EL SOL DEL MEMBRILLO

EL ARTE EN ESTADO PURO:El film se presenta a modo de falso documental sobre la realización de un cuadro de un membrillero, en casa del excepcional pintor Antonio López.
Por una parte, y en una lectura superficial, aunque en sí suficientemente interesante, Erice nos enseña la forma de trabajar del genial pintor; su meticulosidad, su respeto y admiración por la realidad, por la vida y por su libertad de expresarla. Una forma de trabajar, o más bien de entender la existencia, que evidentemente, su resultado se trasladará a su incomparable obra pictórica.
Esta obsesión del pintor por captar el instante perfecto, nos lleva a una segunda lectura, a la existencialista confirmación de la inexistencia del tiempo, a la imposibilidad de retener la vida, ni siquiera en la abstracción de un cuadro.
El resultado final, con la presencia de la muerte, junto con la continuación de la vida, nos deja la sospecha de que la verdadera obra no es la acabada o inacabada, que más da, sino el proceso de realización, en el infinitesimal tiempo presente que contiene el verdadero contacto con la vida.

FRIDA

UNA AUTENTICA OBRA DE ARTE:Nos encontramos ante otra maravillosa biografía llevada a la gran pantalla. Julie Taymor ha sabido muy bien, llevar la película. El guión cautiva desde un primer momento y te deslumbra en ocasiones puntuales. La música es absolutamente maravillosa, esa calidad musical que desprende la película, es especial. Los escenarios, localizaciones y atuendos, acompañados de un increible maquillaje y una fantástica peluquería, crean una atmósfera que nos permite viajar por el maravilloso país de Méjico. La fotografía se mantiene en consonancia con la atmósfera de la película. El montaje es maravilloso. Y la película te deja momentos irrepetibles. Los actores están todos a la altura, destaca Salma Hayek que nos brinda el mejor papel de su carrera. Preciosas canciones a lo largo de toda la película, que ayudan a que afloremos nuestras emociones. Preciosa y magnífica.

ENCONTRE AL DIABLO.

CRITICA:Kim Ji-woon se esta convirtiendo en uno de los directores mas importantes del cine asiático con películas de gran nivel como A bittersweet Life o su opera prima the quiet family (mas tarde Takashi Miike rodaría su versión a modo de musical con la película titulada la felicidad de los katakuris)

I saw the devil es un Thriller de los que hacen historia. Mientras estas viendo las dos horas y media de metraje que dura el film se te vienen a la cabeza varias referencias de otras películas como la maravillosa seven y zodiac de David Fincher y una estética muy similar a la de oldboy, actor que comparte con la cinta de Park Chan-wook y este film, una estética que tiene mucha fuerza en esta pelicula que también recuerda al clásico de oldboy por tocar el tema de la venganza.

La película es extremadamente salvaje en muchos puntos. Nos presentan a un asesino en serie de chicas jóvenes a las que viola y descuartiza, y el realizador no se corta ni un pelo en mostrar las imágenes mas salvajes que el joven director ha rodado en toda su carrera. Y también nos presenta la cara de la venganza, de un hombre cuyo único fin es hacer sufrir a la persona que mato a su prometida y para ello tiene que convertirse en un monstruo incluso haciendo parecer al asesino una persona normal, con sus miedos a la muerte, y haciendolo débil y humano.

BALADA TRISTE DE TROMPETA.

BALADA TRISTE...Balada triste de trompeta es un caro jarrón (made in Spain), que tras caer del pico untuoso y sanguinolento de una cigüeña ha quedado hecho añicos. Sabemos que los fragmentos son valiosos pero que Alex de la Iglesia, que se ha dedicado a pegarlos, ha sido incapaz de recomponerlo, quedando un sugerente esqueleto con jirones de apetitosa carne.
Las postales que el director ha utilizado para forrar los agujeros son efectistas pero responden más a un bombardeo que a una exposición.

Solo los aficionados y cómplices "Álexiglesistas" gozarán plenamente de esta valiente apuesta, contaminada de referencias anteriores, que dejará al resto de los mortales con las yemas de los dedos llenas de cola intentando hacer lo que no ha conseguido el maestro español del esperpento radical : buscar pistas y explicaciones que nos ayuden a cuadrar las simbologías y a borrar de nuestro imaginario algunas de las treinta nuevas preguntas que duermen entre las virutas de nuestra cabeza.
¿Es un patético retrato de la España que fue y la que será? ¿No tenemos solución y siempre matamos lo que más queremos? ¿Estamos condenados a repetirnos? ¿La violencia gratuita vende? ¿Álex es nuestro Tarantino?.....¿.......?

