SOPA DE MISO.

SOPA DE MISO DE MURAKAMI, RYU Sinopsis de SOPA DE MISO "Frank, un anodino turista norteamericano, contrata a una joven de veinte años como guía por los tugurios sexuales de la noche japonesa. El comportamiento de Frank durante el primero de los tres días que han de pasar juntos es tan extraño que Kenji cominza a sospechar que su cliente puede ser, en realidad, un asesino en serie que tiene aterrorizada a la ciudad. "

CRONOS

Interesantísimo debut del director y guionista Guillermo del Toro con la atmósfera inquietante causada por Cronos. Una cinta en la que se mezclan estilos como el terror, lo fantastico, la tragedia e incluso un ligero toque de humor. Cuidada riqueza estética que envuelve una narrativa pausada y planificada con mucho tacto por el realizador mexicano. La cinta te traslada al S.XVI donde un extraño artefacto creado por un alquimista es reclamado 400 años mas adelante, en la actualidad, por un acaudalado magnate, que ansía su posesión para alcanzar la eterna juventud. El hombre se encuentra en muy mal estado y ademas de una avanzada edad, para su busqueda contará con su sobrino como aliado. El objeto finalmente es hallado en una tienda de antigüedades regentada por un hombre viudo llamado Juan Gris. Este es el argumento que nos muestra el director de la saga Hellboy, para atraernos a una película rica en matices y de llamativas escenas que no dejan indiferente al espectador. Premiada en el Festival de Sitges con los premios de mejor guión y mejor actor para Federico Luppi.

LA SOMBRA DE LOS OTROS.

Insuficiente, escasa e insatisfactoria; así resulta este thriller de terror que asusta tan poco como provoca. Sin la novedad de un argumentos muchas veces visto -enfrentamiento ciencia/fe, diablo o salvación- debería cubrir esa deficiencia con la potencia de los personajes y la solidez de las escenas; tarea en la cual fracasa arduamente. Una desaprovechada Julianne Moore para interpretar a una psiquiatra de poco brío que no consigue atrapar tu interés y, un belcebú Jonathan Rhys Meyers que ni siquiera tiene un gran espectáculo terrorífico que mostrar. Sin ser una mala película, falla estrepitosamente la presentación de la misma; ausencia de ingenio aterrador, de empuje espeluznante, unas escenas roñosas, un pobretón ir-y-venir..., más dignidad y decoro se merece la sola mención del todopoderoso -y que tan maravilloso juego cinematográfico ha ofrecido durante décadas- y siempre morbosamente atractivo lucifer que una exhibición mísera de sus poderes; el ingente y puro infernal abismo que llama a tus puertas, toda una exposición de los tormentos y de las tinieblas que te esperan en el mismísimo averno, el sufrimiento de la pérdida de tu alma para toda la eternidad... Visto lo visto en esta cinta, hay poco que temer!

REPULSION (1965)

Climas sórdidos, atmósferas claustrofóbicas, personajes desequilibrados y ambientes enfermizos con frecuencia han coexistido en las películas que Roman Polanski ha dirigido a lo largo de su dilatada carrera, exhibiendo siempre su elegancia en la dirección. Pese a ser un claro heredero y portador del testigo dejado por la Nouvelle Vague, su trayectoria le ha situado en un punto muy distante hoy de gente como Chabrol o Godard, un hecho que podríamos explicar si tenemos en cuenta que muchas de sus cintas han sido producidas con capital británico o americano, y además han derivado hacia vertientes más comerciales y atractivas para el gran público, mientras que aquellos siguen fabricando pequeñas joyas de artesanía sin salir de su Francia natal. Aunque siempre al margen de la gran industria, en Estados Unidos rodó dos de sus films más aclamados: La semilla del diablo (1968) y Chinatown (1974). En sus inicios es realmente apreciable la influencia de la nueva ola francesa, a la cual pertenece en toda regla su ópera prima, El cuchillo en el agua (1962), la cual, omitiendo aún los códigos más genuinos de su cine posterior, muestra una fotografía y una austeridad propias de la corriente europea del momento. Repulsión (Reino Unido, 1965), su segundo largometraje, huele todavía a Nouvelle Vague, pero pone de manifiesto ya las maneras del Polanski de siempre. Como protagonista absoluta cuenta con Catherine Deneuve, que interpreta de forma sensacional a una mujer frágil e hipersensible que siente verdadero rechazo a cualquier tipo de contacto con el sexo opuesto. El blanco y negro, aséptico, neutro, tenebroso, es uno de los apartados que más admiro en esta la película, magistralmente dirigida y ambientada por Polanski.

