EL TOPO

Como realizador, Alfredson tiene tacto. Especialmente con la cámara, instrumento que maneja de forma tan asombrosa que produce algo de rabia, por qué no decirlo. Sin ser guionista acostumbra a templar narrativas frías donde nada parece avanzar buscando que no te la puedas sacar de encima.

El topo,supone un nuevo cambio en el tono de su obra: empezó en la comedia, cambió al terror y en esta ocasión apuesta por un thriller visualmente poderoso.

Alfredson pone en cada plano toda su personalidad e inteligencia. Sabe cómo, cuándo y dónde poner la cámara y nos enseña a mirar con elegancia. La sofisticación visual funciona a la perfección gracias también a una excelente dirección de arte.

Lo cierto es que, pese a tenerlo todo para ser una gran película, la historia encandila por completo pese a contar con algunas secuencias del más puro cine negro. El intenso oscurantismo de la narrativa de John le Carré no es tan adaptable al cine como nos gustaría. El guión de la cinta se pierde convirtiendo pasillos interesantes en laberintos de imposible salida.

No se puede decir en absoluto que la cinta no sea entretenida. Sin embargo se hace bastante pesada en muchos momentos,  cuando más importa por aquello del enganche. Su complejidad la hace extremadamente distante y la empatía por el conflicto de los personajes queda lejos, muy lejos. Y duele decirlo, pero no hay quien se crea al bueno de Gary Oldman, que aquí patina en la mayoría de sus escenas.

La forma en que se resuelve la trama es igual o más compleja si cabe que todo lo visto con anterioridad. El resultado final es por tanto más efectista que efectivo. 'El Topo' aspira a demasiado, haciendo que el espectador entre en conflicto y se pregunte cómo es posible no haber entendido nada o casi nada,en una película tan bien hecha.
Lo mejor: el reparto y la puesta en escena.

Lo peor: la banda sonora que por momentos parece acompañar a otra pelicula .

MACHETE

2010

El producto final se queda bastante por debajo de lo que fue el trailer "fake" que precedió a "Planet Terror". La cámara es bastante irregular, y los altibajos en la historia hacen que pases de risa al aburrimiento.

Lejos queda "Machete" de lo que fue "Planet Terror", aunque ambas encajarían en un "Grindhouse", la del 2007 estaba bastante mejor planteada y llevada a cabo.

La interpretación de Danny Trejo en el que presupongo será el personaje por el que será mucho tiempo recordado está a la altura de lo que esperábamos, Lindsay Lohan está cuanto menos interesante y el personaje de Jeff Fahey es de los mejor planteados desarrollados e interpretados, no así el de Jessica Alba, co-protagonista.

Michelle Rodriguez calca su personaje de Resident Evil con el añadido del parche ocular en la segunda mitad de su papel, la descafeinada presencia de Tom Savini nos deja con más ganas de él, Steven Seagal puede llegar a dar vergüenza ajena en más de un plano, aunque cabría destacar lo impactante de dos escenas suyas y Elise y Electra Avellan, sobrinas de Rodriguez, no despiertan nuestra curiosidad tanto como en "Planet Terror", con la cual por lo visto es casi imposible dejar de compararla.

"Machete" es original, sin rebosar originalidad. "Machete" es entretenida sin ser inolvidable. Machete es buena sin llegar ser fantástica.

Lo mejor: un setenta por cien de la película, además de las interpretaciones de Trejo, Fahey y el personaje en sí de Lohan. Recupera, como era de esperar, los personajes de las enfermeras, lo que a pesar de no estar a la altura del precedente, se agradece.

Lo peor: . El personaje de Jessica Alba pudo haber sido perfeccionado bastante más. El argumento en sí es flojo y el desarrollo, a momentos, bastante irregular.

MUERTE ENTRE LAS FLORES

El cine de los Coen tiene algo de particular, sus películas jamás decaen, se mantienen constantes, vigorosas y tremendamente sólidas durante todo el metraje. Como olas que perpetuamente han de golpear contras las rocas para volver al mar y volver a golpearlas continuamente.
Nunca aparece una escena definitoria, efectista donde conseguir la atención del público. El ritmo y el sello de calidad de sus películas aparecen desde el primer minuto y en ningún momento pretenden causar mayor o menor efecto que el necesario para llevar el film a buen puerto. Eso que dicho así suena tan sencillo, es parte de la maestría incuestionable que tienen los Coen, ellos afirman sin embargo que solo son dos tipos que hacen su trabajo de manera competente.
Pero a pesar de sus intenciones, tiene el talento para además, sorprenderte y dejarte esperando más a cada escena. Haciendo de sus películas algo inolvidable
Es el cine de los Coen, el cine de las contradicciones, mantienen a lo largo de sus películas un ritmo lento y pausado pero energícamente violento, son películas secas y áridas pero llenas de humor ácido y negro. Son dramas violentos revestidos de una venda cómica crítica.
Sin llegar a la maestría de Fargo, Muerte entre las Flores, supone no sólo una excelente película sino uno de los ejemplos más interesantes a la hora de estudiar el cine noir moderno. Una película empapada de clasicismo con un guión avasallador, en la que cada frase es siempre acertada, con diálogos insuperables. Consiguiendo que una vez que veamos al hombre del sombrero jamás podamos olvidarnos de él.
Diálogos enmarcados en solemnes actuaciones, un ritmo candente de solidez y temple, y una cámara siempre en el lugar exacto... señoras y señores, esto es cine.

DARKNESS

Una película de terror que en su afán por mantenerte expectante termina perdiéndose por el camino. La primera hora es exasperantemente lenta, con momentos de tensión tramposos para mantener la intriga, pero donde la trama no avanza hacia ningún sitio y simplemente se limita a presentarnos el contexto .

Una vez has llegado a esa hora de metraje, sin haber pasado miedo alguno y tras varios bostezos de por medio parece que la película empezará a jugar sus cartas, pero todo se queda en un pequeño farol que conduce a un giro que resulta tan tramposo como a la vez previsible y poco sorprendente que para postre termina desembocando en un final precipitado y casi fulgurante donde te das cuenta que la película no ha aprovechado en ningún momento su mejor baza .

Si a todo esto le unes que la puesta en escena es tremendamente irregular, con los momentos menores y secundarios bastante conseguidos, pero que en los momentos clave y donde la cámara debería ser firme el director opta por un montón de efectos mareantes que lo único que consiguen es distraerte, terminas dándote cuenta que has pasado hora y media ante una película que no te ha contado casi nada, con la que no has pasado miedo, en la que los personajes te han resultado distantes y cuya historia, o al menos planteamiento, ha sido tremendamente desaprovechada.

En definitiva, una película de terror que promete más de lo que nunca te llega a dar, una película que pretende ofrecer un argumento de calidad que de pie al terror psicológico, pero que en ningún momento llega a producir esta sensación. Una película que por momentos te hace pensar que el cine de sustos y terror adolescente quizá no esté tan mal, al menos en esos productos sabes lo que te vas a encontrar y no te van a defraudar aunque su calidad sea pésima.

