LAS DROGAS Y EL CINE:
El cine y las drogas tienen una relación ficticia por partida triple. El séptimo arte transforma la realidad, ilusiona, manipula y engaña en aras de unos minutos de felicidad. Cuando la pelí­cula se acaba queda la emoción. Gracias a las drogas también soñamos, nos ilusionamos, viajamos a otros mundos, vemos con otros ojos y nuestro mundo emocional se distorsiona. Su efecto también se acaba después de unos minutos de felicidad aunque el recuerdo de la quimera perdura. En segundo lugar, las drogas que los actores consumen en las pelí­culas, al igual que los cigarrillos de chocolate de los niños y el whisky de los bares de alterne, son harina, té con hielo, aspirinas y carne trémula de un doble mal pagado que se inyecta antibiótico. Los decorados y los protagonistas son tan irreales como los drogadictos y sus escenarios.
Por último, el cine no es un documental sobre “el mundo de la droga” ni un testimonio materno. El cine es una producción cultural, una expresión artí­stica del hiperrealismo, neorrealismo, surrealismo o realismo social difí­cilmente neutra. El cine no satisface las expectativas de los profesionales de las drogodependencias porque no refleja nuestra perspectiva del fenómeno.

¿Hay algo más ficticio que la droga en el cine? Las drogas son una quimera, el cine es una fantasí­a y su conjunción una ficción. En estas condiciones, Las pelí­culas comerciales son productos económicos, culturales y artí­sticos que, pese a estas premisas, siguen mereciendo nuestra atención por varios motivos.

ASESINOS DE ELITE:

Con la excusa de estar basada en un hecho real, Gary McKendry adapta la novela de Ranulph Fiennes “The feather men” y la convierte en una película de acción pero sin emoción, mil veces vista. Y si a eso le añadimos que parte de una historia imprecisa, el resultado se vuelve convencional, monótono, tedioso y ordinario. Del reparto no podemos esperar gran cosa, solo conseguimos unas sobreactuaciones de rostros impávidos tanto de Clive Owen como de Robert De Niro. Con un metraje que resulta excesivo para lo poco que nos cuentan, unas secuencias de acción cortadas del mismo patrón y una farragosa descripción de relaciones, el filme pierde todo el interés nada más empezar y no es capaz de mostrarnos su lado más emocional, sino que siempre se justifica con sus fuegos artificiales, y eso acaba cansando.

Kevin Smith intenta crear un thriller psicológico a partir de una mezcla entre la familia Manson, el documental "Jesus camp"(muy recomendable), y "Black hawk down", resultado: entre rezo y rezo Charles Manson te destroza pescuezos.

Señor Smith, ¿Dónde quedaron esos diálogos que tanto nos hicieron disfrutar en “Clerks” y “Mallrats”? Tras sus dos últimos fracasos, “Cops out” y “Red state”, añadiendo a estas dos la mas que floja “Zack and Miri make a Porno”, me hace preguntar si volverá a aparecer el genio q se dejo intuir en sus primeras películas.

RED STATE:

MUCGUFFYN:

Un Macguffin ) es un elemento de suspense que hace que los personajes avancen en la trama, pero que no tiene mayor relevancia en la trama en sí. MacGuffin es una expresión acuñada por Alfred Hitchcock y que designa a una excusa argumental que motiva a los personajes y al desarrollo de una historia, y que en realidad carece de relevancia por sí misma.

El elemento que distingue al MacGuffin de otros tipos de excusas argumentales es que es intercambiable. Desde el punto de vista de la audiencia, el McGuffin no es lo importante de la historia narrada.

Un ejemplo de McGuffin sería la fórmula secreta que recuerda el memorista circense de 39 escalones. Hubiese sido lo mismo si hubiese sido una clave de acceso a un banco, una lista de nombres de espías o cualquier otra excusa argumental.

Hitchcock afirmó en 1939 sobre el MacGuffin: «En historias de rufianes siempre es un collar y en historias de espías siempre son los documentos».

