LA SEMILLA DEL DIABLO. (1968)

El retrato de un mundo oscuro y demoníaco tras las apacibles paredes de un típico hogar estadounidense abren la puerta a Polanski para dibujar con sus habilidades características, los planos subjetivos desde la paranoica heroína Rosemary (con una mas que memorable encarnación de Mia Farrow), el humor negro que impregna toda la cinta (la soberbia pareja de veteranos Ruth Gordon y Ralph Bellamy) que como elementos característicos de este realizador se dan cita aquí nuevamente. La maravillosa adaptación que el mismo Polansky escribió nos va adentrando en un aparente telenovela rosa (los recién casados buscando un hogar donde iniciar su vida en pareja) que al pasar el tiempo mutará en una especie de pesadilla urbana, un surrealista y aterrador viaje con grandes dosis de suspenso y ambivalencia (las insinuaciones preponderan sobre la "muestra gratuita"). El verdadero temor que produce el bebé de Rosemary es la increíble capacidad de crear conciencia en el espectador y hacerle entender que tras la pared del vecino se esconden otros mundos, otra clase de personas, otra clase de "costumbres" que en este caso guardan oscuros lazos como lo es el culto a Satán, un fenómeno que podría estar a la vuelta de la esquina de cualquier hogar llámese decente, es uno de los mas grandes temores del ser humano, mas que asesinos persiguiendo con hachas, mas que animales monstruosos o seres del espacio exterior, es esta profunda creencia en el inframundo del sufrimiento eterno y de su abominable líder la que acaba por no dejar conciliar el sueño a los menos aptos. En conjunto estamos ante un inmortal clásico del Terror psicológico.

FRANKENWEENIE.

La historia de Frankenweenie nos lleva hasta los comienzos de Burton. Con tan solo trece años, un pequeño pajillero más rarito que un batido de macarrones, sorprendió con el cortometraje The Island of Dr. Argor (1971). Luego vinieron los más relevantes Doctor of Doom (1979) o Vincent (1982), trabajos que le fueron definiendo como el autor que llegaría a ser años más tarde. Pero quizá Frankenweenie (1984) sea el que le proporcionó el empujón definitivo. Rodado en blanco y negro, con 25 minutos de duración, parodiaba el Frankenstein de Mary Shelley. Tras la inesperada muerte de su adorado perro Sparky, el pequeño Víctor se vale del poder de la ciencia para traer a su mejor amigo de regreso a la vida… con unos pocos ajustes menores. Víctor intenta ocultar su creación, pero cuando Sparky logra salir, los compañeros de escuela de Víctor, sus maestros y el pueblo entero aprenderán que crear una nueva vida puede convertirse en algo monstruoso. Recordemos que, en su momento, el cortometraje causó una pelea de interés entre Burton y Disney. La famosa compañía le dio dinero al director para llevar a cabo del proyecto, con la intención de que éste les preparase un entrañable cuento infantil. Cuando vieron el resultado le acusaron de desperdiciar el presupuesto en un producto demasiado terrorífico para los niños (los niños de la época, se entiende, no los de ahora que fuman porros mientras ven telebasura). Sin embargo, el tiempo y el éxito le dieron la razón a Burton, pues en 1994 consiguió una edición en video, y más tarde se convirtió de uno de los extras estrella de… Pesadilla antes de navidad. La transformación en largometraje, íntegramente animado en 3D aunque manteniendo el blanco y negro, llegará a los Estados Unidos el 5 de Octubre.

SHAME.-

Shame es impactante, brutal. No es fácil explicarla con palabras. Una película que sacude al espectador desde el primer momento y desnuda los instintos más "guarros" del ser humano. Shame es una odisea de emociones desde su primer instante, consigue impregnar de un ambiente algo perturbador y melancólico una adicción al sexo que acorrala al protagonista. Brandon es incapaz de iniciar una relación formal temiendo que todo se vaya a pique, que su instinto insano provoque repulsión de los demás. Sabe que necesita ayuda y que no se puede controlar. Shame no utiliza el mero hecho sexual para ganar adeptos, sino que este planteamiento agiliza la labor del director en mostrar la parte más dañina de una persona y cómo en ocasiones se vuelve irreversible. El descenso a los infiernos de el protagonista está narrado con tanto acierto que nos arrastra por completo a experimentar su angustia. La película es un drama psicológico exacto, sin acompañamientos innecesarios. No se detiene en ningún momento y cada escena está lograda con la precisión que requiere. En esta impecable realización se echa de menos la nominación a los Oscar de Michael Fassbender como mejor actor protagonista y la de Carey Mulligan, que interpreta a su hermana (la cual tiene un peso importante en la cinta). El guión de McQueen también es superior y su dirección fantástica. Y por supuesto su banda sonora consigue atraer de manera eficaz la puesta en escena, haciendola efectiva y eficaz (sobre todo en las escenas finales y el comienzo).