EL INVITADO.

El Invitado es una película de consparanoia-thriller-espías de las que, viendo el argumento, ya sabes por dónde van a ir los tiros. Sabes que Rynal Reynolds va a estar dando tumbos durante buena parte del metraje mientras se entera de por dónde van los tiros (en sentido literal y figurado). Que Denzel Washington va a estar sonriendo soltándote su filosofía de la vida y las frivolidades de turno mientras reparte estopa como el que más. Que los guionistas te van a estar dando largas mientras intentan aguantar el máximo tiempo posible la identidad del topo de la, cómo no, C.I.A. Preparando la precuela de Bourne. Y, sin embargo, el hecho de tener un director sueco hace que haya cosas en las que te puedes parar. Para empezar, puede haber una persecución de coches en la que tengas claro en todo momento qué coche está delante y cuál detrás. Lo cual, en el cine de acción de hoy en día, es casi un milagro. Además, el uso de unos planos que llaman la atención, como mínimo parece que se ha roto la cabeza para, mediante una composición fragmentada de las imágenes, poder dar al espectador una sensación de incomodidad bastante acorde con el tono de la película. Una película para pasar un rato entretenido, cuyas trampas se pueden intuir según te las plantean y que harán disfrutar a quien tenga la capacidad de olvidar las n-copias anteriores.

SUSPIRIA

Estéticamente la película es fascinante, hipnótica. La atmósfera, los escenarios y decorados, los encuadres y los juegos de colores y luces de las vidrieras, la excelente y terrorífica banda sonora del grupo de rock progresivo "The Goblin"... (una especie de canción infantil siniestra que contribuye muchísimo a crear ese ambiente "malsano" que rodea a la academia de baile en la que se desarrolla la película, y que se va desvelando poco a poco),... Esos escenarios, unidos a los personajes grotescos (el pianista ciego, las profesoras, los criados, etc), las escenas sangrientas y los sonidos, nos sitúan en una pesadilla. Una pesadilla muy bien descrita, y mi sensación, al ver la película, fue como de haber estado, en sueños, en lugares o en situaciones parecidas. Sin embargo, es una película original e interesante que se queda sólo en buena por alguna de las interpretaciones y por algunos agujeros del guión, que yo creo que es bastante flojo, tal vez porque la película concede mucha más importancia a la estética, y así algunos diálogos, algunos personajes secundarios que son irrelevantes, y, sobre todo, el desenlace, un poco atropellado y demasiado rápido, en contraste con el ritmo de la película, que es bastante lento. En definitiva, una buena película de terror, una pesadilla sobre brujas, original y aconsejable, pero que podía haber sido una película excelente si el director huviera cuidado un poco más algunos detalles del guion.

THE TOWN CIUDAD DE LADRONES.