LA CASA DEL DIABLO

"The House of the Devil" casi podría pasar por una película ochentera auténtica, ya que apenas hay nada que delate que no fue rodada en esa década,gracias a una muy buena puesta en escena y ambientación.

Uno de los grandes aciertos de esta película de género es su narración de estilo clásico, aquí no hay sustos repentinos y con el volumen a tope, ni impactantes secuencias de inicio, ni secuencias de acción rebosantes de adrenalina,  ni montaje videoclipero, no... en "The House of the Devil" lo que tenemos es una narración pausada, un ritmo que muchos considerarían lento, un suspense que se va construyendo pacientemente, dando como resultado un considerable nivel de desasosiego en el espectador.

En definitiva, esta película rescata del olvido un tipo de narración que creíamos extinguido, y ya sólo por eso merece la pena no sólo verla sino, entender que es una manera distinta de ir creando una atmosfera de terror autentica,apoyada esta en una buena fotografia y buenos planos.

Una última cosa... decía que "apenas" hay nada en esta película que delate que no es una auténtica película rodada en los años ochenta porque, hacia el final de su metraje (y en una resolución más precipitada de lo que hubiera sido deseable) la película cae en ciertos "errores" o convenciones visuales y de ritmo ya más propias del cine de los 90 y del de nuestros días... dilapidando así el magnífico logro estético, rítmico y atmosférico que había conseguido hasta ese momento.

Y es que quizá es esa precipitación en el final lo único que empaña un poco la que podría haber sido la película de género revelación de la temporada.

Muy recomendable para nostálgicos del terror .

EL SINDROME, E

El síndrome E, la nueva novela del escritor francés Franck Thilliez, que nuevamente se ha propuesto mantener a los lectores atrapados hasta la última página.
En la vida de la teniente de la policía de Lille, Lucie Hennebelle, el verano transcurre con tranquilidad hasta que sucede un hecho sumamente peculiar: un ex amante suyo acaba de perder la vista mientras visionaba un cortometraje que acababa de comprar al hijo de un coleccionista que ha fallecido poco tiempo atrás. Se trata de una película muda, anónima, con un toque nocivo, diabólico y misterioso.
A trescientos kilómetros de distancia, los jefes del comisario Franck Sharko, de la policía criminal, lo presionan hasta que éste accede a volver al servicio luego de haber dejado el departamento. Se han encontrado cinco cadáveres enterrados bajo dos metros de tierra y no es posible identificarlos debido al terrible estado en el que han sido hallados: su cabeza está abierta, sin cerebro, ni dientes, ni ojos. También las manos les fueron cortadas. Junto con el descubrimiento que Lucie hace de los espantos que esconde la cinta, una enigmática llamada la advierte sobre la vinculación entre esa película y el hallazgo de los cinco cuerpos. Por eso, Lucie y Sharko, en apariencia dos seres diametralmente opuestos, tal vez por eso destinados a encontrarse, deben comenzar a trabajar juntos en este macabro caso que los ha unido.

El autor es Franck Thilliez, quien combina con la literatura su trabajo como Ingeniero Informático. Sus novelas, en las que muestra gran preocupación por problemáticas de la sociedad contemporánea, pertenecen a los géneros de terror y policial, y suelen estar pobladas por criminales de mentes enfermizas.

ZODIAC

Extraño y obsesivo film de David Fincher. Un director inclasificable, con un talento natural, un director en continuo movimiento, no se estanca, no se ancla, no espera. Actúa y madura a cada película que realiza.

Zodiac es un thriller que técnicamente no es un thriller, es un drama que técnicamente no es un drama. Es el seguimiento, meticuloso y calculado de una serie de asesinatos sin resolver. Un puzzle en el que hay muchas piezas y pocas encajan. Fechas, cartas, notas, dibujos, sospechosos, pruebas, cadáveres. Periodistas y policías y una sociedad asustada y a la deriva. Todo ese largo proceso, todo ese largo y escabroso camino de búsqueda es lo que obsesiona a Fincher. Que construye un enorme laberinto plagado de datos. Huye de los clichés, de los tiros y las explosiones sin sentido. Crea una película extraña, por momentos fría y lejana, pero capaz de exprimir un potente y dramático suspense.

Zodiac es una buena película, no es perfecta y no es fácil de seguir, en algunos momentos es fácil desconectar, pero hay algo en ella que te impide dejar de mirarla. Esos personajes (memorables Downey Jr, Ruffalo y Gyllenhaal) perdedores y frustrados. Uno nadando en alcohol, otro perdido en la investigación y el último con una enfermiza obsesión. Esa ambientación, esa sensación de que todo puede ir a peor, esa sensación de frustración, esa extraña sensación de perseguir las respuestas sin conocer las preguntas.

En Zodiac prima el miedo, la obsesión, la construcción y la búsqueda de la resolución de un problema complejo bajo una atmósfera opresiva. Una obra arriesgada, diferente, densa y notable.

EL HOMBRE DE MACKINTOSH

Es sin duda, una historia clásica de espionaje pero con un estilo muy personal de la epoca y con un montaje francamente bueno,y escenas memorables .

La absorbente trama discurre entre prisioneros políticos, traidores y agentes dobles, a caballo entre Reino Unido y Malta, en la mejor tradición de la serie Bond. Paul Newman es el susodicho hombre de MacKintosh, un personaje que, ciertamente, en lugar de un hombre, parece una navaja suiza, de recursos prácticamente ilimitados. Siguiendo un poco más con las similitudes entre nuestro protagonista y el famoso agente 007, Newman interpreta un papel hecho a su medida: cínico, mujeriego y desencantado, casi da la sensación de realizar su labor a regañadientes, como si ajustara una vieja cuenta con su amigo MacKintosh. Por otra parte, su excelente forma física y particular ingenio le hacen salir  indemne de una serie de situaciones, no por emocionantes, menos peligrosas. Dato curioso, y que nos ofrece una muestra del gran talento de Newman, se encuentra en que esta cinta data de 1973, el mismo año de "El golpe", en la cuál, por increíble que resulte, parece mucho más viejo.

Otro detalle interesante aparece en el guión, obra de Walter Hill, todo un especialista en cine de suspense y acción ("La huída", "Límite 48 horas", "Aliens"…). No en vano, Huston entrega un trepidante thriller, que mantiene el interés en todo momento y en el que nada sobra. El final, demasiado acelerado para mi gusto, constituye quizá su principal punto débil, pero el buen hacer de los actores (tanto James Mason como la muy guapa Dominique Sanda están estupendos) y la renuncia a la historia de amor, lo compensan bastante bien.

Como último apunte, destacar que la película contiene una de las mejores persecuciones automovilísticas, con emoción y originalidad a partes iguales, que he visto en mucho tiempo. Resumiendo, una obra deliberadamente menor, pero de una calidad que hoy en día es dificil de superar.