LA CABINA (1972)

En este gran mediometraje de los 70 lo que predomina es el patetismo, algo satírico y cruel. Un gran acompañamiento musical brillante, perfectamente concordado con cada situación y con un ritmo perfecto. Es una maravilla terrorífica. Todo empieza tranquilamente pero es sorprendente como una simple cabina telefónica puede convertirse en tumba. Risas e ignorancia bañan la escena en un secreto que nadie conocía, el secreto de esa compañía de cabinas "asesinas". ¿Quizás puertas defectuosas? El caso es que no había alma divina que abriera aquella puerta. Ningún hombre en la afán del planeta puede pensar que un simple contratiempo puede llegar a convertirse en su verdadera pesadilla. Gran acompañamiento en el final como en toda la cinta. Incontable el miedo y el pánico que se puede sentir en una situación parecida, y para colmo la ayuda del resto de personas con sus burlas, creyendo neciamente que se trata de una simple broma. Amigos míos no se pierdan esta maravillosa representación, aparentemente tranquila y angustiosa conforme pasan los minutos. Una verdadera gran obra.

ENCERRADA (2010) JHON CARPENTER.

La última película hasta la fecha de John Carpenter ("Fantasmas de Marte", 2001) no me voló la cabeza pero cumplió sobradamente su misión: entretenerme. De esta "The ward" esperaba exactamente lo mismo: una película que no iba a situarse en mi panteón particular de este maestro del terror y el fantástico ("La cosa", "Asalto a la comisaria del distrito 13", "1999: Rescate en Nueva York", "La niebla", "Christine") pero que iba a hacerme disfrutar de buen cine, como tantas veces antes lo había hecho Carpenter con "Vampiros", "El pueblo de los malditos", "En los límites de la locura", "Están vivos"... Hasta hoy sólo "Starman" me parecía una película extremadamente floja en su filmografía. Pero lo de "The ward" no tiene nombre. No parece ni una película suya. Es una película "de sustos", sin nada más que ofrecer, y además de sustos previsibles. Las actrices deplorables. Una puesta en escena que no es más que un batiburrillo sin atractivo de muchas otras películas. Ritmo cansino. No hay forma de meterse en la historia. He mirado el reloj por primera vez a los 20 minutos de iniciarse la peli. John, déjalo, por Dios. Te has ganado el cielo con toda tu filmografía anterior. No le añadas ahora títulos indignos. L

a información promocional de Sitges es todavía más lamentable elevando el film a la categoría de nuevo clásico.

THE YELLOW SEA.

Gu-Nam es un taxista consumido por las deudas que intenta salvar el pellejo jugando al mahjong. Como a todos los jugadores, la cuerda se le va tensando al cuello. Es justo en este momento cuando aparece el personaje de Kim Tae-Won, quien le brinda la posibilidad de cubrir sus deudas y localizar a su mujer, fugada a Corea del sur para tener una vida mejor y la causa de las deudas de Gu-Nam. Es ahí donde el personaje tendrá que tomar una decisión : matar a un extraño para recuperar su vida o seguir soportando esa vida miserable. Como es lógico -si no, no habría película- el personaje de Nam cruza el Mar Amarillo en un tortuoso viaje y acaba en la superpoblada Seúl, donde sus rasgos le delatan. No le queda más remedio que esconderse y esperar su momento, pero solo tiene una semana de tiempo para volver o el barco se irá sin el. El espectador es plenamente partícipe del sufrimiento del protagonista, el cual está solo y desubicado, no es un asesino,pero necesita matar para conseguir la libertad. En el apartado visual, tiene un acabado exquisito. Es la primera coproducción asiática en que colabora 20th Century Fox y se nota; con unas localizaciones impresionantes, set pieces de acción en que se coordinan multitud de extras, cámara en mano, travellings con steadycam, todo ello con unos niveles de producción muy buenos que hacen que el espectador no desconecte ni un solo segundo de la historia. El único pero sería la duración cercana a las dos horas y media. El director Na Hong-Hin peca de querer buscar el más difícil todavía en cada escena. En algunos momentos el extenuado protagonista llega a parecer un superhombre, pero en ningún momento llega a parecer inverosímil. En fin, nos topamos con un muy recomendable exponente de las últimas oleadas de thrillers coreanos entre los que 'Old boy' y 'Memories of murder' siguen siendo los mejores ejemplos.