Retrocedamos hasta el 22 de Octubre de 2004, cuando llegó a los cines 'Sobreviviendo a la Navidad', la última película que hasta hace nada había estrenado Ben Affleck como estrella, un fracaso estrepitoso que para muchos parecían los últimos estertores de una carrera que se vislumbraba corta e intensa... y el primero que se dio cuenta de ello parece ser que fue el propio Affleck, quién con esta 'Ciudad de ladrones' confirma lo que se intuía en 'Adiós pequeña adiós': Hollywood perdió una de tantas estrellas de usar y tirar para ganar a un cineasta que, además, puede valer como actor cuando se le necesite. Todos salimos ganando con el cambio, especialmente un Ben Affleck que con tan sólo 2 películas no sólo ha conseguido que le podamos llamar director sin que nos tiemble la voz, sino que además se ha ganado más crédito como tal que juntando toda su filmografía como actor. ‘Ciudad de ladrones’ es una de esas películas que uno sabe perfectamente como se va a desarrollar e, incluso, concluir tras echarle un simple vistazo a sus primeros 20 minutos de metraje. No obstante, en saber como lidiar con este material marcado es donde destaca el buen hacer de Affleck como director, logrando que una historia en cierta manera predecible consiga no ya sólo interesar al espectador, sino atraparle y sumergirle en una trama que si bien no es particularmente innovadora en ningún detalle, no deja de resultarnos tan interesante como para no apartar la vista de la pantalla ni un instante. Y es que casi más importante que una historia es saber contarla, y Affleck se muestra en tal tarea con solvencia y convicción, aportando además un gusto por una narrativa de cierto regusto clásico que le emparenta con, y aquí puede sonar a que me la estoy jugando un poco... ¿Clint Eastwood? No sin motivo, muchos serán los que señalen algunas similitudes con el 'Heat' de Michael Mann, comparación que podemos aceptar en cierta medida por encima, pero careciendo de justificación a medida que vamos sacándole punta a esta analogía excesivamente superficial. 'Ciudad de ladrones' tiene más que ver con thrillers policiacos de corte suburbial. Puestos a comparar de forma gratuita y por dar credibilidad a lo dicho unas líneas más arriba, también podemos encontrar algo del 'Mystic River' de Eastwood. Pero al margen ya de equiparaciones vagas e inexactas, 'Ciudad de ladrones' es un relato de personajes, por más que estos sean fieles de un simple prototipo al que hemos conocido en otras ocasiones. El guión permite que conozcamos a los personajes, se molesta en darles un fondo, se toma su tiempo para que el argumento no caiga en un simple correcalles narrativo, dotando de fundamento lo que transcurre entre unas escenas de acción filmadas con el brío, energía, dinamismo y crudeza, aquí si, del que hacía gala Mann en la citada 'Heat'. Y es que al igual que Mann, Affleck fundamenta narrativamente sus escenas de acción en la historia, y no la historia en sus escenas de acción.

REDENCIÓN

¿Puede la rabia oponerse a la redención? ¿Puede un desequilbrado tener afecto?, lamentos para reflexionar sobre la paz interior, perdidos en la sociedad, a la mierda rezar, cómo se puede echar a andar el corazón de los sufridores?, hay un camino para tratar el dolor mientras se recorren las calles, el choque de dos humanos con tendencias similares y espiritualidades opuestas, mentalidades que difieren en cuanto a Dios y demás formas de vida, el planteamiento va más allá de la humillación y el desprecio y supone un perverso retrato de la violencia y sus consecuencias. Es imposible borrar los recuerdos, todo es malo, personas podridas, todo está fatal, una historia paralela de refugios en el alcohol y de dejar de creer, la miseria que une y ata, y mata, el odio por todo y por todos, la protección y el apoyo, aspirina y té con leche, despojos que encuentran su rincón, una historia de amor y odio. "Recención" machaca la misericordia con pruebas y monólogos, me puedes abrazar?, se apagan las luces, el destino como fuerza máxima que mueve el universo, personajes y perros que pierden la cabeza, fotogramas simbólicos de que todo animal tiene unos límites antes de defenderse, secuencia explicativa de un sistema que castiga las diferentes formas de expresarse.

CHRONICLE.