PERROS DE PAJA:Después de fracasar con La balada de Cable Hogue y harto de los productores de Hollywood, Sam Peckinpah se marchó a Europa con Dustin Hoffman y Susan George para rodar una de sus películas más polémicas. Cuenta la historia de un profesor que con su mujer pasan las vacaciones en el pueblo de ella en el norte de Inglaterra. Hoffman interpreta a un tranquilo profesor que huye de líos y problemas y trata de ganarse la amistad de los lugareños del pueblo. Sin embargo, los que trabajan reparando el tejado de su casa son amigos de su atractiva mujer uno de los cuales fue antaño novio suyo. Un buen día deciden llevarse a Hoffman de caza mientras dos de ellos se turnan para violarla.

En España la censura eliminó la secuencia en la que Susan George se desnuda en el baño y se asoma a la ventana mostrando sus pechos a los obreros. Ella encarna a una chica joven y atractiva cuyo comportamiento liberal choca con la rudeza de unos hombres ignorantes y borrachos. La actitud apocada y tímida de Hoffman cambiará cuando el tonto del pueblo se refugie en su casa huyendo de los lugareños que pretenden lincharlo por su acoso a una joven. Hoffman pone en práctica la máxima de que el corazón de un hombre tranquilo es un tigre dormido y provisto de una escopeta tratará de defender su casa del asedio de los hombres que trabajaban para él.

Una vez más las mujeres en el cine de Peckinpah quedan a la altura del betún. Una de ellas, Susan, da a entender durante la violación que no le importa acostarse con su ex aunque éste la fuerce. Al mismo tiempo se pasea semidesnuda por la casa sin importarle si la ven o no. Mientras que Janice es la adolescente cachonda que zorretea con cualquiera especialmente con el tonto del pueblo el gigantón David Warner. Es su provocativa actitud la que desencadena la tragedia y el violento final en la casa de Hoffman.

Bueno y ahora nos queda ver el remake,para comparar si es bueno o no esta a la altura como tantos otros.

REMAKE DE ROBOCOP.

Dentro de la absurda moda reciente de recuperar viejas películas con la que, por un lado volver a obtener beneficios con historias ya caducas entre un público que no las vivió en su momento, y por otro, degradar productos anteriores si éstos eran buenos, o ahondar en la bazofia si eran malos, Metro Goldwyn Mayer nos pretende “obsequiar” con la recuperación de Robocop, ese engendro metálico cuya historia dirigió Paul Verhoeven en 1987 tras su llegada a América procedente de Holanda y que dio pie para unas cuantas secuelas inútiles y todo un despliegue de mercadotecnia lamentable.
En la línea de recuperar películas como El caso de Thomas Crown o La pantera rosa, que hemos padecido años atrás, los estudios del león pretenden seguir la senda de la recuperación del cine de acción y violencia gratuita, no sólo con el robot pistolero, sino también con la sangrienta saga de películas que Charles Bronson protagonizara en los 70-80, Yo soy la Justicia, en la que tiroteaba a diestro y siniestro a decenas y centenares de personas, en una visión alegórica violenta y ultraconservadora de la sociedad y para que otro caduco, Sylvester Stallone, se postula como protagonista.
Aunque todavía no está claro si el nuevo Robocop será un remake o una nueva versión del estilo que en los últimos tiempos ha recuperado a Rocky, Rambo o Indiana Jones para las pantallas, está claro que su nuevo desembarco será todo un acontecimiento publicitario que pretenda esconder con dinero y flashes lo que es otra caída de Hollywood en el fango más espeso.
Fuente: Europapress

RAZONES PARA NO ENCENDER LA TV:

1. La tele empeora tu salud

Ver la tele es un pasatiempo bastante peligroso para la salud, según sugiere el estudio. No importa cuánto tiempo pasas en el gimnasio, cada hora frente a la tele aumenta tus probabilidades de tener un ataque al corazón, según un estudio reciente publicado en Circulation: Journal of the American Heart Association. Los investigadores australianos estudiaron a 8.800 adultos, hombres y mujeres, durante una media de 6 años, y encontraron que cada hora que pasaban frente al televisor aumentaba el riesgo de muerte por causas variadas; un aumento de 9% en el riesgo de cáncer y 18% de aumento en riesgo de cualquier enfermedad cardiovascular. Y eso era cierto incluso entre personas que no fumaban, estaban delgadas y tenían baja presión arterial y colesterol. 