LOS GENIOS TAMBIÉN MUEREN:

Fue una de las frases más leídas hace once años atrás, cuando el más intenso y provocador director de cine contemporáneo nos dejó para siempre. Sin concluir decenas de otros proyectos acumulados durante sus treinta y cinco años de carrera, todos estos terminaron acumulados en cientos de cajas en su hogar en Hertfordshire, Inglaterra. Una vida de investigación encerrada entre cartones, repleta de preguntas y que por su volumen reflejaban lo meticulosa de cada una de las elecciones que hicieron que cada proyecto que sí realizó, que cada libro adaptado y cada nuevo género escogido por Kubrick (ciencia ficción, comedia negra, terror, atracos, suspenso, cine bélico y drama pasaron por sus manos) fuesen considerados en su estreno un evento mundial.

El neoyorkino Stanley Kubrick fallecía en marzo de 1999 a los setenta años sin haber visto el estreno de “Ojos Bien Cerrados” (Eyes Wide Shut), su última gran película. Para algunos, nos dejaba con un sabor agridulce: lamentando los doce años de silencio que pasaron entre su último film y el anterior, Nacido para Matar (Full Metal Jacket, 1987) o los siete años entre éste y el anterior, “El Resplandor” (The Shining, 1980). En esos casi veinte años de misterioso estudio y silencio fílmico ¿qué otras películas dirigidas por Stanley Kubrick podríamos estar disfrutando hoy en día? ¿qué otras obras maestras podríamos sumar a una larga lista de CINE, escrito así, con mayúsculas?.

EL GATO DESAPARECE:

El director CARLOS SORIN,cambia de registro adentrandose en el terreno de la intriga en esta historia de locos maniacos y maniaticos con gato (mascota) incluido . Este último cobra un especial protagonismo en todo el metraje ya que es el hilo conductor de la historia, una historia con buena música, un guión pobre que no da para un largo sino para un corto,una pena porque la historia prometia y se queda en algo superficial ya que no aporta nada nuevo al género por culpa de una mala dirección. Aún asi se deja ver gracias sobre todo al gato que es el macguffin en la pelicula. Y a su final.

CISNE NEGRO:

Con una gran dirección, un montaje increíble y un guión hipnotizador, Darren Aronofsky regresa tras The Wrestler a lo grande. El director de Pi, cautiva con esta película que nos envuelve con su manto de suspense y no te despegas de la película en ningún momento. Se introduce de lleno en el mundo del ballet, un mundo competitivo y despiadado, de un manera increíble, haciendo un seguimiento perfecto de cada baile, y de cada personaje, de tal manera, que hace que te sientas observado como algún protagonista del film. Con cada movimiento de cámara, te hace creer que tú eres el bailarín, y que tú eres el que lo hace bien o el que se equivoca. La historia está muy bien desarrollada y plasmada en un guión que no pierde el ritmo en ningún momento y mantiene el suspense hasta el final. Con un tono macabro, todos los personajes están muy bien descritos y desarollados.

EL CINE NEGRO:

Uno de los géneros que más obras ha dado a la literatura cinematográfica es ‘le film noir’, como lo bautizaron los franceses. Raro es el año que no aparece algún tomo de tamaño enciclopédico tratando de explicar qué se entiende por cine negro, sus características básicas, actores, actrices y directores representativos, películas clave y legados culturales.

Sólo por esa capacidad para escapar de cualquier definición rígida, es un término fascinante; aunque seamos capaces de reconocer una obra de cine negro, puede que nos falten palabras para explicar por qué la reconocemos. Es casi un estado de ánimo. Pero hay autores que insisten en darnos su versión del tema, lo cual se agradece. Cuantos más puntos de vista, mejor. Y eso hizo el director e historiador de cine NOEL SIMSOLO,en: su libro PESADILLAS VERDADERAS Y FALSAS-(ALIANZA EDITORIAL.

ALTA TENSION:

Ópera prima del director que, posteriormente, se encargaría de dirigir el remake de "The hills have eyes" (Las colinas tienen ojos) que, como ocurre con la mayoría de las cosas, causó en su día (y causa hoy) una infinidad de sentimientos: a algunos, les parece una muy buena película, un buen debut de un director que muestra su gusto por la hemoglobina. Y a otros tantos, les causa indiferencia total. Este segundo grupo, tilda el debut de zafio, mísero y aburrido.d

El planteamiento de la historia es sencillo: Marie va a casa de los padres de una amiga suya de la universidad para estudiar para los examenes. La misma noche de su llegada, un asesino irrumpirá en la casa para acabar con todos ellos. Típico y tópico.