LA CHAQUETA METALICA

Tras siete años de sequía creativa Stanley Kubrick nos deleitó con una nueva incuersión al género bélico tras "Fear and desire" ( 1953 ) y "Paths of glory" ( 1957), pero esta vez huía de los lodazales de las dos guerras mundiales para meternos en el tropical clima de Vietnam. El rodaje de la película fue muy largo, así como el montaje por lo que casi coincidión con otra obra maestra, "Platoon" de Oliver Stone. Un año despúes de estrenarse el film de Stone lo hizo el de Kubrick: "Full metal jacket" de 1987.

La película muestra las peripecias de un marine ( Mathew Modine) , el recluta "Bufón" desde su estancia en el campo de entrenamiento en los USA hasta su entrada en combate en Vietnam. Esta obra está dividida claramente en dos partes, la primera tiene lugar en el campo de reclutas y bajo mi punto de vista es la mejor del film, la segunda tiene lugar en el propio Vietnam, entre las ruinas causadas por los bombardeo de la ofensiva del Teth de 1968.

La primera secuencia plasma como todo rasgo de individualidad es borrado por la institución militar rapando a los reclutas al cero. El campo será un infierno para muchos, especialmente para un recluta gordinflón que será bautizado por el sargento instructor como "recluta patoso". Los improperios e insultos que el sargento vomita son una obra de arte, especialmente tenienedo en cuanta que el actor no tuvo que memorizárselos ya que le salían espontáneamente. Vemos como los nuevos marines son tratados como perros de manera que el sargento de "Oficial y caballero" parece una monjita de la caridad. La presión a la que son sometidos estos hombres resulta excelente para que éstos aprendan a acatar órdenes sin cuestionárselas y que se diluyan con el grupo, con la milicia dando como resultado un grupo homogéneo casi descerebrado.

El film tiene secuencias memorables, como aquella en la que el coronel se indigna con bufón al verle con una chapa pacifista al tiempo que en su casco luce "Born to kill" o cuando los soldados supervivientes de un combate observan a sus compañeros caídos y realizan sarcásticos comentarios. Los encuadres y la fotografía están llenos de belleza ( típico de Kubrick) realzados por un montaje perfecto. La BSO es excelente, combinando temas compuestos expresamente con canciones de la época como la de Nancy Sinatra o el Paint in Black de los Rolling.

LOS SIN NOMBRE

TRAILER

De vez en cuando Julio Fernández, el rey midas del cine español, tiene buen ojo para encontrar valores con mucho, muchísimo futuro y talento, como es el director de este film.
Gran parte del mérito de esta buena película corre a cargo de Jaume Balagueró, qué dirige con valentía, fuerza y mucho pulso. El uso de los recursos fílmicos, de la cámara, del sonido, revela una mirada turbadora, bien acompañada por la música del compositor catalán Carles Cases.
Emma Vilarasau está increíble, de principio a fin, bien acompañada por Karra Elejalde. En cambio Tristán está vacío, tal vez como su personaje, algo desangelado en una trama muy bien trabajada, y dosificada como mandan los cánones del género. Por cierto, Carlos Lasarte en el papel de Santini da verdadera grima.
Y al final, la síntesis...
Después de ver "Alicia" y "Días sin luz" los dos anteriores cortos del director, no se podía esperar menos del primer largometraje del señor Balagueró. Resbaló con OT: La película (un encargo para un sector del público muy determinado y que para colmo fue un fracaso), y se resarció con Darkness, de nuevo con Julio Fernández, esta vez para la Fantastic Factory (algo de calidad en la productora para variar).

ATTACK THE BLOCK

Attack the Block, que cuenta con un metraje que hace justicia a lo que propone, posee un ritmo frenético y enérgico que atrapa tu atención desde sus primeras imágenes. Además, lo que cuenta, lo hace con un humor hilarante y con sumo sentido del espectáculo. La propuesta que jamás desfallece, se regodea de su formula inquebrantable de secuencias perfectas que exprimen hasta sus últimas consecuencias los astutos efectos visuales y la ingeniosa estética visual de Cornish. Esta solazada formula, capta la franqueza elocuente del lenguaje de sus personajes, que logra un mayor auge, cuando son arrojados en peligro de muerte. Attack the Block, que representa un enorme entretenimiento sostenido con calidad cinematográfica, aborda con creces toda la suntuosidad y la excelsitud del género, pero, sin resultar engañoso y tramposo. Pese a que la trama involucra una aventura juvenil, la caracterización del mundo en que vivimos es inminente, y las escenas sangrientas, el lenguaje explicito y el caos periódico, es dominante en la cinta. El excelente elenco actoral, de roles disfuncionales, enriquecen la formulan y aumentan la simpatía del filme; introducido interesantemente por la jugosa banda sonora de temas hip hop y turntablism de Steve Price, Felix Buxton y Basement Jaxx.

Attack the Block, es ingeniosa y deslumbrante gracias a su apatía por repetir los patrones genero, gracias a su poca o nula inspiración de obras de culto de la ciencia-ficción, gracias a su frenética tensión narrativa, a su brillante dirección, y a todo el conjunto de ingredientes que juega arquetípicamente en pro del genero y de la diversión. Un claro ejemplo de que no se necesita de un gran presupuesto y un gran estudio cinematográfico para hacer una buena y divertida película de ciencia ficción. Un apremiante colectivo entre el cine británico tradicional de corte realista y social, y el cine fantástico independiente.

LA ÚLTIMA CASA A LA IZQUIERDA

Los remakes ya son todo un subgénero dentro del panorama cinematográfico actual, por si alguien todavía no se había dado cuenta. Yo no voy a cuestionar si los remakes si o remakes no, a mi como a muchos me gustan algunos y creo innecesarios bastantes. El caso de LA ULTIMA CASA A LA IZQUIERDA 2009 le voy a definir como uno de esos remakes innecesarios que acaban convirtiéndose en toda una sorpresa, y es que el film de DENNIS ILIADIS me ha sorprendido, no solo por mejorar el original (que por mucho clásico de mi amado WES CRAVEN que fuera, era fácil mejorarle), si no porque aun siendo muy parecido al original, llama mucho la atención la propia personalidad que desprende el film, eso es gracias a la labor de su director y de su equipo técnico y artístico. DENNIS ILIADIS nos propone una reflexión coherente de lo que están dispuesto a hacer unas personas cuando los acontecimientos se precipitan y hay que tomar decisiones vitales, hay es donde el film de ILIADIS se aleja del de CRAVEN, que era una reflexión en ciertos momentos bastante incoherente de la venganza familiar de unos padres a los asesinos y torturadores de su hija. La nueva versión podría verse como lo mismo pero no lo es, aquí no hay venganza (hasta al menos los últimos 2 minutos de metraje) y si hay una serie de casualidades y devenires que acaban dándonos lo que estábamos buscando. Con una fotografía muy adecuada y cuidada y un planteamiento de secuencias mas tenso que rítmico hacen de LA ULTIMA CASA A LA IZQUIERDA 2009 un remake bien renovado y que supera las tan odiosas comparaciones. DENNIS ILIADIS construye su film potenciando el suspense pero sin olvidar la carnaza propia de esta clase de películas, por lo que mata dos pájaros de un tiro, eso si, ILIADIS peca en ciertos momentos con tanto suspense, el ritmo sube y baja pero no de forma compensada, resintiendo el metraje final. En el apartado artístico hay que destacar que tanto actores como actrices, están geniales en sus respectivos papeles y eso es de agradecer. LA ULTIMA CASA A LA IZQUIERDA 2009 es ligeramente mas descafeinada y menos malsana, pero por eso no menos efectiva y digna, aportando coherencia y buenas interpretaciones que es justo de lo que carecía el clásico de los años 70.