JUAN DE LOS MUERTOS.

Irregular y disparatada parodia de zombis que se rie de la capacidad de supervivencia del pueblo cubano y que su mayor encanto es ese "localismo" y esa idiosincrasia luchadora del isleño. Puntos fuertes son su frescura, algunos gags y personajes, que funcionan bien, como el loco travesti, o el cachondo amigo de Juan, el "sensible" negro fortachón, y poco más. El protagonista cumple, pero va muy justito en el papel, limitado por su poco carisma, su poca dicción (no es el único), y por un guión y montaje muy irregular. Aunque los efectos visuales son aceptables, se nota la falta de medios y de profesión en la escasez de variedad de cámaras y de planos que den calidad a la historia, aquí no hay excusa de un mockumentary grabado en primera persona con una cámara temblorosa, escondiendo la escasez de presupuesto. El director ha arriesgado mucho y si bien le ha salido un film que se deja ver, ha resultado una simple "anécdota" dentro del género de zombis, que no justifica tanta repercusión de medios y de éxito en festivales y opiniones de complacientes críticos. Por tanto, mejor acercarse sin muchas expectativas a su visionado y simplemente intentar pasar un rato entretenido con su exotismo y gamberrismo implícito.

UNDERWORLD. (EL DESPERTAR)

Hacía tiempo que una película de acción no me producía tanta satisfacción, aletargado por el sublime tránsito de escenas imposibles devenidas del cómic más elitista y refinado, obnubilado por esa voz hipnótica, por esos ojos que te traspasan, por esa elegancia y ese porte magníficos, para mí la mejor de la saga. Estaba hastiado cuando la violencia desmedida había copado el argumento de las copiosas secuelas y no había nada, absolutamente nada, que trascendiese la mera excusa del refrito de videojuego. Aquí sin embargo, sin eludir su evidente condición de ejercicio de consola, lo convierte en un ejercicio de estilo sin parangón que maravilla hasta al más reacio que repudie la casquería fina y odie las sesiones maratonianas delante de la pantalla de la "play". Con lo que se demuestra que hasta del argumento más absurdo e ilógico se puede hacer un cine meritorio que reivindique el sentido de la acción desde su concepción más pura, la de provocar placer al espectador sin darle un minuto de respiro. Lo mejor: Kate (en la escena del despertar es una ninfa del agua), el sonido e India, que debe seguir en esto, su presencia es realmente impressinante. Lo peor: que no hacía falta prometer otra secuela, bastaba con quince minutos más.

SOPA DE MISO.

SOPA DE MISO DE MURAKAMI, RYU Sinopsis de SOPA DE MISO "Frank, un anodino turista norteamericano, contrata a una joven de veinte años como guía por los tugurios sexuales de la noche japonesa. El comportamiento de Frank durante el primero de los tres días que han de pasar juntos es tan extraño que Kenji cominza a sospechar que su cliente puede ser, en realidad, un asesino en serie que tiene aterrorizada a la ciudad. "

CRONOS

Interesantísimo debut del director y guionista Guillermo del Toro con la atmósfera inquietante causada por Cronos. Una cinta en la que se mezclan estilos como el terror, lo fantastico, la tragedia e incluso un ligero toque de humor. Cuidada riqueza estética que envuelve una narrativa pausada y planificada con mucho tacto por el realizador mexicano. La cinta te traslada al S.XVI donde un extraño artefacto creado por un alquimista es reclamado 400 años mas adelante, en la actualidad, por un acaudalado magnate, que ansía su posesión para alcanzar la eterna juventud. El hombre se encuentra en muy mal estado y ademas de una avanzada edad, para su busqueda contará con su sobrino como aliado. El objeto finalmente es hallado en una tienda de antigüedades regentada por un hombre viudo llamado Juan Gris. Este es el argumento que nos muestra el director de la saga Hellboy, para atraernos a una película rica en matices y de llamativas escenas que no dejan indiferente al espectador. Premiada en el Festival de Sitges con los premios de mejor guión y mejor actor para Federico Luppi.