Con un inicio bastante brutal, Alexandre Aja tienta al espectador a unirse a su historia. El espectador llegará a sentir esa "Alta tensión" en cada fotograma y enseguida empatizará con Marie. Dicen que tiene imágenes fuertes, pero, hoy en día, se ha de recurrir a efectos de cualquier índole para llamar la atención de esos fanáticos que ven el metraje. Y lo logra, con creces.

BLITZ:

Blitz es una película que basa toda su fuerza en el personaje de Jason Statham como justiciero sin escrúpulos, al más puro estilo Harry Callahan (Harry el Sucio), Marion Cobretti (Cobra) o Paul Kersey (Charles Bronson en El justiciero de la ciudad y continuaciones).

Todo lo referente a chulería (porque sigue con inequívocas reminiscencias a Bruce Willis), dureza, sarcasmo y demás, está bastante logrado. Sin embargo, la investigación policial, los personajes secundarios y el suspense dejan mucho que desear, así como las secuencias de acción, casi inexistentes .

Por lo tanto, el filme deja un cierto sabor agridulce: muy bien cuando Statham se pone chulo, muy por debajo de sus posibilidades en el resto.

IN TIME:Ambientada en una sociedad futura en la que gracias a los avances científicos nadie tiene que envejecer. Pero para evitar la superpoblación, sólo pueden vivir los que pueden pagar por ello.

LA DEUDA:John Madden director de la multipremiada y sobrevalorada Shakespeare in Love y últimamente relegado a productos de segunda se puso a cargo de este remake de la película homónima israelí, un remake bastante fiel pero que consigue impregnar una nueva visión en esta cinta de espionaje con un gran aroma al viejo cine de espías y las novelas de Le Carré.

La cinta cuenta la historia de unos agentes del Mossat que en los sesenta tuvieron que capturar a un antiguo medico nazi, la misión se complicó, y hoy día (un hoy relativo, ya que la película se sitúa a finales de los noventa) verán como esa complicación que en su día surgió vuelve a despertarse para presentarles un fuerte dilema.Es inevitable sentir la sensación de que estamos viendo dos películas distintas en todo momento, cuesta demasiado ver la conexión entre ambas partes, y mientras una funciona sensacionalmente bien, la otra se acaba resintiendo por todos lados sin embargo la pelicula tiene buenos dialogos y un buen final por lo que se deja ver.

FRONTIERS:
Sinopsis: Las elecciones francesas se resuelven entre un partido conservador y otro de extrema derecha. Los suburbios han estallado en protestas y un grupo de jóvenes han decidido aprovechar el tumulto para perpetrar un robo. Un hostal aislado parece ser el refugio perfecto, pero sus problemas no han hecho más que empezar cuando descubran que sus propietarios son un grupo de degenerados neonazis.
Pues bien es esta una pelicula con un guion algo flojo ,pero no por ello es esto un lastre para que la pelicula se deje ver ,gracias sobre todo a la accion,montaje y escenas llenas de una brutal violencia .

Por todo ello no es que sea una obra maestra pero si muy interesante desde el punto artistico filmico.

CINE GORE:
El vocablo inglés "gore" significa en español "sangre". De ningún modo se puede definir mejor este género, en el que lo importante es mostrar el mayor número de mutilaciones, tripas y litros de sangre. Por supuesto, no siempre se limita a esto, y si bien muchas películas muestran la sangre como único reclamo, otras han usado el gore como vehículo de expresión artística, de crítica social, de elemento terrorífico, o incluso como elemento principal de las más hilarantes comedias. Para entender como se origina el gore, debemos remontarnos a mediados de los años 40 en los EEUU. Las grandes compañías cinematográficas habían formado lo que se conoce como el "Studio System", con el que controlaban todos los aspectos relacionados con el cine: producción, distribución y exhibición. Ni que decir tiene que sin la existencia del mercado del vídeo o la televisión por cable, no había sitio para ninguna producción independiente. En 1949, la Corte Suprema declara que los estudios están realizando prácticas monopólicas con este sistema, y les fuerza a renunciar al control de los cines.