Trailer de El caballero oscuro: La leyenda renace

Con su estreno norteamericano previsto para el 20 de julio de 2012 (menudo año de estrenos nos espera) no podemos hacer otra cosa que tomar asiento y disfrutar con las secuencias que nos ofrecen.

LA MASACRE DE TOWN CREEK

2009

La historia nos sitúa al principio en 1936, donde un profesor nazi se presenta ante una familia de granjeros para realizar en la finca algunos ensayos científicos para el Tercer Reich. Esas personas nunca se imaginaron que ellos serían los conejillos de indias de esas solapadas y macabras experimentaciones.
El filme posteriormente se desarrolla ya en la actualidad donde algunos personajes deben seguir combatiendo con los malignos resultados de aquellas experimentaciones que se llevaron a cabo en esa granja de Maryland.

La cinta tiene una premisa llamativa desde el argumento, ya que sus ingredientes son el nazismo, inmortalidad, magia negra, monstruos, escenarios agrestes aislados, y personajes encerrados en una casona a merced de un villano dotado de poderes sobrenaturales para revivir a los seres que se le antoje.

Pero claro, el tener un cineasta con experiencia detrás de las cámaras y que la historia sea atractiva en los papeles previos no garantiza que surja una opción exitosa. Y así ocurre, el filme empieza a pegotear conceptos al voleo y el resultado es un producto un tanto enrevesado, muy plano en el desarrollo de los personajes, con algunas vicisitudes bastante ilógicas que atentan contra el sentido común.

Hay que reconocer que la película tiene algunos ratos logrados, donde inclusive se utilizan dignos efectos especiales para dar vida a las fuerzas demoníacas . También hay algunos pasajes sangrientos, pero en general el filme no funciona como debería ya que las situaciones se presentan de  forma poco clara.

TROPA DE ELITE

Interesante film que muestra sin rodeos cómo la policía brasileña es una de las policías más violentas y corruptas del mundo y cómo los grupos de narcotraficantes ejercen un poder casi paralelo al estatal.
El fenómeno de la delincuencia organizada de las favelas y del combate del mismo mediante una policía al margen de la policía forma parte de la cultura de aquel país, ya acostumbrada a las noticias diarias de crímenes, asaltos, ejecuciones en una espiral que parece no tener fin. En ese sentido, el mensaje oculto que transmite el film es un tanto desalentador: no hay estado de derecho, ni poder legislativo ni sistema judiciario capaz de afrontar la delincuencia por lo que es mejor encomendarse a un grupo policial que, siguiendo las mejores tradiciones al uso en este tipo de formaciones, primero dispara y luego pregunta.

En esa tesitura, la justificación de la violencia es casi automática. No parece que exista otra forma de combatir el crimen más que con el crimen. No hay termino medio ni posibilidad de medias tintas. O se está a un lado o se está al otro.

A destacar una banda sonora contundente, muy pegadiza y que complementa muy correctamente la estética de "video-clip" o de comic que algunas imágenes presentan.

AMERICAN HORROR STORY (SERIE)

El matrimonio formado por el psiquiatra Ben (Dylan McDermott) y Vivien (Connie Britton), se trasladan con la hija adolescente de ambos, Violet (Taissa Farmiga) a una nueva casa, con la esperanza de reiniciar su vida luego de varios infortunios familiares, entre ellos el alumbramiento de un hijo muerto por parte de Vivien y una infidelidad de Ben. Han adquirido su nuevo hogar a precio muy barato, por haber sido escenario de varios crímenes. Pero no tardan en sucederse visiones misteriosas (por ejemplo, la de un hombre enfundado en un traje de látex para uso en sexo sadomasoquista, traje que al instalarse la familia habían encontrado en la casa y arrojado a la basura) y visitas no deseadas ni invitadas y que entran y salen de ella como si fuera suya, entre ellas una niña con síndrome de Down, Adelaide o "Addy" (Jamie Brewer), la madre de ésta, la desagradable Constance (Jessica Lange) y el adolescente Tate Langdon (Evan Peters), un paciente de Ben cuyas recurrentes fantasías homicidas inquietan sobremanera al especialista, sobre todo cuando éste se entera de que el muchacho ha iniciado cierta relación con Violet. Una misteriosa ama de llaves, Moira (Frances Conroy) espesa el misterio: cuando Vivien la contrata, asegura haber servido a todos los dueños anteriores de la casa, y por otra parte Vivien la ve como una mujer de cierta edad, mientras que observada por Ben parece joven y sensual. A todos ellos se suma un anterior propietario de la vivienda, Chad (Zachary Quinto), alguna vez procesado y encarcelado por asesinar a su familia en la casa en cuestión, y ahora liberado por padecer una enfermedad terminal. Chad merodea la casa e insiste a Ben en que debe abandonarla de inmediato, o sufrirá un desastre de índole sobrenatural (él asegura haber oído "voces" ordenándole cometer los asesinatos).

Prometheus [Official Trailer] 1080p

El cineasta Ridley Scott dirige prometheus, película de ciencia ficción que marca su regreso al género. Ahora podemos ver nuevas imágenes de la esperada película. Algunas de ellas ya fueron difundidas en baja calidad, pero ahora ya se aprecian los ricos detalles del nuevo universo que Scott pondrá en las pantallas de todo el mundo desde la próxima temporada.
El argumento de Prometheus nos habla de un grupo de científicos atrapados en un planeta lejano. En el cual descubren una serie de importantes claves en lo que al origen de la humanidad se refiere. “La metáfora principal de Prometheus, es sobre un ser superior, que desafía a los dioses que no quieren darle su fuego. El fuego es nuestra primera forma de tecnología, y sus actos le provocan desgraciados castigos para toda la eternidad”

STAKE LAND

2010

“Stake Land”, nos sitúa en el territorio americano en un tiempo futuro indeterminado donde una plaga ha arrasado todo a su paso, dejando un devastado panorama post-apocalíptico y transformado a la mayoría de los seres humanos en una criaturas sedientas de sangre, vampiros.
En este ambiente conoceremos a un huérfano, Connor Paolo, y un cazador de vampiros, Nick Damici, que lo salva de un funesto final y lo hace su pupilo y acompañante en un viaje hacia el norte, en pos de la supervivencia, atravesando mil peligros, en busca de una tierra ajena a la enfermedad.