LA SOMBRA DE LOS OTROS.

Insuficiente, escasa e insatisfactoria; así resulta este thriller de terror que asusta tan poco como provoca. Sin la novedad de un argumentos muchas veces visto -enfrentamiento ciencia/fe, diablo o salvación- debería cubrir esa deficiencia con la potencia de los personajes y la solidez de las escenas; tarea en la cual fracasa arduamente. Una desaprovechada Julianne Moore para interpretar a una psiquiatra de poco brío que no consigue atrapar tu interés y, un belcebú Jonathan Rhys Meyers que ni siquiera tiene un gran espectáculo terrorífico que mostrar. Sin ser una mala película, falla estrepitosamente la presentación de la misma; ausencia de ingenio aterrador, de empuje espeluznante, unas escenas roñosas, un pobretón ir-y-venir..., más dignidad y decoro se merece la sola mención del todopoderoso -y que tan maravilloso juego cinematográfico ha ofrecido durante décadas- y siempre morbosamente atractivo lucifer que una exhibición mísera de sus poderes; el ingente y puro infernal abismo que llama a tus puertas, toda una exposición de los tormentos y de las tinieblas que te esperan en el mismísimo averno, el sufrimiento de la pérdida de tu alma para toda la eternidad... Visto lo visto en esta cinta, hay poco que temer!

REPULSION (1965)

Climas sórdidos, atmósferas claustrofóbicas, personajes desequilibrados y ambientes enfermizos con frecuencia han coexistido en las películas que Roman Polanski ha dirigido a lo largo de su dilatada carrera, exhibiendo siempre su elegancia en la dirección. Pese a ser un claro heredero y portador del testigo dejado por la Nouvelle Vague, su trayectoria le ha situado en un punto muy distante hoy de gente como Chabrol o Godard, un hecho que podríamos explicar si tenemos en cuenta que muchas de sus cintas han sido producidas con capital británico o americano, y además han derivado hacia vertientes más comerciales y atractivas para el gran público, mientras que aquellos siguen fabricando pequeñas joyas de artesanía sin salir de su Francia natal. Aunque siempre al margen de la gran industria, en Estados Unidos rodó dos de sus films más aclamados: La semilla del diablo (1968) y Chinatown (1974). En sus inicios es realmente apreciable la influencia de la nueva ola francesa, a la cual pertenece en toda regla su ópera prima, El cuchillo en el agua (1962), la cual, omitiendo aún los códigos más genuinos de su cine posterior, muestra una fotografía y una austeridad propias de la corriente europea del momento. Repulsión (Reino Unido, 1965), su segundo largometraje, huele todavía a Nouvelle Vague, pero pone de manifiesto ya las maneras del Polanski de siempre. Como protagonista absoluta cuenta con Catherine Deneuve, que interpreta de forma sensacional a una mujer frágil e hipersensible que siente verdadero rechazo a cualquier tipo de contacto con el sexo opuesto. El blanco y negro, aséptico, neutro, tenebroso, es uno de los apartados que más admiro en esta la película, magistralmente dirigida y ambientada por Polanski.

EL INVITADO.

El Invitado es una película de consparanoia-thriller-espías de las que, viendo el argumento, ya sabes por dónde van a ir los tiros. Sabes que Rynal Reynolds va a estar dando tumbos durante buena parte del metraje mientras se entera de por dónde van los tiros (en sentido literal y figurado). Que Denzel Washington va a estar sonriendo soltándote su filosofía de la vida y las frivolidades de turno mientras reparte estopa como el que más. Que los guionistas te van a estar dando largas mientras intentan aguantar el máximo tiempo posible la identidad del topo de la, cómo no, C.I.A. Preparando la precuela de Bourne. Y, sin embargo, el hecho de tener un director sueco hace que haya cosas en las que te puedes parar. Para empezar, puede haber una persecución de coches en la que tengas claro en todo momento qué coche está delante y cuál detrás. Lo cual, en el cine de acción de hoy en día, es casi un milagro. Además, el uso de unos planos que llaman la atención, como mínimo parece que se ha roto la cabeza para, mediante una composición fragmentada de las imágenes, poder dar al espectador una sensación de incomodidad bastante acorde con el tono de la película. Una película para pasar un rato entretenido, cuyas trampas se pueden intuir según te las plantean y que harán disfrutar a quien tenga la capacidad de olvidar las n-copias anteriores.