La historia que trata es bastante sencilla: tres adolescentes, por accidente, un día descubren que tienen superpoderes y, poco a poco, a medida que se hacen más fuertes, todo se va complicando, alcanzando dimensiones inimaginables. La baza fuerte y principal elemento elogiado es el tratamiento. Rodada como un falso documental, la cámara que todo lo graba es un protagonista más, pues todo está visto desde ella. La apariencia de realismo, de cotidianidad está muy logrado y los efectos especiales, sobre todo al fina,l están muy bien hechos, a pesar de ser una película relativamente pequeña. Los actores, jóvenes aparecidos en series no muy conocidos todavía, realizan unas interpretaciones dignas de elogio y para ser una opera prima, Josh Trank debería estar bastante contento. Sin embargo, pienso que tanto elogio es inmerecido,aunque en taquilla está funcionando muy bien. Sin tener en cuenta la misteriosa aparición de los superpoderes (algo que no interesa contar, pero que tampoco hace falta), hay un déficit en la evolución del personaje principal, Andrew (Dane DeHaan), que se oscurece prácticamente de un día para otro. Se aprecia el desparpajo narrativo, su efervescencia y la mezcla de géneros y temas (exclusión social, poder, pérdida de autocontrol,…), así como su corta duración, pero considero que “Chronicle” no es revolucionaria, ni da otra vuelta de tuerca (si acaso media vuelta) como se ha querido vender. Es un buen debut, para un director como Josh trank de sólo 27 años, con un guión interesante del hijo de John Landis (a veces recuerdan a JJ. Abrams), y con sólo 9 millones de euros tiene mucho mérito, pero de ahí a calificarla de obra imprescindible, creo que dista mucho. Son claramente superiores las virtudes a los defectos, pero ello por sí solo no asegura que estemos ante una reinvención del género ni una obra que pase a la historia. Sin tantas pretensiones, me quedo con la excitante y divertida “Kick-ass”.

AMÉLIE (2001)

Ya lo había dicho Roger Ebert en un artículo publicado en 1994: "Toda crítica es subjetiva". Se referia esencialmente, al hecho de que la objetividad dentro del arte, dentro de la vida misma, es virtualmente imposible. Nuestros juicios, nuestras apreciaciones, siempre estarán matizadas, por más que lo evitemos, por nuestras creencias, nuestras expectativas, nuestras experiencias. De hecho, para Ebert, es esta subjetividad la que diferencia un buen crítico de otros no tan excelsos. Es por tanto, que no puedo ser objetivo con Amélie. Más allá de criterios estéticos y cinematográficos, esta película es toda una lección de vida. La verdad, me es indiferente que algunas personas la tachen de cursi o amilbarada. En mi concepto, es una de los filmes más hermosos que he visto en toda la vida. Es muy difícil no rendirse ante la belleza de los personajes, del guión, de la música. Es inútil no dejarse arrastrar por ese prodigio de la naturaleza llamado Audrey Tautou, por aquellos ojos inmensos (nada que envidiarle a Bette Davis), por aquella sonrisa guasona, por la compasión y humanidad de sus acciones. Amo esta película y tal vez sea por eso que aún no haya sido capaz de encontrar sus defectos, sus falencias. Las tiene, no existe la perfección. Pero mientras las encuentro, me seguiré deleitando una y otra vez con Amélie.

EL CEBO (1958)