LA TV TE HACE MAS BEBEDOR

Para descubriir si lo que vemos en la tele, realmente afecta a nuestros hábitos de bebida, los investigadores tomaron a 80 varones, estudiantes universitarios entre 18 y 29 años y les llevaron a un lugar de estudio similar a un bar, donde los estudiantes podían ver películas y anuncios de televisión.

Los investigadores encontraron que los hombres que miraban películas y anuncios en los que el alcohol jugaba un papel predominante, tomaban una media de 1.5 copas más que aquellos que miraban películas y anuncios en los que el alcohol jugaba un papel menos importante.

BUENO Y PARA FINALIZAR UN CORTO QUE LO ACLARA TODO:

EL CLUD DE LA LUCHA:

El último paso hacia la superación personal (por la rama del nihilismo exacerbado) no sólo tiene que ver con matar a tus ídolos, sino también con matarte a ti mismo. Chuck Palahniuk lo sabía, David Fincher también: el narrador de esta irrepetible obra maestra acaba con (nunca mejor dicho) dos pájaros de un tiro antes de poder alcanzar la cima de su vida. O, al menos, de una etapa muy complicada de su vida. La imagen de Norton apretando el gatillo y provocándole a Pitt un agujero en la cabeza (¿acaso Tyler no fue siempre un agujero en la cabeza?) es tan icónica que uno tiene que evitar las lágrimas al intentar describirla. La teoría del doppelgänger y el suicidio metafórico nunca fue ejecutada con tanta contundencia.

BRAINDEAD:

El ahora integrado en los estudios Peter Jackson se hizo famoso con esta película (a pesar de tener rodadas antes varias propuestas más que originales). No era de extrañar: había creado la comedia alocada gore más grotesca, estrambótica y esperpéntica vista en mucho tiempo, no apta para estómagos sensibles, llena de sangre y vísceras y de horrendos monstruos y, sobre todo, de situaciones desternillantes, de un absurdo sentido del humor y de frenéticas escenas de acción y luchas (el festival de tripas del desenlace es antológico). Una gran obra del cine de diversión pura para ver sin ningún tipo de prejucios que hará carcajearse y horrorizarse al público a partes iguales. No busca nada más, y con eso es más que suficiente. Recomendada para ver en grupo y observar las reacciones de cada uno ante ella... O se ama o se odia

LAS DROGAS Y EL CINE:
El cine y las drogas tienen una relación ficticia por partida triple. El séptimo arte transforma la realidad, ilusiona, manipula y engaña en aras de unos minutos de felicidad. Cuando la pelí­cula se acaba queda la emoción. Gracias a las drogas también soñamos, nos ilusionamos, viajamos a otros mundos, vemos con otros ojos y nuestro mundo emocional se distorsiona. Su efecto también se acaba después de unos minutos de felicidad aunque el recuerdo de la quimera perdura. En segundo lugar, las drogas que los actores consumen en las pelí­culas, al igual que los cigarrillos de chocolate de los niños y el whisky de los bares de alterne, son harina, té con hielo, aspirinas y carne trémula de un doble mal pagado que se inyecta antibiótico. Los decorados y los protagonistas son tan irreales como los drogadictos y sus escenarios.
Por último, el cine no es un documental sobre “el mundo de la droga” ni un testimonio materno. El cine es una producción cultural, una expresión artí­stica del hiperrealismo, neorrealismo, surrealismo o realismo social difí­cilmente neutra. El cine no satisface las expectativas de los profesionales de las drogodependencias porque no refleja nuestra perspectiva del fenómeno.

¿Hay algo más ficticio que la droga en el cine? Las drogas son una quimera, el cine es una fantasí­a y su conjunción una ficción. En estas condiciones, Las pelí­culas comerciales son productos económicos, culturales y artí­sticos que, pese a estas premisas, siguen mereciendo nuestra atención por varios motivos.