Uno de los puntos más interesantes del film es la recuperación de unos vampiros salvajes, primigenios en algunos casos, desarrollados en otros, diversificados y jerarquizados, más cercanos a los vistos en “30 días de oscuridad” que a los edulcorados inmortales de “Crepúsculo”. Varias de las secuencias de ataques de las criaturas, y la interacción con ellas, componen las partes más vistosas e interesantes de la película

En cuanto a su reparto, valoro las interpretaciones como bastante insulsas, carentes de pasión y de difícil empatía con la audiencia. Nada remarcable a este respecto, quizás en todo caso la recuperación de Kelly McGillis (Top Gun), que aporta una de las escasas dosis de emoción que detectaremos en pantalla.

Un factor discutido de la película es su ambientación musical, a cargo de Jeff Grace, pausada, tranquila, melancólica.

Con lo que, analizándola globalmente, resulta “Stake Land” un film irregular, y aunque su guión nos hable con bastante corrección de temas de interés como la lucha, esperanza, fanatismo, corrupción… sus vacíos narrativos, sus espacios insulsos, una cierta sensación de “ya visto en otras propuestas cinematográficas” y la falta de profundidad en muchos de sus personajes no terminan de redondear el producto.

LA VIDA DE DAVID GALE.

Tras varios años dedicado a films eminentemente musicales, el realizador Alan Parker volvía un poco a los inicios con un film "denuncia", al estilo de "Arde Mississippi" o "El expreso de medianoche". En esta ocasión es la pena de muerte el tema a tocar. Para ello se vale de la historia (totalmente inventada y cualquier parecido con la realidad es mera coincidencia) de David Gale (Kevin Spacey), un profesor a quien las circunstancias le han llevado al corredor de la muerte, acusado de asesinar a Constance Hallaway (Laura Linney) una activista que lucha para abolir la pena de muerte.

De hecho, vamos conociendo toda la historia a través de las propias palabras de Gale mientras se lo cuenta a la periodista Elizabeth Bloom (Kate Winslet), y que vamos observando a través de varios "flashbacks", perfectamente planificados por el director, el cual siempre ha cuidado la estética en sus films. Sin embargo, lo que parece empezar como un alegato en contra de la pena de muerte, va derivando, a medida que avanzan las dos horas de metraje en un "thriller" de suspense en el que la periodista, intentará, contra-reloj demostrar la inocencia del acusado.

Y es esto mismo lo que precisamente lastra un film que iba por un buen camino. Evidentemente el director, con los flashbacks, va desviando la atención del espectador sobre el verdadero tema de fondo, y comienza a preocuparse más por si el acusado es inocente o culpable, utilizando una puesta en escena truculenta, en la que el punto de vista acaba engañando al espectador para reservarse alguna que otra sorpresa final. Y ello a pesar de las excelentes y convincentes interpretaciones de los tres principales protagonistas, en los que que por encima de Spacey y Winslet, destacaría el papel de Laura Linney una estupenda actriz nunca lo suficientemente valorada.

Se trata, sin duda, de un film serio, y de una calidad que lo colocan por encima de muchas otras producciones del estilo. Sin embargo, su último tramo final me parece excesivamente largo ,pero es sin duda de esas peliculas necesarias.

A QUEMARROPA

Basada en la novela "The Hunter" del escritor y novelista norteamericano Donald E. Westlake quien la escribió bajo el pseudónimo de Richard Stark, la película, todo un exponente del cine de calidad es una firme heredera del film noir y la novelle vague francesa con algunos de los toques más característicos que marcaron el importante movimiento cinematográfico francés, a saber; escenarios fuertemente iluminados con colores vívidos, fuerte componente de tensión psicológica, complicados flash-backs narrativos, súbitos cambios de ritmo y eficaces efectos sonoros a parte de las aportaciones del propio Boorman.

Con una estética lejanamente similar a las primeras entregas de la saga de James Bond y una más que evidente similar estética al "Código del hampa" de Don Siegel a parte de su misma pareja de protagonistas 3 años antes (Lee Marvin y Angie Dickinson), la película ha sido considerada por la crítica especializada como una nueva revisitación del cine azabache bautizando el género como neo-noir...

Lo cierto es que "A quemarropa (ó Point Blank)" es un thriller urbano de violencia sobre una nueva versión deconstructora del mundo del hampa o crimen organizado...iconográfica...poderosa...elegante y con mucho carisma.

En 1999 Brian Helgeland el cineasta de "Destino de caballero" debutó en las lides cinematográficas con un remake de este clásico rebautizado como "Payback" y con Mel Gibson haciendo de Lee Marvin.

CIUDADANO EJEMPLAR

El argumento, de entrada parece partir del manido tópico del ciudadano americano que se toma la justicia por su mano. Y en efecto, ese es el planteamiento. Pero la similitud acaba ahí. En realidad, estamos ante un guión cuidadísimo, que ilustra una venganza, sí, pero a una escala enorme, con un nivel de planificación y de crueldad que te engancha a la butaca.
Bien interpretada, con un ritmo perfecto, que no cae en el tedio ni un instante, rápida y brutal. Un torbellino que se ve conteniendo la respiración.
El final da para discutir sobre lo correcto o no de lo sucedido, la moralidad de los personajes...No es solo un thriller de acción, da para la reflexión social y el cinefórum. Hay que verla atento a las actitudes, a los personajes -que sin ser especialmente complejo, no son los estereotipos del cine policial- y a las motivaciones de cada acción. De unos y de otros.
Divertida, feroz y rápida,en definitiva distinta una de las pocas dentro del panorama actual.

EL AMANECER DE LOS MUERTOS

2004

Este película ya muestra de por sí el empeño y ganas de un director que rechazó el proyecto de "S.W.A.T" ante el temor que la MPAA la calificara "R". Y se excusó para trabajar en revisar una secuela, "Zombie" de George A. Romero. Pero más pesimista y no ausente de diálogos desternillantes heredados del cine de acción.

Su comienzo es prometedor y la historia, aunque va decayendo en un simple relato de supervivencia ante tanta invasión de muertos contagiados de vida, pone a prueba la paciencia de ciertos sectores estadounidenses ante el alarmismo creado después de los atentados del 11 de septiembre. A excepción del agente de policia (Ving Rhames), el resto de los supervivientes son herederos directos de ese clima de inseguridad; la enfermera Ana (Sarah Polley), el fracasado y chupatintas Michael (Jake Weber), el vividor Steve (Ty Burrell) o la pareja formada por Andre (Mekhi Phifer) y su prometida embarazada Luda (Inna Korobkina). De la noche a la mañana se convierten en seres despiadados dispuestos a vaciar munición con tal de protegerse (para hacernos a la idea de lo que son capazes de hacer la mayoría de americanos con un arma). Tampoco les faltan otras provisiones en su universo Carrefour; comen, duermen, se beben los tanques de refrescos, o juegan en la azotea con el kit de golf de la sección de deportes mientras el "Don´t Worry Be Happy" de Bobby McFerrin en versión jazz de cóctel suena a través del hilo musical.