Eso lleva a las compañías a cambiar su estrategia. Ahora debe competir para colocar sus películas en las salas, por lo que se centran en las grandes producciones, abandonando la producción de serie B. Este es en un principio el mercado que persiguen las producciones independientes. Lo facilita el reconocimiento de la libertad de expresión en las películas, que la misma Corte Suprema ratifica en 1952. Se dejan atrás fuertes censuras, lo cual es la punta de lanza del inicio de los nudies, films cuyo atractivo era la muestra de piel femenina, cuyo primer ejemplo fue The Immoral Mr. Teas (1959), dirigido por Russ Meyer, que recaudó la entonces sorprendente cifra de 1 millón de dólares. Cuando el género se satura, hay que buscar un nuevo reclamo. La pareja productor/director formada por David F. Friedman y Herschell Gordon Lewis lo encuentra en la sangre: crean Blood Feast en 1963, iniciando todo un género. Tras el éxito, la pareja no tarda en repetir la experiencia con 2000 Maníacos (1964) o Color Me Blood Red (1965).
Por supuesto, al igual que en los nudies, muchos otros se subieron al carro, entre los que destacan Andy Milligan -The Ghastly Ones (1968), Bloodthirsty Butchers (1970)- o Ted V. Mikels -the Astro Zombies (1967), the Corpse Grinders (1972)-. También al igual que los nudies, el gore (o splatter, como se prefiera) se agota, consumido por la saturación de títulos. Es el momento de una nueva generación, que toma el gore no como un fin sino como un medio, una herramienta que sirva al objetivo de sus films, ya sea el terror, la parodia o la crítica. Tal es el caso de George A. Romero y su film de 1968 la Noche de los Muertos Vivientes (donde el gore tiene una presencia más implícita), John Waters -Multiple Maniacs (1970); Cosa de Hembras (1974)-, o Tobe Hooper, quien firma en 1974 la Matanza de Texas. Otros incluían el gore dentro de sus mundos de ficción, como Russ Meyer en Supervixens.

CODIGO FUENTE:

Nada más empezar, vemos una panorámica aérea de Chicago y sus alrededores, todo ello envuelto en una especie de halo blanco, turbio, junto con una banda sonora intrigante, y parece que ese va a ser el tono y el ritmo de la película.

El protagonista aparece en un tren, sin saber quién es ni qué hace allí, es todo muy extraño. Conforme va desarrollándose la trama, te das cuenta de que vas a ver las mismas situaciones vez tras vez, lo cual resulta bastante cansino porque no tienen nada de imaginativo, son calcadas. El protagonista bien podría haber vuelto al tren 200 veces para atrapar uno por uno a los 200 pasajeros hasta haber encontrado lo que buscaba.

Es arriesgado realizar una película con viajes en el tiempo, y si además estos viajes son múltiples, entonces mucho más. Resulta complicado explicar en el tiempo que dura una cinta la física cuántica necesaria para comprender lo que esbozan (en mi caso necesitarían meses), y es por esto que se dedican a dar cuatro pinceladas que, en ocasiones, son ridículas e inútiles.

Y después de haber trenzado una historia cuasi plausible, y de haber creído (nosotros) lo que nos contaban, su fácil final nos vuelve a hacer dudar de todo lo anterior. A veces es mejor provocar a la imaginación del espectador dejando cabos sueltos que tratarle con condescendencia y rodarle un final sensiblero dificilmente creíble.

MOON:

Desgraciadamente el género de la ciencia ficción en el cine actual está viviendo sus horas más bajas sin embargo, "Moon", sin ser nada del otro mundo (y nunca mejor dicho), ha subido la nota media de éste genero caído como decía al principio en desgracia en los últimos tiempos. Pero a pesar de todo, dicha nota en mi modesta opinión sigue en suspenso.

Pareció que con la aparición de "Solaris" o "Pandorum", el género se iba a relanzar pero no ha sido así y habrá que seguir esperando que alguien con medios, ganas, y sobre todo mucha materia gris vuelva a poner a la ciencia ficción en el lugar que se merece.

Por todo ello "Moon" ha sido un soplo de aire fresco en el enrarecido ambiente que rodea al género. Aunque es justo hacer notar que a pesar de su similitud con otrora auténticas obras maestras del género como "Alien" o "Atmósfera Cero" por poner dos ejemplos más o menos recientes, e incluso un icono como "Blade Runner" dista mucho de llegar al nivel de éstas (para mi de sobresalientes e incluso alguna de ellas de matrícula de honor).