Teniendo en cuenta la potencia del cine norteamericano y dejando totalmente clara mi postura sobre el mismo, que no es otra que de admiración y respeto, estoy prácticamente seguro de que si la película que en esta crítica se da cita, "El cebo", hubiese sido una producción de los Estados Unidos, aparecería en más de una lista de esos clásicos que nadie debe perderse antes de morir. Por que está hecha con un estilo visual impecable, cuenta con una transición de escenas sobre las que según van avanzando los minutos, el interés sobre el argumento se ve aumentado. Por que su reparto hace unas interpretaciones bastante buenas y la sorpresa entre los personajes está asegurada garantizando al espectador una película elegante, agradable y con la tensión necesaria, y cuenta con múltiples peculiaridades que son las encargadas de culminar un ejercicio cinematográfico notable que en mi opinión si no llega a la excelencia es por un liviano y previsible tramo final que sin embargo es el idóneo para la trama. Pero la película es española y de un tal Ladislao Vajda (Marcelino, pan y vino, Un ángel pasó por Brooklyn), un realizador enterrado tanto dentro como fuera de las fronteras españolas y al cual, de manera injusta, no se le ha brindado el reconocimiento que se merece. La historia de esta película comienza en el bosque de un pequeño pueblo suizo. Un vendedor ambulante lo atraviesa hasta tropezar con lo que resulta ser el cadáver de una niña ocultado entre la hojarasca. Horrorizado, corre hasta el pueblo para desde un bar llamar al comisario Matthäi y comunicarle tan terrible suceso. Pero la policía colocará al denunciante como primer sospechoso debido al encaje de una serie de pruebas que parecen inculparle por lo clamoroso de su relación. Mattäi, que se muestra escéptico respecto a la culpabilidad del vendedor ambulante, contempla el caso desde la barrera, pues ha perdido la autoridad sobre el mismo al dejar el cargo por otro de mayor responsabilidad fuera del departamento. El comisario que le sustituye se encarga pues de la investigación, aunque seguirá contando con su antecesor desde una clara muestra de respeto y admiración sobre el mismo. La música, de Bruno Canfora contribuye a elevar el nivel de tensión y misterio que el realizador de la cinta consigue crear en esta película que se convierte por derecho propio en una de las películas de intriga europeas más destacadas de los años de su producción. Los papeles más destacados no dan lugar a dudas, pues sólo hay dos grandes protagonistas en esta cinta, los representados por Heinz Rühmann y el imponente Gert Fröbe.Una verdadera obra maestra que recomiendo.

BARRY LYNDON (1975)

Real, pulcra, genial, magnífica, esplendida, clásica, profesional, grandilocuente, elegante, delicada, terriblemente bella. ¿Lo oyen? Es Händel ¿Lo ven? Es el hermoso cuadro de Raphael bajo la cámara de Kubrick. ¿Lo sienten? Sí, ustedes están sin género de dudas en el siglo XVIII. Eximia película, lastimera por su violencia. Una violencia que no necesita de fuego, acción, explosiones. ¡No señores y señoras! Necesita de tensiones, de silencios y de miradas. Traigan sus maletas porque les espera un viaje largo, un viaje en pendiente descendiente hasta la puerta del infierno. La muestra de una sociedad que corrompió a un joven irlandés. Una sociedad obstinada, del lujo que fue apagando una vida. Y traiga muchas tierras porque a donde usted va a ir cuenta el amor pero sobretodo el patrimonio personal. Por otro lado, veo en esta película un ejemplo claro de obra maestra histórica. Se que muchos dirán que no es importante, no obstante, para mí siempre que se use la historia mínimamente en serio es preciso analizarlo. Pero es que esta obra acierta en todo. Desde la forma en que se sienta uno a comer y el mismo protocolo (recomiendo la lectura de Historia de la família de James Casey) como asimismo la inseguridad de los caminos. Tratamiento exquisito de todo y de todos, acierto histórico y, a pesar del debate que comportaría la importancia de los duelos, no hay casi ningún lugar por donde ver una mala calidad.

LA TIERRA SILENCIADA.

La tierra silenciada de Graham Joyce: Una pareja queda atrapada en una estación de esquí sin saber salir. Jackie y Zoe quedan atrapados en un alud mientras estaban esquiando. Finalmente, consiguen salir y vuelven al hotel para olvidar el desagradable episodio. Después del descanso salen de la habitación y no hay nadie. Es extraño. En el pueblo tampoco queda nadie. ¿Habrán sido evacuados debido al alud? De vuelta al hotel, intentan telefonear pero no hay cobertura. Tratan de huir al pueblo más cercano pero de nuevo no llegan a ningún lugar: los caminos les devuelven siempre al mismo punto de partida. Por otro lado, y pese a que llevan días en el hotel, los alimentos de la cocina siguen teniendo el mismo aspecto. ¿Dónde están? ¿Por qué parece que se haya detenido todo? Una sorprendente novela que mezcla narrativa, suspense y elementos sobrenaturales para construir una trama que atrapa desde su inquietante inicio.