Snyder ha reversionado épicamente lo que ya era un filme épico dentro del terror. Pero en el "Zombie" de George A. Romero los muertos no corrían como aquí bien sucede y los protagonistas son partícipes cada minuto, lo que le está pasando en el mundo. En el film de 1978 George A. Romero ya nos lo ponía en bandeja de principio a fin.

UN PROFETA

UN PROFETA

TRAILER

Es increíble ver cómo Jacques Audiard ha retratado tan bien todo lo que existe en una prisión como es en este caso, de Francia, en la que nuestro protagonista conoce a todo tipo de individuos como capos de la mafia, traficantes de droga y musulmanes, entre otros. El Djebena deberá sobrevivir en un sitio desconocido gobernado por “Los Corsos”.

La manera con la que se nos van describiendo los hechos es perfecta. El espectador nota, al igual que El Djebena que el tiempo se ralentiza dentro de la prisión. Vemos sus temores y sus preocupaciones. Sabemos cuando las cosas van bien y cuando van mal pero no sabemos cómo acabarán, y esto es lo bueno que tiene Un Profeta, que te mantiene en vilo todo el rato.

Queda más que demostrado que para hacer una buena película no hace falta abusar de talonario para contratar a mega estrellas existiendo actores por explotar y exprimir como Tahar Rahim, que da vida al protagonista de la historia, un chaval musulmán analfabeto y sin futuro del cual no se espera gran cosa. Reda Kateb realizará el papel de Jordi “El Gitano”, uno de los principales contactos que El Djebena conocerá en la prisión y con el que mantendrá algún que otro negocio. El jefe y el que mueve todo el cotarro en la prisión es César Luciani, una de las máximas autoridades de “Los Corsos” y que pese a ser un preso gozará de todos los privilegios que quiere. Por último, en cuanto al reparto destacar la solida actuación de Adel Bencherif encarnando a Ryad, amigo íntimo de El Djebena, con el que mantendrá un importante vínculo.


Un drama conmovedor y sólido de los que hace años que no se ven, donde la soledad predomina en no pocas ocasiones. Sobrevivir es la pieza clave de esta película, donde predomina el dicho de “o matas o te matan”. Ver cómo el protagonista tendrá que labrarse un futuro dentro de la prisión es parte fundamental de la película, en la que la historia irá acompañada de una envolvente e inquietante atmósfera que se respira tanto dentro como fuera de las paredes del presidio, llegando a ser sentida por el espectador.

BLADE RUNNER

La película de ciencia ficción por excelencia, una de mis TOP 10. Pese a ser una de las numerosas películas futuristas en las que se pintaban las primeras décadas del siglo XXI como una sociedad súper avanzada, fallando exageradamente en la predicción -como “2001, una odisea del espacio” de Kubrik, “Fahrenheit 451” de François Truffaut, el cortometraje “La Jetee” de Chris Marker, incluso “Regreso al Futuro II” de Robert Zemeckis-, este film plasma perfectamente el dilema por antonomasia del género: ¿Son realmente personas los robots? Aunque esto suene a fantasía es aplicado, como en numerosas obras del género, como una metáfora al propio ser humano y a su relación con su creador. Por mi parte cabe decir que cada uno de los diálogos del guión son pura filosofía, aspecto que aprecio indudablemente en este tipo de películas.

Cabe destacar varios aspectos. El primero es el magnífico papel secundario de Ruther Hauer como replicant, cargando con gran parte del peso emocional de la película, con una magnífica y legendaria escena final. El segundo es la ambientación angustiosa y contaminada que rodea la ciudad, muy conseguida, dando la sensación de agobio y pesadumbre propicia para una historia así. Y en tercer lugar, lo más destacado, la banda sonora compuesta por Vangelis, una de las mejores del cine.

Como comentario final, decir que esta película es una obra maestra del genero, ya que continua teniendo la misma frescura moderna desde su estreno y es que se adelanto a sus predecesoras.

PROTOCOLO FANTASMA

"Protocolo Fantasma" es una película de acción y de espías en toda regla. Veremos escenas que, si no desconectamos, nos parecerá una locura y una gilipollez (con permiso), pero estamos viendo una película donde lo imposible es posible. Gadgets dignos del siglo XXII que nos dejan con la boca abierta y que hacen que ser espía parezca hasta fácil (no siempre, claro).

Con gran pesar (¿cómo ha podido salir del equipo Ving Rhames, el gran Ving Rhames?), he de reconocer que el nuevo equipo es muy sólido. Simon Pegg sabe poner el toque de humor y aliviar un poco la tensión, Jeremy Renner intenta complementar a Tom Cruise, aunque siempre queda a la sombra, y Paula Patton no sólo pone su belleza despampanante (¡ese vestido azul!) sino su maestría en el arte de seducir y luchar. La única pega es que el malo no podía ser más tópico y, peor aún, más soso.

Sin olvidarme, por supuesto, de Tom Cruise. No es el mejor actor del mundo, pero pocos le ponen tantas  ganas  como él y pocos podrían ser Ethan Hunt mejor que él. Mis felicitaciones al Sr. Cruise por mantenerse como una flor con su edad y seguir haciéndonos vibrar con más misiones imposibles.

Brad Bird ha conseguido crear una película sólida, con un guión contundente y consistente y no hacer que miremos el reloj en las poco más de dos horas que dura su primera obra con actores de verdad. La película va fluyendo ella sola para llegar a un final que todos esperamos: más misiones imposibles para el bueno de Ethan Hunt.

CRASH

-“Es la sensación de contacto, en cualquier ciudad por donde caminas, ¿Comprendes?, pasas muy cerca de la gente y ésta tropieza contigo. En Los Ángeles nadie te toca, estamos siempre tras este metal y cristal…”.

Este es el pequeño prólogo, narrado por el personaje de Don Cheadle, que abre este excelente filme. Se trata de la primera película de Paul Haggis como director tras su majestuoso guión(nominado al Oscar) de Million dollar baby de Clint Eastwood.

Su lado negativo, como bien se ha comentado aquí, es el deja vú que provoca en la forma de narración. Pero solo en forma, pues en fondo es una historia original, valiente, honesta con el espectador, sin desperdicio alguno.El guión (punto fuerte de Haggis) es una maravilla, con diálogos directos y contundentes. Aspectos técnicos como fotografía y montaje son soberbios. La fotografía recuerda a películas similares como por ejemplo Traffic (2000) de Steven Soderbergh, y el montaje a la escuela que abrió Robert Altman a principios de los 90 con su magnífica “Vidas Cruzadas”.