ASESINOS DE ELITE:

Con la excusa de estar basada en un hecho real, Gary McKendry adapta la novela de Ranulph Fiennes “The feather men” y la convierte en una película de acción pero sin emoción, mil veces vista. Y si a eso le añadimos que parte de una historia imprecisa, el resultado se vuelve convencional, monótono, tedioso y ordinario. Del reparto no podemos esperar gran cosa, solo conseguimos unas sobreactuaciones de rostros impávidos tanto de Clive Owen como de Robert De Niro. Con un metraje que resulta excesivo para lo poco que nos cuentan, unas secuencias de acción cortadas del mismo patrón y una farragosa descripción de relaciones, el filme pierde todo el interés nada más empezar y no es capaz de mostrarnos su lado más emocional, sino que siempre se justifica con sus fuegos artificiales, y eso acaba cansando.

Kevin Smith intenta crear un thriller psicológico a partir de una mezcla entre la familia Manson, el documental "Jesus camp"(muy recomendable), y "Black hawk down", resultado: entre rezo y rezo Charles Manson te destroza pescuezos.

Señor Smith, ¿Dónde quedaron esos diálogos que tanto nos hicieron disfrutar en “Clerks” y “Mallrats”? Tras sus dos últimos fracasos, “Cops out” y “Red state”, añadiendo a estas dos la mas que floja “Zack and Miri make a Porno”, me hace preguntar si volverá a aparecer el genio q se dejo intuir en sus primeras películas.

RED STATE:

MUCGUFFYN:

Un Macguffin ) es un elemento de suspense que hace que los personajes avancen en la trama, pero que no tiene mayor relevancia en la trama en sí. MacGuffin es una expresión acuñada por Alfred Hitchcock y que designa a una excusa argumental que motiva a los personajes y al desarrollo de una historia, y que en realidad carece de relevancia por sí misma.

El elemento que distingue al MacGuffin de otros tipos de excusas argumentales es que es intercambiable. Desde el punto de vista de la audiencia, el McGuffin no es lo importante de la historia narrada.

Un ejemplo de McGuffin sería la fórmula secreta que recuerda el memorista circense de 39 escalones. Hubiese sido lo mismo si hubiese sido una clave de acceso a un banco, una lista de nombres de espías o cualquier otra excusa argumental.

Hitchcock afirmó en 1939 sobre el MacGuffin: «En historias de rufianes siempre es un collar y en historias de espías siempre son los documentos».

LOS GENIOS TAMBIÉN MUEREN:

Fue una de las frases más leídas hace once años atrás, cuando el más intenso y provocador director de cine contemporáneo nos dejó para siempre. Sin concluir decenas de otros proyectos acumulados durante sus treinta y cinco años de carrera, todos estos terminaron acumulados en cientos de cajas en su hogar en Hertfordshire, Inglaterra. Una vida de investigación encerrada entre cartones, repleta de preguntas y que por su volumen reflejaban lo meticulosa de cada una de las elecciones que hicieron que cada proyecto que sí realizó, que cada libro adaptado y cada nuevo género escogido por Kubrick (ciencia ficción, comedia negra, terror, atracos, suspenso, cine bélico y drama pasaron por sus manos) fuesen considerados en su estreno un evento mundial.

El neoyorkino Stanley Kubrick fallecía en marzo de 1999 a los setenta años sin haber visto el estreno de “Ojos Bien Cerrados” (Eyes Wide Shut), su última gran película. Para algunos, nos dejaba con un sabor agridulce: lamentando los doce años de silencio que pasaron entre su último film y el anterior, Nacido para Matar (Full Metal Jacket, 1987) o los siete años entre éste y el anterior, “El Resplandor” (The Shining, 1980). En esos casi veinte años de misterioso estudio y silencio fílmico ¿qué otras películas dirigidas por Stanley Kubrick podríamos estar disfrutando hoy en día? ¿qué otras obras maestras podríamos sumar a una larga lista de CINE, escrito así, con mayúsculas?.