DESTINO FINAL 5

¿Nuestro destino está escrito o somos libres? Y si damos por hecho que todos los eventos de nuestra vida están predestinados, ¿nuestra muerta también lo está? Con estas complejas preguntas, con las que la humanidad lleva siglos debatiendo, empezó la (algo eterna) saga de Destino Final aunque alejándose de todo rollo filosófico para mostrar un slasher en la que la Muerte, más macabra y sádica que Jason, Freddy Krueger y Michael Myers juntos, se cargaba a los adolescentes de turno que se atrevían a desafiarla. Sin duda la primera entrega fue bastante original dentro de su género pero claro, cuando algo funciona ¿para qué cambiarlo? Y así tuvimos una eterna sucesión de calcos. Pues bien, ¿qué puesto ocupa esta quinta entrega? La historia es la misma de siempre . Accidente inicial, visión premonitoria y posterior muerte de los que se salvaron. Como novedad en esta entrega tenemos que los protas intentan provocar muertes como moneda de cambio hacia la Parca y así librarse de su nefasto destino. Lástima que esta interesante premisa inicial se haya explotado poquísimo. Una pena porque estamos ante la misma historia de siempre que tenía potencial para mostrar algo distinto.

Aun así, a pesar de esta decepción, salvo la película por dos razones. La primera es que yo no espero ver una obra maestra al ver una saga como Destino Final, sino una película entretenida ¿esta lo es? Sin duda. Y en segundo lugar, ¿qué es lo que buscamos cuando vemos esta saga? ¿Acaso que se profundice en los personajes? Claro que no, lo que queremos ver son escabrosas muertes, impactantes escenas que te dejen sin aliento y cuanto más gores mejor. Y Destino Final 5 tiene todo esto, las muertes están muy curradas y son realmente agobiantes. Tras un impactante accidente inicial en el puente la calidad de las muertes no decae en ningún momento. Y eso es algo digno de admirar en una quinta entrega. Conclusión, Destino Final 5 da lo que promete, ni más ni menos. Es una lástima que no se haya aprovechado la ocasión para mostrar cosas nuevas ya que estamos ante la vieja historia de siempre pero aun así consigue enganchar. Así que larga vida a la Muerte.

EL HOMBRE SIN PASADO (2010)

La pelicula coreana más taquillera llega el estreno ha españa. SINOPSIS La única conexión del ex-agente especial Cha Tae-sik con el mundo es una niña que vive cerca de su casa. La madre de la pequeña trabaja para una organización mafiosa que se dedica al tráfico de drogas y le confía a él la mercancía. Cuando los traficantes se dan cuenta, secuestran a la madre y a la niña. Además, confunden a Tae-sik con un camello.