Las interpretaciones son de gran calidad, combinando actores conocidos y consagrados (Matt Dillon, Don Cheadle, Sandra Bullock, etc..) con otros novatos o semidesconocidos (Terence Howard, Thandie Newton).Todos rayan a gran nivel dentro de lo que les exige su personaje. Me sorprendió gratamente el, para mí, desconocido Howard(nominado a los Oscars el mismo año por su papel en otro filme) por su fuerza y contención.

Su final está sensacionalmente resuelto, enlazando con el principio del filme.

OCULTOS TRAS SU MASCARA

VIERNES  13

GOLUM

FRANKENSTEIN

MARTYRS

La verdad es que no está nada mal. No he visto ninguna película más del director, pero considero que Martyrs y Eden Lake fueron los mejores largometrajes del Festival de Sitges de 2009. Me pareció una película diferente, aterradora y atroz. El inicio es fabuloso, veloz y muy impactante, luego el film decae un poco, la historia se vuelve algo tediosa hasta que, hacia el final, destapándose la verdad, acaba mejorando notablemente. El guión es bueno, las interpretaciones magníficas, y el maquillaje convence y, por lo tanto, hace retroceder de horror. No es una película demasiado larga, lo cual es de agradecer, y si uno es capaz de gozar con este tipo de cine, se consigue verla con relativa facilidad, pues solo aburre unos minutos, situados, como antes he apuntado, en la mitad del film, cuando la incertidumbre se convierte en angustiosa insistencia y el espectador desea saber por qué, mientras que la historia, en esos momentos, se desarrolla con lentitud y no ofrece respuestas.

Martyrs, lógicamente, no es una película que pueda ver todo el mundo. Hace falta un paladar refinado a la vez que morboso, y sus escenas exigen una mente ávida de ver nuevas cosas. Debes de ser un espectador frío capaz de ver cualquier película, pues cuando se termina de ver Martyrs, uno se siente algo deprimido al haber visto, en tan poco tiempo, acontecimientos tan brutales protagonizados por seres extremadamente despiadados e inhumanos. Su argumento es aterrador y cruel y varios personajes son maltratados hasta lo inconcebible. Creo solo personas amantes del género de terror, o espíritus intrépidos y curiosos, pueden llegar a disfrutar, como yo hice, de ese tipo de películas que parecen escritas y dirigidas por el mismísimo Satanás.

SOSPECHOSOS HABITUALES

Sospechosos Habituales es una película demasiado audaz e inteligente para el espectador donde su director lo borda prácticamente de principio a fin. Y es que desde que Bryan Singer empezó su carrera apenas sin experiencia en el cine, con este trabajo hizo sonar muy alto su nombre en Hollywood. Puede que sea su cinta más codiciada a pesar de grandes películas como Verano de Corrupción X-men o Valkiria.

La cinta transmite demasiadas formas de como trabajar en un guión tan perfectamente completado como es en este caso. Y es que la historia abarca una serie de pistas que tras empezar a ver sus primeros minutos, no es fácil engancharse dado que los personajes y el tema principa no dan de sí todo lo que pueden dar , hasta que a partir de que transcurre algo más, va creciendo y se va convirtiendo en algo espectacular. La delicadeza que consigue obtener tal obra prevalece en el poder de atracción hacía el espectador que según avanzan los minutos más grande es esa fuerza. Singer no desaprovecha para nada un producto discreto con capacidad de altura y gran satisfacción.

Entre los actores Kevin Spacey, desapercibido desde que comienza, y explendoroso cuando acaba, sin imaginar lo que hay detrás de su personaje. Fabulosa interpretación de uno de los actores más aprovechables de la industria. Chazz Palminteri, Benicio del Toro y Stephen Baldwin acompañan como tienen que hacerlo sin desaprovechar la ocasión, y Gabriel Byrne es el líder de la banda cuyo liderazgo es definido desde un primer momento. Consigue esa fuerza que caracteriza a su personaje.

Sospechosos Habituales es la película más completa de Bryan Singer.

EL DIABLO Y EL CINE

La mejor coartada del diablo es hacernos creer que no existe (Baudelaire dixit). Pero gracias a renombrados cineastas se nos ha revelado su apariencia, advirtiéndonos, a través de filmes -curiosamente de culto- sobre la malevolencia de El Ángel Caí­do.
Así­, el llamado Prí­ncipe de las Tinieblas se instaló gratamente en la obscuridad de las salas de cine desde las primeras proyecciones: Georges Mélií¨s, F. W. Murnau, Fritz Lang, D.W. Griffith, Carl Theodor Dreyer, René Clair y Benjamin Christensen, fueron partidarios, tempranamente, de la denuncia del Señor del Averno.
Otros grandes y diversos directores, desde su propio estilo y género preferido, han mostrado o sugerido la presencia del Maligno. A Jacques Tourner, maestro de la atmósfera, los productores de Una Cita con el Diablo (1957), le obligaron a insertar una gigantesca criatura que personificaba al demonio. Stanley Donen, desde la divertida sátira Un Fausto Moderno (1967), narraba la historia de un “pobre diablo” en la Inglaterra pop; la casa Hammer en Una Tumba en la eternidad (1967), demostraba que el demonio viene más allá de la estratosfera y puede manifestarse en forma de invasión extraterrestre. Roman Polanski, con El Bebé de Rosemary (1968), sorprendí­a evitando el truco fácil de evidenciar al bebé de Satanás, y sólo dejaba ver una cuna de velos negros.

Luego, el Chamuco prefirió omitir toda su iconografí­a creada por los artistas plásticos de la cristiandad, para introducirse en la vida monacal sustentada en los eventos ocurridos en Loudun, en la excesiva y provocadora cinta Los Demonios (1971), de Ken Russell; para enseguida, poseer púberes en El Exorcista (1973) de Friedkin, o de plano, apoderarse de inocentes cuerpos de niños representando al Anticristo en el ambiente del poder polí­tico mundial en La Profecí­a (1976), según Richard Donner.
Después, la maldad ya no tuvo a su enemigo perenne a mano, la bondad. A fin de milenio el hombre se habí­a desbarrado en un cinismo que no le permití­a ser bueno. Entonces, El Diablo decidió pasarse del lado del enemigo para comportarse generosamente violento contra, por ejemplo, el mal comportamiento juvenil; pero ahora se alejaba de la representación del bestiario bí­blico, adquiriendo personificación de psicópata, demente o asesino serial, en filmes como: Pesadilla en la Calle del Infierno, Halloween, Viernes 13, y demás.

SUBMARINO

«Submarino» es un contundente drama, que goza de un guión excelente y una interpretación excelsa del actor principal, Jakob Cedergren. La sexta película del reconocido director danés Thomas Vinterberg narra con aplomo y solvencia los orígenes familiares de dos marginados sociales, casualmente hermanos.