EL GATO DESAPARECE:

El director CARLOS SORIN,cambia de registro adentrandose en el terreno de la intriga en esta historia de locos maniacos y maniaticos con gato (mascota) incluido . Este último cobra un especial protagonismo en todo el metraje ya que es el hilo conductor de la historia, una historia con buena música, un guión pobre que no da para un largo sino para un corto,una pena porque la historia prometia y se queda en algo superficial ya que no aporta nada nuevo al género por culpa de una mala dirección. Aún asi se deja ver gracias sobre todo al gato que es el macguffin en la pelicula. Y a su final.

CISNE NEGRO:

Con una gran dirección, un montaje increíble y un guión hipnotizador, Darren Aronofsky regresa tras The Wrestler a lo grande. El director de Pi, cautiva con esta película que nos envuelve con su manto de suspense y no te despegas de la película en ningún momento. Se introduce de lleno en el mundo del ballet, un mundo competitivo y despiadado, de un manera increíble, haciendo un seguimiento perfecto de cada baile, y de cada personaje, de tal manera, que hace que te sientas observado como algún protagonista del film. Con cada movimiento de cámara, te hace creer que tú eres el bailarín, y que tú eres el que lo hace bien o el que se equivoca. La historia está muy bien desarrollada y plasmada en un guión que no pierde el ritmo en ningún momento y mantiene el suspense hasta el final. Con un tono macabro, todos los personajes están muy bien descritos y desarollados.

EL CINE NEGRO:

Uno de los géneros que más obras ha dado a la literatura cinematográfica es ‘le film noir’, como lo bautizaron los franceses. Raro es el año que no aparece algún tomo de tamaño enciclopédico tratando de explicar qué se entiende por cine negro, sus características básicas, actores, actrices y directores representativos, películas clave y legados culturales.

Sólo por esa capacidad para escapar de cualquier definición rígida, es un término fascinante; aunque seamos capaces de reconocer una obra de cine negro, puede que nos falten palabras para explicar por qué la reconocemos. Es casi un estado de ánimo. Pero hay autores que insisten en darnos su versión del tema, lo cual se agradece. Cuantos más puntos de vista, mejor. Y eso hizo el director e historiador de cine NOEL SIMSOLO,en: su libro PESADILLAS VERDADERAS Y FALSAS-(ALIANZA EDITORIAL.

ALTA TENSION:

Ópera prima del director que, posteriormente, se encargaría de dirigir el remake de "The hills have eyes" (Las colinas tienen ojos) que, como ocurre con la mayoría de las cosas, causó en su día (y causa hoy) una infinidad de sentimientos: a algunos, les parece una muy buena película, un buen debut de un director que muestra su gusto por la hemoglobina. Y a otros tantos, les causa indiferencia total. Este segundo grupo, tilda el debut de zafio, mísero y aburrido.d

El planteamiento de la historia es sencillo: Marie va a casa de los padres de una amiga suya de la universidad para estudiar para los examenes. La misma noche de su llegada, un asesino irrumpirá en la casa para acabar con todos ellos. Típico y tópico.

Con un inicio bastante brutal, Alexandre Aja tienta al espectador a unirse a su historia. El espectador llegará a sentir esa "Alta tensión" en cada fotograma y enseguida empatizará con Marie. Dicen que tiene imágenes fuertes, pero, hoy en día, se ha de recurrir a efectos de cualquier índole para llamar la atención de esos fanáticos que ven el metraje. Y lo logra, con creces.

BLITZ:

Blitz es una película que basa toda su fuerza en el personaje de Jason Statham como justiciero sin escrúpulos, al más puro estilo Harry Callahan (Harry el Sucio), Marion Cobretti (Cobra) o Paul Kersey (Charles Bronson en El justiciero de la ciudad y continuaciones).

Todo lo referente a chulería (porque sigue con inequívocas reminiscencias a Bruce Willis), dureza, sarcasmo y demás, está bastante logrado. Sin embargo, la investigación policial, los personajes secundarios y el suspense dejan mucho que desear, así como las secuencias de acción, casi inexistentes .

Por lo tanto, el filme deja un cierto sabor agridulce: muy bien cuando Statham se pone chulo, muy por debajo de sus posibilidades en el resto.

IN TIME:Ambientada en una sociedad futura en la que gracias a los avances científicos nadie tiene que envejecer. Pero para evitar la superpoblación, sólo pueden vivir los que pueden pagar por ello.