SUSPIRIA

Estéticamente la película es fascinante, hipnótica. La atmósfera, los escenarios y decorados, los encuadres y los juegos de colores y luces de las vidrieras, la excelente y terrorífica banda sonora del grupo de rock progresivo "The Goblin"... (una especie de canción infantil siniestra que contribuye muchísimo a crear ese ambiente "malsano" que rodea a la academia de baile en la que se desarrolla la película, y que se va desvelando poco a poco),... Esos escenarios, unidos a los personajes grotescos (el pianista ciego, las profesoras, los criados, etc), las escenas sangrientas y los sonidos, nos sitúan en una pesadilla. Una pesadilla muy bien descrita, y mi sensación, al ver la película, fue como de haber estado, en sueños, en lugares o en situaciones parecidas. Sin embargo, es una película original e interesante que se queda sólo en buena por alguna de las interpretaciones y por algunos agujeros del guión, que yo creo que es bastante flojo, tal vez porque la película concede mucha más importancia a la estética, y así algunos diálogos, algunos personajes secundarios que son irrelevantes, y, sobre todo, el desenlace, un poco atropellado y demasiado rápido, en contraste con el ritmo de la película, que es bastante lento. En definitiva, una buena película de terror, una pesadilla sobre brujas, original y aconsejable, pero que podía haber sido una película excelente si el director huviera cuidado un poco más algunos detalles del guion.

THE TOWN CIUDAD DE LADRONES.

Retrocedamos hasta el 22 de Octubre de 2004, cuando llegó a los cines 'Sobreviviendo a la Navidad', la última película que hasta hace nada había estrenado Ben Affleck como estrella, un fracaso estrepitoso que para muchos parecían los últimos estertores de una carrera que se vislumbraba corta e intensa... y el primero que se dio cuenta de ello parece ser que fue el propio Affleck, quién con esta 'Ciudad de ladrones' confirma lo que se intuía en 'Adiós pequeña adiós': Hollywood perdió una de tantas estrellas de usar y tirar para ganar a un cineasta que, además, puede valer como actor cuando se le necesite. Todos salimos ganando con el cambio, especialmente un Ben Affleck que con tan sólo 2 películas no sólo ha conseguido que le podamos llamar director sin que nos tiemble la voz, sino que además se ha ganado más crédito como tal que juntando toda su filmografía como actor. ‘Ciudad de ladrones’ es una de esas películas que uno sabe perfectamente como se va a desarrollar e, incluso, concluir tras echarle un simple vistazo a sus primeros 20 minutos de metraje. No obstante, en saber como lidiar con este material marcado es donde destaca el buen hacer de Affleck como director, logrando que una historia en cierta manera predecible consiga no ya sólo interesar al espectador, sino atraparle y sumergirle en una trama que si bien no es particularmente innovadora en ningún detalle, no deja de resultarnos tan interesante como para no apartar la vista de la pantalla ni un instante. Y es que casi más importante que una historia es saber contarla, y Affleck se muestra en tal tarea con solvencia y convicción, aportando además un gusto por una narrativa de cierto regusto clásico que le emparenta con, y aquí puede sonar a que me la estoy jugando un poco... ¿Clint Eastwood? No sin motivo, muchos serán los que señalen algunas similitudes con el 'Heat' de Michael Mann, comparación que podemos aceptar en cierta medida por encima, pero careciendo de justificación a medida que vamos sacándole punta a esta analogía excesivamente superficial. 'Ciudad de ladrones' tiene más que ver con thrillers policiacos de corte suburbial. Puestos a comparar de forma gratuita y por dar credibilidad a lo dicho unas líneas más arriba, también podemos encontrar algo del 'Mystic River' de Eastwood. Pero al margen ya de equiparaciones vagas e inexactas, 'Ciudad de ladrones' es un relato de personajes, por más que estos sean fieles de un simple prototipo al que hemos conocido en otras ocasiones. El guión permite que conozcamos a los personajes, se molesta en darles un fondo, se toma su tiempo para que el argumento no caiga en un simple correcalles narrativo, dotando de fundamento lo que transcurre entre unas escenas de acción filmadas con el brío, energía, dinamismo y crudeza, aquí si, del que hacía gala Mann en la citada 'Heat'. Y es que al igual que Mann, Affleck fundamenta narrativamente sus escenas de acción en la historia, y no la historia en sus escenas de acción.