La creación del personaje principal es un acierto magistral, un ser real cuya personalidad queda descrita con la nitidez con que se conoce al mejor amigo. Sucede en contadas ocasiones que cuando el telón cae o el lector cierra la última página de un libro, un personaje no abandonará jamás la memoria del espectador. Nos encontramos ante uno de tales casos.


La puesta en escena, la tonalidad y el ritmo de cada escena configuran una obra en la que se reconoce la personalidad de un realizador que promete alejado de seguir la moda que marca esta industria .

Es necesario este tipo de cine cercano diría yo al neorralismo Italiano, donde se refleja lo crudo de estos duros tiempos que nos han tocado vivir.

NO ABRAS LOS OJOS

Dave Gurney el protagonista de la primera novela de John Verdon, "Sé lo que estás pensando", regresa para enfrentarse al caso más comprometido de su carrera, un choque con un adversario implacable que no sólo es un inteligente y calculador asesino, sino que no tiene ningún reparo en golpear directamente al punto débil de Gurney; su esposa.

Ha pasado ya un año desde que el ex detective de la policía de Nueva York consiguió detener al asesino de los números y, aunque tiene la intención de retirarse definitivamente junto a su esposa Madeleine, un nuevo caso se le presenta de forma súbita. Una novia es asesinada de manera brutal durante su banquete de bodas, con cientos de invitados en el jardín y ese es un desafío al que es
imposible resistirse.

Todas las pistas apuntan a un enigmático y desequilibrado jardinero pero nada encaja; ni el motivo, ni la disposición del arma homicida y sobre todo, el cruel modus operandi. Dejando de lado lo evidente, Gurney empieza a unir los puntos que le destaparán una compleja red de negocios siniestros y tramas ocultas llevadas por una mente sádica...

EL INTERIOR

Un escenario (una casa) y dos personajes (dos mujeres). Con solo estos elementos, Alexandre Bustillo y Julien Maury, directores de ‘À l’intérieur’ (‘À l’intérieur’, 2007), consiguen una de las películas más sangrientas y salvajes jamás filmadas.

Sorprendentemente explícita y “gore”, esta película levantó ampollas entre los más puritanos y causó orgasmos entre los seguidores del cine extremo y “gore”. Y la verdad es que no es para menos, porque pocas veces se ha podido presenciar un espectáculo tan cruel y feroz.

Los directores galos consiguen el máximo con el mínimo apoyándose en un escenario claustrofóbico y ayudándose de unos FX tremendamente sangrientos y efectivos, a lo que hay que sumarle una magnífica puesta en escena y unas excelentes interpretaciones de la sensual Béatrice Dalle (turbadora a más no poder) y de la guapísima Alysson Paradis.

Un sangriento festival de poco más de 80 minutos en los que el fan más acérrimo encontrará multitud de detalles interesantes (y atroces), ahí se encuentran entre otras lindezas: una (auto)traqueotomía, un brutal disparo (más bien parece un misil) en la cabeza, pero eso sí, por encima de todo, destaca una bestial cesárea, una secuencia magistralmente rodada y exageradamente explícita, todo ello filmado con un intencionado realismo escalofriante.

HALLOWEEN (1987)

ES ESTA SIN DUDA UNA PELÍCULA EMBLEMÁTICA DENTRO DEL CINE DE LOS 80 QUE MARCA UN ANTES Y UN DESPUÉS DENTRO DEL GENERO DE TERROR, DONDE NOS ENCONTRAMOS UNA PRODUCCIÓN DE CINE DE SERIE B HECHO CON POCO DINERO PERO BIEN RODADO.

LO MEJOR DE ESTA ES SIN DUDA EL USO DEL CINEMASCOPE JUNTO A LA UTILIZACION DE LA PROFUNDIDAD DE CAMPO QUE USA  CAMPERTEN HACIENDO QUE EL ESPECTADOR SEA PARTICIPE DESDE LEJOS DE TODO LO QUE ACONTECE EN PANTALLA.

MARATHON MAN

Siete años después de la extraordinaria ‘Midnight Cowboy’, John Schlesinger nos sorprende con uno de los thrillers más impactantes de la década de los 70. Dustin Hoffman vuelve a repetir director desde la mencionada, en la que interpretó a Ratso, un lisiado con tuberculosis y perdedor. ‘Marathon Man’ se trata de una historia bien construida con buena dosis de intriga, que te mantiene enganchado durante todo su metraje. En su primera mitad se describen a la perfección a los personajes, para después interrelacionar unos con otros y ponernos con el corazón en un puño con la otra mitad.

Basada en una novela de William Goldman, quien fue él mismo el encargado de adaptarla para la pantalla, la película contiene escenas muy duras de ver. Posiblemente la escena más famosa y por la que la recordareis, es en la que Babe Levy es torturado por el despiadado doctor Szell con toda clase de utensilios dentales. Un reparto de altura, en el que podemos destacar la química entre Dustin Hoffman y Marthe Keller, un perturbador Laurence Olivier y un lúcido Roy Scheider, para una cinta notable. También hay que mencionar la magnífica fotografía en color de Conrad Hall (A sangre fría y Dos hombres y un destino).

THE HORDE

Los aficionados al cine de terror y al género de los muertos vivientes en particular, parece que nos dediquemos a buscar una aguja en un pajar; normalmente nos tragamos 200 productos infectos hasta dar con esas 1 o 2 películas que realmente valen la pena ver. “La horde” es una de ellas.

Trepidante odisea zombie- chovinística dirigida con buen pulso por Benjamin Rocher y Yannick Hadan, que sin ser el culmen de la originalidad, es uno de los productos más dignos del actual y prolífico panorama del cine de zombies. Siguiendo la estela de producciones más o menos recientes como la saga “28 días después”, “Amanecer de los muertos “o “Dead set”, se trata de un survival-horror en el que un grupúsculo de supervivientes pugnan por subsistir en un ruinoso edificio de la periferia parisina a una horda de zombies antropófagos que corren tras los vivos como galgos en celo.

THE DEAD

Los hermanos Ford, Howard y Jon, parecen nadar contracorriente. Cuando todo parece indicar que el muerto viviente actual tiene que ser propenso a infecciones de todo tipo; tener la agilidad, la fuerza y la velocidad de un superhéroe al que le ha picado una araña radioactiva o verse condenado a provocar la risa facilona en el espectador al ser víctima de todo tipo de ridículas situaciones; este par de osados directores independientes, que debutan en el cine tras una dilatadísima carrera en el sector publicitario, se sacan de la manga una película de zombis que desprende, durante todo su metraje, un delicioso aroma clásico que bebe directamente de los maestros italianos del spaguetti-zombie de los 70 y principios de los 80 (me refiero a los Lenzi, D’Amato, Fulci o Mattei) y que haría las delicias del mismísimo George. A Romero