Última llamada"2003), ni Neil Jordan ("Ondine"2010), ni Martin McDonagh (director de "In Bruges", 2009, por la que Colin se llevó su único premio interpretativo, y gran dramaturgo donde los haya). La estrella irlandesa deambula por el largometraje (gracias a dios de corta duración, aunque para mi fue como ver una de Andrei Tarkovsky) sin enterarse bien de lo que está haciendo y en ningún momento es creíble su personaje. Lo único destacable de la película es el cameo de Chris Sarandon, el personaje loco de David Tennant