 NO SE LO DIGAS A NADIE:

Por fin a alguien se le ocurre adaptar a Harlan Coben, aunque al americano autor le hayan descubierto antes en Francia que en el país que le vio nacer. Creador de un puñado de novelas policíacas muy apreciables y monarca absoluto de los giros "de guión", el escritor era material de primera para el cine y la primera adaptación que conozco sale con un saldo más que positivo.

La película de Canet es una muy correcta traslación de la novela de Coben a la pantalla y además ofrece un thriller bien hecho y coherente que tira más de una trama pergeñada con inteligencia que en el truco o el golpe de efecto, ofreciendo lo que es algo muy raro en los thrillers actuales: clase.

Otro punto a favor es el hecho de que todo lo que sucede en la película, todos los personajes y acontecimientos forman parte de la trama principal, no sobra nada, ni hay escenas de relleno, son dos horas que se pasan volando gracias a esta economía narrativa que no permite que se cuele nada que pueda desengancharnos de lo que se nos cuenta.

EDEN LAKE:

James Watkins, director inglés del que se conoce poco más que su esperado guión para la secuela de Descent, es el responsable de una de las óperas primas más contudentes e impactantes que logro recordar.

Watkins demuestra ser un tipo listo, y para dar forma a su excelente carta de presentación como director adscrito al género, decide cruzar el canal de la mancha (vía Eurotúnel) y arrimarse a la nueva corriente del cine francés de terror (Alta Tensión –Haute Tension, 2003-, Frontière(s) 2007), con el que Eden Lake comparte, sin duda, muchos de sus argumentos, tanto estéticos como de fondo.Francamente estamos ante una gran película no acta para todos los publicos pero que sin duda no defrauda a los amantes del genero y que sin duda tiene un buen guión y buenas interpretaciones es muy recomendable.

CONFESSIONS:

Ganadora de los galardones a la mejor película, director y guión en los Premios de la Academia de Japón, y seleccionada por ésta para competir en la última edición de los Oscar en la categoría de Mejor Película Extranjera, "Confessions" no sólo ha sido aclamada por la crítica como una de las mejores películas del año, sino que también se ha convertido en uno de los títulos más sobresalientes en la taquilla nipona: cuatro semanas seguidas número uno y casi 50 millones de dólares recaudados.
Es sin duda una película compleja ,bella gracias a sus encuadres fotografía y a la banda sonora que la acompaña,aunque cargada de altas dosis de violencia sin las que la película perdería fuerza .

Contada de forma fragmentada y utilizando un montaje “Confessions” está envuelta en un preciosismo absoluto, con una fotografía en tonos azulados y grises, inicialmente bella en contraste con la frialdad que representa. Otros recursos tachados cómo “videocliperos” son, bajo mi punto de vista, absolutamente magníficos,acentuando de una manera inusualmente original el guión de esta historia de venganza absoluta llena de violencia ,pero no gratuita sino necesaria para que fluya con soltura el mensaje oculto de la misma.(una persona que quiere venganza guarda sus heridas abiertas)

Una película excepcional e intensa. El director danés Nicolas Winding Refn se basa en la novela de James Sallis para ofrecernos un producto del entretenimiento fascinante, alejado de cualquier tópico y convencionalismo. El filme se acerca tanto al noir como a la violencia ultramoderna, cuyo desarrollo va como la seda (como si de un coche se tratara). Comienza acelerando poco a poco para después pisar fuerte el acelerador y llegar a la recta final. La película en cierto modo es un homenaje al cine de los años 70 y 80, que conserva esa sombría ambientación de la ciudad de Los Ángeles que plasmó Martin Scorsese en ‘Taxi Driver’ con la ciudad de Nueva York.

Nicolas Winding Refn cuenta con un actor que parece estar de moda y con el que ha firmado para sus dos siguientes películas. Ryan Gosling está hipnótico. Un actor que se dejó ver en filmes como ‘Murder by Numbers’, ‘The Notebook’ o la más reciente ‘Blue Valentine’. El reparto lo componen la guapísima Carey Mulligan, Ron Perlman más conocido como ‘Hellboy’, Christina Hendricks y Bryan Cranston conocido por la serie ‘Malcolm in the Middle’.

‘Drive’ es una de esas películas que no puede dejar escapar por mucho que corra. Alcohol, luces de neón, velocidad a tope, violencia, chasquidos de navajas y rock and roll para un filme altamente recomendable.