REDENCIÓN

¿Puede la rabia oponerse a la redención? ¿Puede un desequilbrado tener afecto?, lamentos para reflexionar sobre la paz interior, perdidos en la sociedad, a la mierda rezar, cómo se puede echar a andar el corazón de los sufridores?, hay un camino para tratar el dolor mientras se recorren las calles, el choque de dos humanos con tendencias similares y espiritualidades opuestas, mentalidades que difieren en cuanto a Dios y demás formas de vida, el planteamiento va más allá de la humillación y el desprecio y supone un perverso retrato de la violencia y sus consecuencias. Es imposible borrar los recuerdos, todo es malo, personas podridas, todo está fatal, una historia paralela de refugios en el alcohol y de dejar de creer, la miseria que une y ata, y mata, el odio por todo y por todos, la protección y el apoyo, aspirina y té con leche, despojos que encuentran su rincón, una historia de amor y odio. "Recención" machaca la misericordia con pruebas y monólogos, me puedes abrazar?, se apagan las luces, el destino como fuerza máxima que mueve el universo, personajes y perros que pierden la cabeza, fotogramas simbólicos de que todo animal tiene unos límites antes de defenderse, secuencia explicativa de un sistema que castiga las diferentes formas de expresarse.

CHRONICLE.

La historia que trata es bastante sencilla: tres adolescentes, por accidente, un día descubren que tienen superpoderes y, poco a poco, a medida que se hacen más fuertes, todo se va complicando, alcanzando dimensiones inimaginables. La baza fuerte y principal elemento elogiado es el tratamiento. Rodada como un falso documental, la cámara que todo lo graba es un protagonista más, pues todo está visto desde ella. La apariencia de realismo, de cotidianidad está muy logrado y los efectos especiales, sobre todo al fina,l están muy bien hechos, a pesar de ser una película relativamente pequeña. Los actores, jóvenes aparecidos en series no muy conocidos todavía, realizan unas interpretaciones dignas de elogio y para ser una opera prima, Josh Trank debería estar bastante contento. Sin embargo, pienso que tanto elogio es inmerecido,aunque en taquilla está funcionando muy bien. Sin tener en cuenta la misteriosa aparición de los superpoderes (algo que no interesa contar, pero que tampoco hace falta), hay un déficit en la evolución del personaje principal, Andrew (Dane DeHaan), que se oscurece prácticamente de un día para otro. Se aprecia el desparpajo narrativo, su efervescencia y la mezcla de géneros y temas (exclusión social, poder, pérdida de autocontrol,…), así como su corta duración, pero considero que “Chronicle” no es revolucionaria, ni da otra vuelta de tuerca (si acaso media vuelta) como se ha querido vender. Es un buen debut, para un director como Josh trank de sólo 27 años, con un guión interesante del hijo de John Landis (a veces recuerdan a JJ. Abrams), y con sólo 9 millones de euros tiene mucho mérito, pero de ahí a calificarla de obra imprescindible, creo que dista mucho. Son claramente superiores las virtudes a los defectos, pero ello por sí solo no asegura que estemos ante una reinvención del género ni una obra que pase a la historia. Sin tantas pretensiones, me quedo con la excitante y divertida “Kick-ass”.

AMÉLIE (2001)

Ya lo había dicho Roger Ebert en un artículo publicado en 1994: "Toda crítica es subjetiva". Se referia esencialmente, al hecho de que la objetividad dentro del arte, dentro de la vida misma, es virtualmente imposible. Nuestros juicios, nuestras apreciaciones, siempre estarán matizadas, por más que lo evitemos, por nuestras creencias, nuestras expectativas, nuestras experiencias. De hecho, para Ebert, es esta subjetividad la que diferencia un buen crítico de otros no tan excelsos. Es por tanto, que no puedo ser objetivo con Amélie. Más allá de criterios estéticos y cinematográficos, esta película es toda una lección de vida. La verdad, me es indiferente que algunas personas la tachen de cursi o amilbarada. En mi concepto, es una de los filmes más hermosos que he visto en toda la vida. Es muy difícil no rendirse ante la belleza de los personajes, del guión, de la música. Es inútil no dejarse arrastrar por ese prodigio de la naturaleza llamado Audrey Tautou, por aquellos ojos inmensos (nada que envidiarle a Bette Davis), por aquella sonrisa guasona, por la compasión y humanidad de sus acciones. Amo esta película y tal vez sea por eso que aún no haya sido capaz de encontrar sus defectos, sus falencias. Las tiene, no existe la perfección. Pero mientras las encuentro, me seguiré deleitando una y otra vez con Amélie.