I SPIT ON YOUR GRAVE

Es bien sabido que últimamente la falta de originalidad o de ideas por parte de la industria hollywoodense se va acrecentando en los últimos años, esto se ve reflejado en varias películas versionadas recientemente, una y otra vez. Cabe destacar que género de terror es el más masacrado dentro a lo que remake se refiere. Estos Remakes son de películas que dejaron su sello de marca dentro del género, eso sí, si vemos los antecedentes de varios remakes de los últimos tiempos, vemos que el resultado es ampliamente negativo, ejemplos son películas como: Sorority Row, Negra navidad, Prom night, piraña, la niebla, House of wax, etc. Esta película que nos compete es la nueva versión de la película homónima del 78,dirigida por Meir Zarchi, aquí ejerciendo el rol de productor ejecutivo, y en el papel principal teníamos en aquel entonces a Camille Keaton (sobrina de Buster keaton),interpretando a Jennifer Hills una escritora que es ultrajada varias veces por cuatro hombres, una vez recuperada, desata su sed de venganza sobre aquellos hombres que la corrompieron .Aquellos que pudimos visionar dicha cinta de culto, podemos saber una de las tantas influencias que Quentin Tarantino tuvo para uno de sus últimos filmes que fue kill Bill. Este filme cuenta con varios aciertos, uno de ellos es que no es un copy /paste del original, sino, que el guión está más desarrollado que la primera, también uno podía darse cuenta (viendo el original) de ciertas falencias o fallas que podían ser pulidas o mejor trabajadas. Aquí la escena de la violación (polémica en aquel entonces) queda reducida para desarrollar más las muertes de los malvivientes. En fin, un remake que sabe lograr lo que se propone, mantener el espíritu de la original, crear la atmósfera ya planteada en la primera y no caer en el olvido, al contario, ser un remake fiel, superior o a la altura de la cinta original, destacando entre ellos: (La noche de los muertos vivos, La matanza de Texas, Las colinas tienen ojos, Terror en Amityville y El día de la madre) que cumplen la función que se les otorga a la vez renovando la idea para generaciones futuras. Altamente recomendable para los que amantes del gore y seguidores del subgénero rape/revenge.

VESTIDA PARA MATAR.

Muchos consideran “Dressed to Kill”, junto con la posterior “Impacto” (Blow Out, 1981) una de las peores películas del director que tan había sorprendido emulando a Hitchcock y su factor sorpresa en los giros narrativos en cintas como “Hermanas” (Sisters, 1973) o “Fascinación” (Obsession, 1976). Pero el director de “Doble Cuerpo” (Body Double, 1984) todavía no quería andarse por otras ramas y nos obsequió en las primeras secuencias con unos desnudos de Angie Dickinson, casi con cincuenta años, que quitan el hipo pero que de repente la buena vista se resquebraja nos por culpa de sus decaídos sueños eróticos que finalizan con un acosador asesinándola y que la despiertan siendo objeto de un polvo matutino, como buena manera de empezar un día aburrido más. Unas primeras secuencias que nos trasladan a los primeros minutos de “Carrie” pero, si allí recurría a la traumática primera menstruación del personaje de Sissy Spaceck, aquí Dickinson es estrangulada para despertar, como premonición de sus frustrados y angustiados deseos sexuales. La rubia actriz que antaño protagonizara cintas tan memorables como “Rio Bravo” (1959), de Howard Hawks, “La Jauría Humana” (The Chase, 1966) de Arthur Penn o “A Quemarropa” (Point Blank, 1967) de John Boorman, se pone en la piel de la insatisfecha Kate Miller, madre, esposa y paciente habitual del doctor Elliott (Michael Caine). Kate se evade su rutina paseando por los museos e intentado conquistar al primer desconocido mientras su hijo Peter (Keith Gordon) está más preocupado por sus inventos electrónicos gracias a su cerebrito de superdotado. El punto de arranque para un film que gira radicalmente al suspense (por ejemplo, los ascensores pueden ser un elemento vital) y que De Palma sale airado por las interpretaciones de los veteranos Michael Caine y Angie Dickinson, con una psicópata de pelo también rubio al acecho y una Nancy Allen (vaya, otra rubia) candidata a nueva reina del grito y, por aquel entonces, pareja del director.

LA VOZ DORMIDA.