EL CEBO (1958)

Teniendo en cuenta la potencia del cine norteamericano y dejando totalmente clara mi postura sobre el mismo, que no es otra que de admiración y respeto, estoy prácticamente seguro de que si la película que en esta crítica se da cita, "El cebo", hubiese sido una producción de los Estados Unidos, aparecería en más de una lista de esos clásicos que nadie debe perderse antes de morir. Por que está hecha con un estilo visual impecable, cuenta con una transición de escenas sobre las que según van avanzando los minutos, el interés sobre el argumento se ve aumentado. Por que su reparto hace unas interpretaciones bastante buenas y la sorpresa entre los personajes está asegurada garantizando al espectador una película elegante, agradable y con la tensión necesaria, y cuenta con múltiples peculiaridades que son las encargadas de culminar un ejercicio cinematográfico notable que en mi opinión si no llega a la excelencia es por un liviano y previsible tramo final que sin embargo es el idóneo para la trama. Pero la película es española y de un tal Ladislao Vajda (Marcelino, pan y vino, Un ángel pasó por Brooklyn), un realizador enterrado tanto dentro como fuera de las fronteras españolas y al cual, de manera injusta, no se le ha brindado el reconocimiento que se merece. La historia de esta película comienza en el bosque de un pequeño pueblo suizo. Un vendedor ambulante lo atraviesa hasta tropezar con lo que resulta ser el cadáver de una niña ocultado entre la hojarasca. Horrorizado, corre hasta el pueblo para desde un bar llamar al comisario Matthäi y comunicarle tan terrible suceso. Pero la policía colocará al denunciante como primer sospechoso debido al encaje de una serie de pruebas que parecen inculparle por lo clamoroso de su relación. Mattäi, que se muestra escéptico respecto a la culpabilidad del vendedor ambulante, contempla el caso desde la barrera, pues ha perdido la autoridad sobre el mismo al dejar el cargo por otro de mayor responsabilidad fuera del departamento. El comisario que le sustituye se encarga pues de la investigación, aunque seguirá contando con su antecesor desde una clara muestra de respeto y admiración sobre el mismo. La música, de Bruno Canfora contribuye a elevar el nivel de tensión y misterio que el realizador de la cinta consigue crear en esta película que se convierte por derecho propio en una de las películas de intriga europeas más destacadas de los años de su producción. Los papeles más destacados no dan lugar a dudas, pues sólo hay dos grandes protagonistas en esta cinta, los representados por Heinz Rühmann y el imponente Gert Fröbe.Una verdadera obra maestra que recomiendo.

BARRY LYNDON (1975)

Real, pulcra, genial, magnífica, esplendida, clásica, profesional, grandilocuente, elegante, delicada, terriblemente bella. ¿Lo oyen? Es Händel ¿Lo ven? Es el hermoso cuadro de Raphael bajo la cámara de Kubrick. ¿Lo sienten? Sí, ustedes están sin género de dudas en el siglo XVIII. Eximia película, lastimera por su violencia. Una violencia que no necesita de fuego, acción, explosiones. ¡No señores y señoras! Necesita de tensiones, de silencios y de miradas. Traigan sus maletas porque les espera un viaje largo, un viaje en pendiente descendiente hasta la puerta del infierno. La muestra de una sociedad que corrompió a un joven irlandés. Una sociedad obstinada, del lujo que fue apagando una vida. Y traiga muchas tierras porque a donde usted va a ir cuenta el amor pero sobretodo el patrimonio personal. Por otro lado, veo en esta película un ejemplo claro de obra maestra histórica. Se que muchos dirán que no es importante, no obstante, para mí siempre que se use la historia mínimamente en serio es preciso analizarlo. Pero es que esta obra acierta en todo. Desde la forma en que se sienta uno a comer y el mismo protocolo (recomiendo la lectura de Historia de la família de James Casey) como asimismo la inseguridad de los caminos. Tratamiento exquisito de todo y de todos, acierto histórico y, a pesar del debate que comportaría la importancia de los duelos, no hay casi ningún lugar por donde ver una mala calidad.