Se trata de una película interesante sobre todo debido a la interpretación de las dos actrices protagonistas (María León e Inma Cuesta)son ellas las que tienen casi todo el protagonismo de esta historia , pero también debido a su tratamiento de los personajes. Porque sí, ya sabemos que se hacen muchas películas sobre la guerra civil y la posguerra en el cine español...y sí, ya sabemos a qué bando suelen apoyar el 99% de las veces los guionistas y directores pero esto no quiere decir nada pues de lo que se trata es de no olvidar este oscuro pasaje de nuestra historia . Así pues, me sorprendió gratamente descubrir como espectador a esas dos hermanas, que no son sino dos formas diferentes de oponerse y sobrevivir (o no) al régimen. Y con ellas a otros personajes secundarios, sobre todo los del 'otro bando', los cuales no necesariamente se corresponden con la imagen que nos da de ellos la mayoría de películas (sino que dudan, tienen sentimientos, compasión, se salen de la norma, etc). Benito Zambrano sabe cómo explorar los momentos más emotivos de la historia acompañandola con una excelente fotografia de Alex catalán. En conclusión una pelicula para no olvidar y muy recomendable por todo lo que esconde y da.

LEÓLO

Léolo es realmente una obra desconcertante. Si no te consigue fascinar la introducción del film dudosamente podrás acompañar a este inolvidable niño por su viaje hipnótico y surrealista. Lástima que haya visto la versión doblada, pues seguramente cuando consiga verla en V.O. merezca un 10. Locura, sueños, sordidez, amor, deseperación, poesía... Todo se mezcla en la triste y dura realidad de la que el pobre Léolo intenta escapar en cada momento entregándose a la escritura, a ese cuaderno que guarda su verdadero mundo. Negando la verdad que le rodea, su esperanza va mermando según va haciendose mayor. Y el espectador queda enamorado para siempre. "Porque sueño no lo estoy. Porque sueño, sueño. Porque me abandono por las noches a mis sueños antes de que me deje el día. Porque no amo. Porque me asusta amar. Ya no sueño. Ya no sueño. A ti la dama, la audaz melancolía, que con grito solitario hiendes mis carnes ofreciéndolas al tedio. Tú que atormentas mis noches cuando no sé qué camino de mi vida tomar... te he pagado cien veces mi deuda. De las brasas del ensueño sólo me quedan las cenizas de la mentira, que tú misma, me habías obligado a oír. Y la blanca plenitud, no era como el viejo interludio y sí, una morena de finos tobillos que me clavó la pena de un pecho punzante en el que creí, y que no me dejó más que el remordimiento de haber visto nacer la luz sobre mi soledad".

HUNGER (2008)

Fantástico trabajo, difícilmente superable en casi todos los sentidos. Partiendo del punto de vista estético considero que el montaje es de un gran valor, llevando a cabo experimentos poco vistos antes. Una buena fotografía y unas actuaciones que sólo pueden ser tan buenas al nacer de una gran libertad de acción dejada en manos de los actores y de una excelente dirección (por supuesto ambas cosas no son contradictorias). Entre las actuaciones quisiera destacar la de Stuart Graham, quien aparece como funcionario de prisiones. Sus modales impasibles y movimientos rutinarios, su expresión fría y su dolor contenido llegan a poner los pelos de punta en varias ocasiones. Ni que decir de la conversación entre Bobby Sands (Michael Fassbender) y un párroco católico (Liam Cunningham) con 17 minutos en el mismo plano. Este es el punto cumbre del film, donde se canaliza toda la fuerza que va ganando progresivamente y desde donde llegamos al final conocido por todos, ahí está el "quid" de la cuestión. Este es uno de los puntos donde Steve McQueen se encumbra como un genial director, interesado en ir más allá (diría en la verdad, pero ésta es algo tan relativo que sería pretencioso por mi parte utilizar semejante palabra). Es un film atrevido porque, entre otras cosas, viene a desmitificar en cierto sentido la mitologizada figura de Bobby Sands. Y es que el director se niega a hablar de justicia o injusticia, más bien habla de sentimientos, miedos y creencias. Desde el mismo momento de su muerte Sands consiguió lo que pretendía: convertirse en un símbolo de la lucha armada, centrar la atención pública mundial, mostrar a los británicos como sádicos intransigentes y provocar una ola inmensa de alistamientos al Ejército Republicano que insufló aire durante varios años más al movimiento.